カテゴリー: インタビュー

訪日客でごった返す渋谷・スペイン坂に、この春新名所が誕生した。RIDEによる“ランニングカルチャーショップ”、「タイクーンランニング（TYCOON RUNNING）」だ。手掛けているのは、若い頃からスニーカーカルチャーにどっぷり浸かってきた今井崇ディレクター。今井ディレクターはスニーカーショップ「アトモス（ATMOS）」を経て、新宿で「ダウンビートランニング（DOWNBEAT RUNNING）」を手掛けた後、この3月に渋谷パルコ4階で「タイクーンランニング」のポップアップを実施。間髪空けずに、スペイン坂に常設店をオープンした。ランニングが世界中でブームとなる中で、「タイクーンランニング」も早速国内外の客から注目を集めている。

WWD：「タイクーンランニング」の立ち上げ経緯は。

今井崇「タイクーンランニング」ディレクター（以下、今井）：自分自身がランニングをするようになって、ランニングシューズに興味を持つようになりました。大手スポーツチェーンによるランニングショップは昔からありましたが、どうも部活の延長線上のイメージで、“運動”の域を出ない。それって、あまり面白くないなと思ったんです。当時の自分は「アトモス」で働いていましたが、スニーカー界のトレンドとしても、長く続いたバスケットボールシューズの流れが徐々に衰退して、次はランニングシューズの時代が来るんじゃないかと思っていました。

そうこうしていたらコロナ禍が明けて、訪日客が戻ってくると共に「オン（ON）」や「ホカ（HOKA）」のランニングシューズが猛烈に売れ始めた。ランニングシューズ主体でスニーカーショップをやっても売れるはずだという思いを強めて、23年にランニングカルチャーショップの「ダウンビートランニング」を新宿でスタート。25年に渋谷で「タイクーンランニング」を立ち上げました。

WWD：大手スポーツチェーンのランニングショップと、現在手掛けている「タイクーンランニング」や以前手掛けていた「ダウンビートランニング」は何が違うのか。

今井：大手スポーツチェーンのランニングショップを否定するつもりはありません。それはそれとして、しっかりマーケットをつかんでいます。でも、そういう店とは異なる、ストリートカルチャー的な匂いのするランニングマーケットが、いま黎明期なんだと思う。マラソン大会を見れば分かりますが、ランナー人口ってボリュームは大きいけれど、おしゃれな人はそんなに多くない。走ることは大好きなんだけど、ファッションやスタイルにはあまり興味がなさそうな人が大多数です。でも、実はその中にも自己主張をしたい人はいるんじゃないか。ランニング専門誌が抱えているような、競技性重視のランナー像とは違ったスタイルを求めている人がいるんじゃないかと思って、店を始めました。

WWD：「ストリートカルチャーの匂いがするランニングショップ」を、より具体的に噛み砕くとどういうものか。

今井：例えばウエアだったら、グラフィックの使い方一つとっても今までのランニングブランドのアプローチとは全く違う。店のBGMにもかなりこだわっていて、ダンスミュージックに寄せた選曲にしています。カルチャー的な背景が好きな人たちが集まるから、グループランイベントでは、自然と走ることだけでなく音楽や洋服などの話で盛り上がります。

「アトモス」に勤めていたころ、「オン」に招かれて本社スイスのツアーに参加したことがありました。そこにパリのランニングショップ「ディスタンス（DISTANCE）」のファウンダーも来ていたんです。存在は知っていましたが、よく調べてみたら「こんなかっこいい店があるのか！」と。当時はカルチャーを感じさせるランニングショップというと、「ディスタンス」のほかは米テキサス・オースティンの「ザ・ループ（THE LOOP RUNNING SUPPLY）」、米カリフォルニア・オークランドの「レネゲイド（RENEGADE）」くらいしかありませんでした。それでますます、「このマーケットにはチャンスがあるんじゃないか」という思いを強めました。

WWD：「タイクーンランニング」では、パリの「サティスファイ（SATISFY）」やロンドンの「ソアー ランニング（SOAR RUNNING）」など、まだ日本ではまだあまり知られていないインディペンデントなランニングブランドも多数扱っている。

今井：例えば「サティスファイ」は、（スポーツブランドの枠組みの中ではなく）本当にパリのファッションのど真ん中でやっているブランド。こういうスタンスでランニングウエアを作っている人たちがいることが新鮮でした。価格もTシャツで2万5000円前後、ショーツで5万円前後と決して安くはない。日本のマーケットにハマるかは分からないけど、面白そうだからやってみようと「ダウンビートランニング」で取り扱いを始めたんです。蓋を開けたら、日本人にもこういうムードのブランドを求めている人はいたし、韓国やタイ、インドネシアなどのお客さまにもハマった。今、東南アジアの若い富裕層の間で、ランニングカルチャーがホットトレンドになっているんだと思います。あの暑さの中でおしゃれをして走るというのが彼らのステータスになっている。頻繁に来日して、「サティスファイ」を10万円分くらいどんと買っていきますよ。

昨年、韓国の街を視察した際は、大手スポーツブランドはなしで「サティスファイ」「ソアー ランニング」「ディストリクト ビジョン（DISTRICT VISION）」のみで構成している尖ったランニングショップがありました。「ノルダ（NORDA）」も単独ポップアップショップを開いており、ランファッションが日本より進んでいる印象を受けました。

「走ることは手段であって
目的ではない」

WWD：3月に開始した渋谷パルコ4階でのポップアップも含め、「タイクーンランニング」の訪日客の売上比率は。

今井：約8割ほどです。アジアだけでなく、欧米の観光客もいますし、渋谷は代々木公園が近いので、日本人のランナーも増えている。理想的なお客さまの構成に近づいています。お客さま全員がランナーなわけでは全くなく、扱っている「ホカ」「オン」「サロモン（SALOMON）」がトレンドになっていることで、話題のシューズとして買いにくるお客さまは非常に多い。面白いのは、ランナーではないのに「これは走ることができる靴か？」と訪日客の方に聞かれることです。実際に走るわけではないけど、ランニングシューズを履くということ自体が“イケてる”という認識になっているんだと思う。あと、訪日客の方は観光でとにかく歩くので、ランニングシューズならいくら歩いても安心だと考えているようです。

WWD：“シティーランニング”にフォーカスしているが、改めて“シティーランニング”とは何を指すのか。

今井：レースや大会に主眼を置くのではなく、街を自分のペースで、楽しんで走ることです。だから、「タイクーンランニング」ではレース用の最高峰のランニングシューズも一部は扱っていますが、メインはそこではない。自分のために楽しく走ることがベースにあるから、ジョグができて、街でもカッコよく履けるシューズを中心にセレクトしていますし、アパレルもシングレット（タンクトップ）や選手用の非常に短い丈のショーツなどではなく、カジュアルウエアとしても着られるもの。街着とランニングウエアをシームレスにつなげるようなアイテムをセレクトしています。

例えば、汗を吸って乾きづらいコットンのTシャツは、通常はランニングショップにはなかなか置いていないアイテム。でも、「タイクーンランニング」のオープニングに合わせて、アムステルダム発のランニングブランド「フォーティーツー（4T2）」に別注をお願いしたのは、コットンTシャツでした。このブランドのオーガニックコットンのTシャツが着心地がよかったから、「フォーティーツー」にお願いするならあれがいいなと思ったんです。一方で、日本のランニングブランド「マウンテンマーシャルアーツ（MOUNTAIN MARTIAL ARTS）」に別注したTシャツはポリエステル100％。ランニングショップだからこれでなければダメというのではなく、用途や意図に合わせて、いろいろ使い分けています。

WWD：真面目な日本人は、「ランニング＝フルマラソン」という発想が強く、レースに出るとなればスピードを追求しなければいけないというムードになりがちだ。

今井：確かに競い合ったり、タイムを追求したりするのが好きなランナーもいますし、それはそれでいい。そういう志向のランニング専門店に行けば、すばらしい販売員が走力に合った最適なシューズをしっかり紹介してくれます。一方で、僕が伝えたいのは単純に走ることは楽しいし、ランニングから生まれるコミュニケーションも楽しいよということ。僕にとって、走ることは手段であって目的ではない。最終的な目的が、走ることだけではないんです。高校生の息子に話を聞くと、スポーツ系の部活は勝つために型にはまったやり方を強要されて、それが苦しいみたい。自分の学生時代を思い出しても、体育の授業ではマラソン大会のために無理やり走らされて、それで走ることが嫌になった人は多いと思います。でも、自分のペースで走るのは純粋に楽しいし、体も心も健康になる。それっていいことずくめじゃん！ということを伝えたい。

WWD：コミュニティー作りとして、「タイクーンランニング」では毎週グループランも実施している。

今井：毎週水曜20時から行っているグループランは、事前の申し込みは必要ありません。スタート時間の10分前くらいまでに、走れる格好で店に来てもらえたらそれでOK。代々木公園を中心に5キロほど、コミュニケーションを取りながら走っています。20〜60代まで、幅広く参加いただいています。男女比は7：3ぐらいです。

韓国やインドネシア出店も目指す

WWD：そもそも音楽やスニーカーなどストリートカルチャーにどっぷりだった今井ディレクターは、何をきっかけにランニングにハマったのか。

今井：今55歳ですが、走り始めたのは46歳ぐらいのとき。若い頃からずっとストリートカルチャーの世界にいて、当時は昼はスニーカーの仕事をして、夜はバーの経営もしていたから、朝まで遊んで酒を飲んでタバコも吸って、という生活。でも体を壊して、一気に成人病の症状が出てしまったんです。そこから走り始めて、自分で生活のサイクルを整えるようになったらものすごく健康になった。夜は早く寝て、朝は早く起きて走って。僕自身もそんなふうにポジティブに変わったんだから、これが世の中に広がればすごくいいんじゃないかと思いました。これからはウェルビーイングとか、病気をしない体を自ら作っていくことが時代のキーワードになる。平均寿命が延びていますが、重要なのは健康上の問題で日常生活を制限されない、健康寿命を延ばすこと。健康に関わるカルチャーを発信する店は、今後ますます重視されると思います。

WWD：頭では体にいいと分かっていても、なかなかランニングを続けられないという人もいる。

今井：走り続けるためのモチベーションとして、ファッションやコミュニティーを提供できる場を作っていきたい。僕は中学時代陸上部だったんですが、当時は大会ありきで走らされている感じが嫌だったし、何よりウエアが圧倒的にダサかった。常にジャージで、大会ではシングレットにホットパンツみたいな丈のショーツ。そんなイメージが、「アトモス」時代に「アディダス（ADIDAS）」に皇居ランに誘われて変わったんです。今どきのランニングウエアやシューズって、すごくおしゃれなんだな！って。「アンダーカバー（UNDERCOVER）」の高橋盾さんがナイキ（NIKE）と「ギャクソウ（GYAKUSOU）」を始めた2010年ごろから、おしゃれなランニングというものが広がり始めたのかなと思います。僕が走り始めたのはそれよりもちょっと後です。

WWD：「タイクーンランニング」は、品ぞろえと共に工事現場のような内装も印象的だ。

今井：東京の街は至るところに工事現場があって、とどまるところがない、常に進化しています。それってランニングをしている自分たちと通じるところがあるなと思ったんです。それに工事現場の標識って、東京っぽくてアイコニック、アイキャッチーですよね。30年以上の付き合いのあるグラフィックデザイナーに工事現場を思わせる赤や黄を主体にしたショップロゴのグラフィックを作ってもらったら、このアイデアは内装にも使えるんじゃないかとひらめいた。それで、街を走っている時に工事現場に出くわしたら、内装に使えそうなアイデアを写真に撮り溜めていきました。

まずはパルコ4階でのポップアップ展開だったから、内装にそこまでお金をかけたくなかったし、とはいえレンタル什器では引きが弱い。工事現場の案内板やバリケード、クッションドラム、三角コーンといった資材を使えば、ユニークな店になるなと思ったんです。ネットで調べたら、工事現場の資材って「モノタロウ」というサイトで買えるんですよ。これは使えるなと思いました（笑）。

WWD：「タイクーンランニング」オープン以来の反響は。

今井：パルコ館内でのポップアップから、スペイン坂の常設店に移って以来、店の前を通るフリー客の入店が想像していた以上に多い。日の売り上げが100万円を超えることも出てきました。まずはこの店で地固めをして、ある程度手応えを得たら、2号店、3号店の出店を考えていきたい。韓国やインドネシアなど、海外に出店したいという気持ちもあります。

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イエローカラーのラベルや、太陽にちなんだイベントの数々――シャンパンメゾン「ヴーヴ・クリコ（VEUVE CLICQUOT）」は、「ソレール（Solaire、仏語で太陽の意味）のように輝くメゾン」だ。創業から250年以上にわたり、日の出のような「夢」や「希望」「喜び」に満ちたライフタイルを提案してきた。

そんなヴーヴ・クリコのジャン＝マルク・ギャロ（Jean-Marc Gallot）CEOが来日した。太陽のような笑顔で、メゾンの立役者であるマダム・クリコへの思いやお気に入りの飲み方などを語った。

敬愛するマダム・クリコ

WWD：これまで数々のラグジュアリーブランドを渡り歩いてきたとか。

ジャン＝マルク・ギャロ ヴーヴ・クリコCEO（以下、ギャロ）：これまで「カルティエ（CARTIER）」や「フェラガモ（FERRAGAMO）」「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」などで要職を歴任してきた。この間に学んだことは、予期もしない夢を与えることが“ラグジュアリー”であること。そして、その夢を形作るのが、クラフツマンシップとサヴォアフェールであることだった。この考えは今も変わっていない。

WWD：「ヴーヴ・クリコ」のクラフツマンシップとサヴォアフェールとは？

ギャロ：私たちは徹底的にピノ・ノワールにこだわる。なぜなら、メゾンの礎を築いたマダム・クリコがこよなく愛したブドウだから。規定を満たすピノ・ノワールが収穫できた年のみ製造している“ラ・グランダム”を飲んでもらえば、「ヴーヴ・クリコ」のクラフツマンシップとサヴォアフェールを体感してもらえるだろう。ちなみに、商品名である“ラ・グランダム”は、仏語で“シャンパーニュ地方の偉大なる女性”を意味する。つまり、マダム・クリコのことだ。

WWD：ギャロCEOにとってマダム・クリコとは？

ギャロ：夫に先立たれ、1805年に「ヴーヴ・クリコ」を引き継いだ。女性の経営者が認められていなかった時代に「未亡人が家業を引き継ぐ」という例外としてスタートした。弱冠27歳の彼女に、家族や友人は「あなたが背負う必要はない」と言っていたらしい。

マダム・クリコは、発明家と呼ぶにふさわしい。例えば、単一年のぶどうから作るビンテージ・シャンパン、赤ぶどうと白ぶどうのブレンドで作るロゼ・シャンパン、これらを澄んだ液体にするための動瓶台など、今ではあたり前となっていることも彼女の発明だった。

ある日、ベルナール・アルノーLVMH会長兼CEOから「そろそろアイコンとなるセレブリティーを起用してみては」と話を持ちかけられた。彼は、「ディオール（DIOR）のリアーナ（Rihanna）やジェニファー・ローレンス（Jennifer Lawrence）のような」と例を示した。しかし、私は「アイコンはすでにいる。マダム・クリコだ。これまでもこれからも、『ヴーヴ・クリコ』のアイコンは彼女しかいない」と答えた。世界中を見渡しても女性の名前を冠したブランドは数が限られている。ワイン＆スピリッツのカテゴリーだったら「ヴーヴ・クリコ」くらいだろう。私たちは、それを心から誇りに思っている。

WWD：そんなマダム・クリコの意思を継ぎ、何かアクションは起こしているのか？

ギャロ：確かに起業する女性は増えている。問題はそのあとだ。起業した際、女性は男性より多くの障壁に当たることが分かっている。例えば、ハイテク業界を見渡したとき、女性が起こした会社の約3％しか融資を受けられていない。まだまだ道半ばというのが本音だ。

そんな女性起業家を支援すべく、私たちは「ボールド ウーマン アワード（旧ヴーヴ・クリコ ビジネス ウーマン アワード）」を開催している。1972年の創設以降、これまでに27カ国400人の女性に授与してきた。

シャンパンは日常をきらめかせてこそ

WWD：ビールやワイン、ウイスキーなど、酒類は世界にはさまざまある。その中で、シャンパンだけが持つ魅力とは？

ギャロ：シャンパンはお祝いのシーンはもちろん、何気ない1日にもぴったりのアルコールだ。たとえ何も予定がない1日でも、シャンパンを開ければ特別な1日に生まれ変わる。これはシャンパンだけが使える魔法だ。

「シャンパンをカジュアルなシーンで飲んでほしい」。私たちはそう強く願っている。今年は5月21、22日の2日間にわたり、富士山の麓でピクニックを開催した。このイベントは、日本での開催を皮切りに今後世界の主要都市で開催していく。

WWD：2022年開催の企画展「ヴーヴ・クリコ ソレール カルチャー〜太陽のように輝く250年の軌跡〜（以下、ソレール カルチャー展）」も、日本をキックオフの地に選んだ。

ギャロ：実は、現在の国別の売り上げは、日本と米国がツートップ。私がジョインした頃は、日本は3番手、あるいは4番手だったと記憶している。しかし、この11年間で売り上げは倍増した。これは、アルノー会長の言葉を借りるなら、「デザイアビリティ（Desirability、魅力的であること）」を追求した結果だろう。いずれは「ルイ・ヴィトン」くらいの売り上げも夢じゃない。

加えて、“ソレーユ カルチャー”を持つ「ヴーヴ・クリコ」と“日出ずる国”の別名を持つ日本は、太陽を通してつながっている。このような絶対的な共通点があるため、イベントを企画するときも自然にアイデアが浮かんでくる。

WWD：他の国では、どのようなイベントを実施してきた？

ギャロ：昨年、フランス・ランスとオーストリア・ウィーン間を移動する夜行列車・オリエント急行で行ったイベントは、「ヴーヴ・クリコ」ならではの内容だった。列車に乗り、朝5時に起床。パジャマを着たまま下車し、みんなで日の出を見た。その後、同様のイベントを、シンガポールやマレーシア、ペルーでも開催した。ペルーのチチカカ湖で見た日の出は見事だったな。

WWD：最後に、一番美味しいシャンパンの飲み方は？

ギャロ：理由もなく飲むこと。ありふれた1日が特別な日になる。365日中300日はシャンパンを飲む私が言うんだから間違いない。

WWD：ということは、自宅の冷蔵庫には常にシャンパンボトルが？

ギャロ：もちろん。どんなときも2〜3本は冷やしているよ。

WWD：フードは何を合わせるのがおすすめ？

ギャロ：何でも合う。そういえば、米雑誌「ザ・ニューヨーカー（THE NEW YORKER）」に、ハンバーガーとシャンパンボトルを並べ、「アフター・ザ・オペラ」と文言を添えた広告を載せたこともあったな。「オペラを鑑賞した後、ハンバーガーを片手に日常に戻る。その日常に『ヴーヴ・クリコ』がきらめきを添える」。まさにメゾンが伝えたいメッセージだ。

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「ボクは日本一かっこいいトイレ清掃員」（岩波ジュニア新書）が6月15日に刊行した。著者は、東京・奥多摩を拠点に活動するトイレ清掃のプロ集団OPT（オピト）のリーダー大井朋幸だ。町に点在する公衆トイレの便器の隅々まできれいにし、床も雑巾掛けをすることで“寝転がれる“レベルまで磨き上げる。その徹底した姿勢が国内外のメディアの目に止まり、全国の学校や地域イベントでの講演、清掃ワークショップなど、活動の幅が広がっている。

大井にとって清掃は単純な作業ではなく表現だという。ストライプシャツに赤いスニーカー、シッポのキーホルダーを身につけ、現場に立ち続け、チームには「奥多摩ピカピカトイレ＝OPT」という名を授け、清掃にファッションと遊び心、そして誇りを掛け合わせてきた。「ピカピカの哲学」はどこから来て、どこへ向かうのかをたずねた。

清掃を通してその地域の観光価値を高める

WWD：起業と書籍出版を経て、活動の広がりをどのように実感されていますか？

大井朋幸（以下、大井）：正直、起業も執筆もまったく考えていませんでした。まさか、自分がトイレ清掃で独立して、本を出すなんて想像もしていなくて。でも、数年前から「うちのトイレもお願いできませんか？」と、他の市町村や公園から声が届くようになってきたんです。当時は奥多摩に根ざして活動していましたが、次第に他の地域にも関わりたい気持ちが芽生えました。会社員のままでは限界があると感じ、独立する道を選びました。

トイレをピカピカにするのは当たり前。清掃を通してその地域の観光価値を高めたい、そして何よりもそこに暮らす人たちをもっと輝かせたい。そんな思いを込めて、「OPT」を立ち上げました。

WWD：OPTの活動の中で印象に残った出来事はありますか？

大井：自分で言うのもなんですが、僕たちが担当しているトイレはけっこうきれいなんですよ。だからこそ、生活の場になってしまうことがあるんです。赤い鍵がロックされたままノックしても返事はないけど、何日か誰かがここで暮らしてる気配がある。そういうときは町や警察に報告するんですが、以前、海外メディアから「トイレがきれいすぎると、逆に治安が悪化する。人が溜まりやすくなって、薬物を使う場所になることもある」と言われたことがあります。たしかに、それも現実の1つ。だからといって僕は、きれいなトイレを諦めたくはないんです。

「トイレがきれいになった」という声をよくいただきますが、僕らの活動を知った自治体や個人から「OPTを知ってから、うちのトイレも変わりました」と連絡をいただくこともあって、本当にうれしいですね。

WWD：YouTubeで「仕事は本気で遊ぶけど、遊びは仕事にしない」と話しているのが印象的でした。

大井：本気で仕事を遊ぶとは、「どうすればもっと楽しくなるか」を自然に考えることです。工夫や研究を重ねながら清掃していると便器や床がどんどん輝きます。時間もあっという間に過ぎて、「もうこんな時間？」と感じるほど夢中になれるんです。真剣に遊ぶように仕事ができれば、会社も従業員も満足でき、長く続けられます。

ファッションから始まる「OPT」のコミュニケーション

WWD：ファッションにこだわることは、「仕事は本気で遊ぶ」ことにつながるのでしょうか？

大井：僕は何事も形から入るタイプです。だから清掃員として働き始めた時から、身だしなみにこだわっていました。ただ、それがきっかけでファッション誌や海外メディアから取材を受けるようになるとは思ってもみませんでした。一時はファッションが嫌いになり、誰にも会いたくないし、見られたくもなかった時期もありましたが、やはりファッションは大切だと改めて感じています。

「衣・食・住」の中で「衣」が一番最初に来るのは、身体を守るという意味もあると思います。トイレ清掃という汚いというイメージをもたれてしまうことがある仕事でも、ファッションを変えるだけで子どもたちが寄ってくるようになる。いつも付けている尻尾キーホルダーは“お守り“のようなもので、子どもたちに触られすぎて今でもう4代目です（笑）。

WWD：「トイレは人間の縮図だ」とおっしゃっていましたね。

大井：トイレを汚してしまうことが多いのは女性の方ですが、それはマナーが悪いわけではありません。むしろ、美意識が高いからこそ、自分を清潔に保つためにゴミをトイレ内に置いたり、髪を整えたりするんです。ゴミを持ちながらショッピングをしたくない気持ちはわかりますよね。でも、トイレはゴミ箱ではありません。そこはしっかり意識してほしいと思います。

WWD：利用者を信じるとはどのような感覚ですか？

大井：信じることで、使う人も清掃する人も“仲間“になれると思っています。公衆トイレの清掃は、清掃員だけでは決して完璧にはできません。利用者の協力があって初めて成り立つんです。利用者が「信じてもらっている」と感じてもらえたら、「きれいに使おう」と思う人も増えるはずです。苦情を言うよりも信じて、仲間になってもらうことが、トイレをきれいに保つ一番の方法だと考えています。

たとえば、雨の日でも清掃作業をすると、周りからは「そこまでする必要ある？」とか「どうせまた汚れるんだから」と言われることがある。でも、僕にとってはそれが普通。雨水で滑るから怖いけど続ける。自分にとっては当たり前でも、実はみんなそこまでやっていないと気づいたときにちょっと驚いたんですよね。

世界を舞台に活躍する仲間、後継者と共に、OPTはその先へ

WWD：長く続けるために心がけていることを教えてください。

大井：「誰かのために」とか「お金のために」という気持ちでやっているわけではありません。自分が気持ちいいかどうか、ワクワクするか、納得できるか、それがすべてです。

会社を立ち上げてもその考え方は全然変わらなかった。「稼がなきゃ」と焦るかと思いきや、そうでもなくて。これでいいのかなと思いますけど、自分らしく生きてるんだと思います。

今の一番の目標は「生き続けること」ですね。去年できたことが、今年は体力的につらいときがある。だからこそ、後継者を育てたい。育てるというより、出会いたい。そんな感じです。

WWD：後継者はどんな人が向いてると思いますか？

大井：やっぱりファッションに興味があって、自分をプロデュースできる人がいい。自分に似合う服や髪型を理解してる人。メディア対応やSNS、YouTubeに出ることもあるだろうし。目立つことを嫌がらず、でも派手なだけじゃない、芯がある人がいい。僕も別に目立ちたがり屋じゃないけど、ファッションは好き。ギャップがあるからこそインパクトが生まれるんです。

「OPT」の制服を、土色の作業着からストライプ柄のかわいいシャツに赤い靴へと変えたとき、コワモテの先輩も刺青のある人も、そのシャツを着て鏡の前で照れている姿がとてもかわいらしかったです。制服がきっかけで、子どもからシニアまで多くの人に声をかけてもらえるようになりました。見た目と中身のギャップで人の心が動くなら、それはもう大きな武器です。綺麗なトイレを目指すには、そうしたコミュニケーションや心の動きが何より大切だと思います。

WWD：10年後の「OPT」のビジョンを教えてください。

大井：世界に羽ばたいていると思います。2年後、3年後にはすでに動き出しているかもしれません。後継者は世界を舞台に活躍しているでしょう。もしかしたら、トイレ清掃で宇宙に行っているかも！

と言いながらも僕は、今と変わらず10年後も現場でトイレをきれいにしていたい。場所は奥多摩でももっと遠くでもいい。やっぱり現場が好きなんですよ。健康でいて、今日と同じように現場に立てていることが何よりの幸せだと思います。

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「カラー（KOLOR）」は6月28日、創業した阿部潤一デザイナーに変わり、堀内太郎クリエイティブ・ディレクターが全権を担った2026年春夏コレクションをパリで発表した。デザイナーズブランドのトップ交代は、海外では「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」や「アン ドゥムルメステール（ANN DEMEULEMEESTER）」など一般的だが、日本では珍しい。加えて、解体と再構築、ドッキングを主とする足し算が真骨頂の阿部と、ミニマルを信条とする堀内というアプローチの違いを心配する声も少なくはなかった。

そんな中で堀内が見せたのは、解体と再構築、ドッキングする洋服にニュアンスを加えたコレクション。個人的には「もう少し“堀内らしさ”を加えてもいいのでは？」と思ったが、「カラー」を継承するものとして上々のスタートを切ったと言えるだろう。ショーの翌日、パリのショールームに堀内を訪ね、改めて「カラー」のクリエイティブ・ディレクターに就任した時の気持ちから、ファースト・コレクションについて聞いた。

WWD：「カラー」での初めてのファッションショーが終わった今の率直な感想は？

堀内太郎「カラー」クリエイティブ・ディレクター（以下、堀内）：すでに次のコレクションを考えている。自分の役割は、継続して良いコレクションを生み出し続けること。「カラー」のDNAや、「カラー」らしさと自分らしさのバランスを意識しながら、この仕事を続けていきたい。

WWD：改めて「カラー」を創業した阿部潤一さんから打診を受けたときは、どう思ったのか？

堀内：当然、めちゃめちゃ驚いた。「カラー」のアトリエで働き始めた時に思い出したのは、阿部さんとの出会いは2007年。アントワープ王立芸術学院の在学時、先輩デザイナーのベルンハルト・ウィルヘルム（Bernhard Willhelm）の展示会に行ったとき、隣で展示会場の設営をしていたのが阿部さんだった。後で聞くと、あれが「カラー」で初めてのパリコレだったという。自分は、（阿部が「カラー」の前に手がけていた）「ppcm」は知っていたが、当時「カラー」は知らなかった。12年の（阿部が大賞を、堀内が新人賞・資生堂奨励賞を受賞した）毎日ファッション大賞まで会うことはなかったが、海外から友人のデザイナーが来日すると「『カラー』を見にいきたい」と言われることが多く、「海外でも人気があるんだな」と思っていた。打診を受けたのは、12年以降ときどきご一緒していた食事会のとき。いつも通りの食事会だと思って少し遅れて行ったら、「実は……」という話だった。阿部さんはまだ60歳になる前だったから、ブランドの継承なんて考えているとは思っていなくて、驚いた。

WWD：それでも、阿部さんの打診を引き受けた。

堀内：自分は、好奇心が強いタイプ。コレクションブランドで働いた経験もあるし、これまでもさまざまなプロジェクトに携わってきた。阿部さんの打診は、自分のこれまでのキャリアとは矛盾しない。さまざまなプロジェクトに携わり感じたのは、全ては、やってみなくちゃわからないこと。だから挑戦した。

足し算の美学にも触れてきたから
「カラー」はできないとは考えなかった

WWD：特に近年の「カラー」は、洋服を解体・再構築してからドッキングする“足し算“のクリエイションだ。ミニマリズムをベースとしてきた堀内さんとは、クリエイションの方向性が真逆に近い。だからこそ「カラー」のクリエイティブ・ディレクターに就任することは驚いたが、不安はなかった？

堀内：全くなかった。自分の趣味・志向には削ぎ落としていく美学があるが、ファッションを学ぶ中では、さまざまな足し算の美学にも触れてきた。「これはできない」という考えは全く浮かばなかった。

WWD：「カラー」における、現段階の一番のミッションは？

堀内：もちろんブランドに新しさをもたらすべく、これまでにない提案もしていきたい。ただ同時に、自分自身もっと「カラー」を理解しなければならないし、マーケットの要求に応える必要もある。バランスや全体の調和を意識しながら、変化していくことが大きなテーマだと思う。

WWD：これまでの「カラー」をどう捉えている？

阿部：「カラー」は、阿部さんの洋服に対する知識量が核にあってこそ。キャラクターを決定づけているのは、ユーモアだと思う。テーラリングを中心とする知識とユーモアをアイデンティティにしながら、どのように自分らしい新しさを加えていくか？そう考えた時の自分らしさは、「理解力」や「咀嚼力」だと思った。こうした力があるからこそ、「デサント（DESCENTE）」（スポーツウエアの機能性を搭載したハイスペックなテックウエアを開発）や「ムジ（MUJI）」（”ムジ ラボ”のラインを監修）にも携わることができたから。

WWD：そんな咀嚼力のあるデザイナーにブランドを託し、クリエイションをアップデートするという戦略は、ジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）の「ディオール（DIOR）」しかり、海外では当たり前なのに、日本では珍しい。

堀内：だからこそ、初めて打診を受けた時は驚いたが、今は日本のブランドも海外勢のように進化できるのか？に自分自身関心を寄せている。

阿部さんの財産に意味を
加えていくのが重要

WWD：実際26年春夏コレクションでは、「カラー」らしさと自分らしさをどう融合させた？率直に言えば、今回は予想以上にこれまでの「カラー」だった。これまでの「カラー」らしさと新しさのバランスで言えば、2:8とか3:7くらいのイメージ。

堀内：アーカイブを見直してインプットしながら気づいたのは、阿部さんも僕も洋服が好きで、知識もあり、カルチャーへの造詣もそれなりに深いと思っているが、阿部さんはより洋服に傾倒し、一方の自分はカルチャーに興味や関心を寄せていること。阿部さんの「カラー」がテーラリングを中心とする知識とユーモアを7:3とか6:4で融合しているとしたら、自分はよりカルチャーをミックスしたい。知識とカルチャーのバランスで言えば、4:6くらいかな？と思っている。

阿部さんの「カラー」はシーズンテーマを持たず、ゆえにそれぞれのアイテムが異なる年代に由来していたり、異なるものが集まることでシーズンの特徴が形作られていったように思うが、自分は（コレクションのたびにインスピレーション源を集める）ムードボードを作るタイプ。テーマは、今まで以上に集約されるだろう。あくまで服を中心とする阿部さんと、世界観を重んじる自分の掛け算が魅力になる。

例えば26年春夏は、「2001年宇宙の旅」を想像しながら時間の経過を考えた。阿部さんの退任や自分の就任など、「カラー」でも時間が経過し、過去から現在、そして未来に向けて変容を続けている。だからこそ、今シーズンは洋服の一部を切り抜き、異素材を飛び出させる阿部さんらしいクリエイションに「脱皮」のような意味を込めた。

ファーストルックのインナーは、小説「オーランドー」を記したヴァージニア・ウルフ（Virginia Woolf）の晩年期をドットで描いたもの。ジェンダーの境界が薄れつつある今、男性性と女性性の間で、時間と共に揺れうごいた主人公を記したヴァージニア・ウルフを、これまでの「カラー」らしいテクニックでデザインに落とし込んでいる。その上に羽織ったのは、ピュアホワイトのジャケット。"色のない”「カラー」を纏うことで、新しい時代に向かうことを表現した。ハイテク素材の外付けポケットをあしらったジャケットは、その外付けポケットを切り込みポケットの中に入れると、ジャケットがコルセットのようなシルエットに変容する。昔から存在するコルセットを現代のジャケットと融合させつつ、未来を思わせるハイテク素材を用いた。こうして、阿部さんの財産に意味や文脈を加えていくのが重要だと思っている。

WWD：確かにこれまでの「カラー」は良い意味で最終形態、商品としての洋服に最大の注意を払ってきた印象がある。それが生まれるまでの文脈や意味などが伝われば、これまでと違う形に進化できるかもしれない。

堀内：（これまでの自分とは）違うブランドのDNAをいかに料理し、それを楽しむか？が自分のミッション。僕の仕事は、デザイナーというよりディレクター。（母校の）アントワープでは、服作りにはビジョンが必要だと叩き込まれてきた。一方の阿部さんは、文化服装学院でパターンを学び、業界に羽ばたいた。僕でさえ「この服は、どうやって作っているんだろう？」と思うことさえある。服を見ただけではパターンを理解できない「カラー」の服に、ビジョンを融合したい。

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「シティショップ（CITY SHOP）」コンセプターで現在はフリーランスのクリエイティブ・ディレクターとして活動する片山久美子と、スタイリストの高木千智が新ブランド「イーヨ（Y YO）」を2025-26年秋冬シーズンに立ち上げた。「モードなカシミヤブランド」をコンセプトに、モンゴル産の上質なカシミヤを用いたアイテムを展開する。ファーストシーズンは、ホワイトカシミヤの柔らかで上品な発色を生かした、色鮮やかなウエア9型と雑貨5型。「ロンハーマン（RON HERMAN）」や「シップス（SHIPS）」「イエナ（IENA）」「プラージュ（PLAGE）」などで取り扱う。2人にブランドに込めた想いを聞いた。

WWD：ブランド立ち上げの経緯は？

高木千智（以下、高木）：モンゴルのカシミヤ農場と長年付き合いのあるアパレルメーカーのクリケットウェブと出合ったことがきっかけでした。私は出産を機に、肌に触れるものの心地良さや、上質な服の価値を再認識していたタイミングで、カシミヤにはとても興味があったんです。でも私の好みのファッションは、白Tシャツにデニムのような超ベーシック。世の中にはすでに、ベーシックなカシミヤブランドはたくさんあります。きっと私ひとりで作っても、シンプルすぎて面白みに欠けてしまう。新しいブランドを作るなら、私とは真逆の遊び心のある人と組みたいと思い、まず頭に浮かんだのがかねてより友人の片山さんでした。

片山久美子（以下、片山）：私はバイヤーとして20年以上ファッション業界に携わってきましたが、過剰にモノを生み出すことに少し疲れを感じていました。だからこそ、もしブランドをやるなら、きちんと意味のあるプロジェクトにしたいと思っていたんです。話を聞くと、パートナー企業であるカシミヤ農場の生産背景がすごく魅力的でした。カシミヤは過放牧が原因で、砂漠化につながるとも言われています。その農場は、中国政府や現地の大学とも協業しながら、カシミヤヤギの健全な生育環境を守ると同時に持続可能な放牧を現地の遊牧民に指導するといった取り組みをしています。飼育から紡績まで自社工場で一貫生産していて高い透明性もある。こうした背景があるならば、と参加を決めました。その農場が組んでいる遊牧民の数が1140。ブランド名は、1140の語呂合わせで名付けました。

WWD：「イーヨ」ならではの強みは？

片山：私も高木さんもデザイナーではありません。スタイリストとバイヤーの私たちだからこそ提案できる面白さって何だろうと思い付いたのが、色で遊ぶというアプローチです。1つ1つのアイテムはシンプルですが、組み合わせ次第で新しい魅力が生まれるように工夫しました。また、使っているのは“ホワイトカシミヤ“と呼ばれる、白い山羊から採れる原毛です。ホワイトカシミヤならではの上品な発色だからこそ、年齢問わず幅広い人に手に取ってもらえると思います。

高木：実際に展示会では、モードからコンサバまで想像していた以上に色々な方たちに楽しんでもらえました。デザインは、私が好きな1960年代や90年代のメンズのファッション写真をインスピレーション源にしました。

片山：ミリタリーウエアに着想を得たオーバーサイズのヘンリーネックのニットや、60年代のスキーウエアをヒントにしたコンパクトなシルエットのニット、ケーブル編みの甘さのあるVネックニットなどもあります。私が着ているニットは、肩パッドを入れてモードな印象に仕上げました。グローブやフード付きストールなど、小物でも色合わせを楽しんでもらいたいですね。私はずっとバイヤーとして、売上目標ありきでモノ作りを考えるのが当たり前だった。高木さんの「これがすてき」と、感覚的にすごく自由な発想で提案してくるその姿勢がとても新鮮でした。最終的に長く愛される商品は、やっぱり自分たちが「本当に可愛い」「これを着たい」と思えるものから生まれるんですよね。そのことを、あらためて学ばせてもらいました。

WWD：今後の展開は？

片山：春夏は作らず、秋冬のワンシーズンだけ新作を出します。必要な分だけ生産し、セールはしません。ブランドとして規模の拡大を目指すというより、生産も販売も自分たちの手の届く範囲で、誠実に取り組みたい。コロナを経て、ファッションにより「意味」を求めるようになりました。ブランドにどんな背景があり、なぜそれを良いと思うのかを、お客さまにきちんと提示することを心がけています。「イーヨ」もずっと大切にしてもらえるような意味のある服を届けていきたい。

高木：大人になるとファッションも守りに入りがち。普段カラーアイテムに手を出さない人たちにも、「これだったら私も着られるかも」「ちょっと遊んでみようかな」って思ってもらえるとうれしいですね。

片山：高木さんは本当にモノを買わない人なんです。「これは！」と思った時にしか手を伸ばさない。まさに高木さんのような人に届いたらと思っています。

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西陣織の細尾は8月10日まで、京都の旗艦店2階の細尾ギャラリーで「The Hemispheres」と題した展示を行っている。本展はイタリア・ミラノを拠点とする建築・デザインスタジオ「ディモーレスタジオ（DIMORESTUDIO）」との協働から生まれた33点の新作コレクションを日本で初めて公開するもので、細尾が持つ約2万点の帯図案のアーカイブをもとに、「伝統の継承と現代の創造性を融合する」ことに挑んだ。

「Hemispheres」とは、古代ギリシャ語に由来する「半球」を意味し、本コレクションのコンセプト「東洋と西洋、伝統と現代、静と動といった対照的な価値が互いに響き合いながら一つの世界を形成する」を象徴する言葉として採用した。4月に開催されたミラノ・デザイン・ウィークで初披露し、話題となった新作はどのように生まれたのか。細尾真孝社長にプロジェクトの経緯と展望を聞いた。

WWD：初めて和柄に取り組んだ経緯を教えてほしい。

細尾真孝社長（以下、細尾）：海外に出れば出るほど「自分たちは何者か」というバックグラウンドを示したいという気持ちが強くなっていた。一方、和柄のアーカイブを海外で提案したいと取り組んではいたものの、自分たちだけで取り組むと結局「帯」になってしまい「ホソオ（HOSOO）」として提案するに至っていなかった。帯という枠を超えて、インテリアやファッションの素材としても成立する“和柄の再構築”を試みることーーそれが今回の展示の出発点だった。

WWD：コレボレーション相手にディモーレスタジオを選んだ理由は？

細尾：彼らの“装飾×装飾”の感覚、つまり装飾性を突き詰める美意識に以前から惹かれていた。2023年にミラノに開設した「ホソオ」のショールームが偶然にもディモーレスタジオのオフィスの2ブロック先の場所で、以前から「彼らと何か一緒にできたら」と思っていたところ昨年会う機会があった。日本人が持つ感性はどちらかというとミニマルで、彼らのような色合わせやスタイリングは苦手。彼らの魔法がかかるようなクリエイティブのセンスで、自分たちのアーカイブがどのように変化するのかを試してみたいと考えた。

WWD：制作はどのように行ったか。

細尾：当社が保有する約2万点の帯の図案アーカイブを13年前から京都芸術大学と連携してデジタルアーカイブ化しており、1万4000点が完了していた。そのアーカイブを彼らに見てもらい、色を細かく指示してもらい、その色に対してどのような織組織が最適かというディスカッションを重ねた。何十通りも試作をしながらフィードバックをもらう形で進めた。この工程はまさに配色と構造の革新に挑んだと言える。当初20パターンを作る予定だったのが、結果33パターンに増えた。昨年夏には京都に来てもらい、アーカイブを見てもらいつつ、京都の文化を体験してもらった。

WWD：「配色と構造の革新」とは具体的にどのようなことを指すのか。

細尾：図案は完成品ではなく、織物にするための設計図にすぎない。私たちはそれを“余白の図案”と呼び、色のない図案にその時代の色と構造を加えることで、現代の形として完成させていくという発想で進めた。ディモーレはその余白に圧倒的なセンスで色とスタイルを注ぎ込んだ。図案にあるアウトラインやカスレ、炭での汚れや破れまでも織りに落とし込むことで、経年美と退廃の美学が交錯するような独自の世界観を生み出した。

WWD：海外のデザインスタジオと組んだからこそ得られた視点は？

細尾：長年越えられなかった和柄の壁を越える機会になった。長年の呪いが解けたというか（笑）。日本人だとどうしても“良い組み合わせ”を探してしまいがちだが、ディモーレは想定外のことをどんどん持ち込んだことで、伝統的な和柄に新しい解釈を加え、タイムレスでありながら現代的な図案を生み出すことができた。また、海外に日本の工芸の奥深さを伝える重要な機会にもなったと感じている。

WWD：ミラノ・デザイン・ウィークでの展示も好評だったとか。

細尾：ブロンズアーティストのオザンナ・ヴィスコンティ（Osanna Visconti）のアトリエで展示を行ったところ、単なる展示を超えた芸術的な空間体験として高く評価されたと感じている。サローネへの登録がなかったのにもかかわらず（ショールームの展示は登録）、連日入場のために1時間以上の列ができるほど反響があった。古い家に住んでいるかのような雰囲気で、壁は何層も塗装して剥がすことで経年変化を表現するなど、映画のワンセットのような没入感のある空間をつくった。

WWD:今後、伝統柄や和柄をどのように展開していくか？

細尾：今回の経験を通じて、“余白の図案”という考え方に確信を持てた。自分たちのヘリテージとさまざまなクリエイティブをあわせて新しいものをつくっていきたい。それがある意味で着物を更新することになるのではないか。着物の更新――実は一番ハードルが高いところだと感じているから。

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西陣織の細尾は8月10日まで、京都の旗艦店2階の細尾ギャラリーで「The Hemispheres」と題した展示を行っている。本展はイタリア・ミラノを拠点とする建築・デザインスタジオ「ディモーレスタジオ（DIMORESTUDIO）」との協働から生まれた33点の新作コレクションを日本で初めて公開するもので、細尾が持つ約2万点の帯図案のアーカイブをもとに、「伝統の継承と現代の創造性を融合する」ことに挑んだ。

「Hemispheres」とは、古代ギリシャ語に由来する「半球」を意味し、本コレクションのコンセプト「東洋と西洋、伝統と現代、静と動といった対照的な価値が互いに響き合いながら一つの世界を形成する」を象徴する言葉として採用した。4月に開催されたミラノ・デザイン・ウィークで初披露し、話題となった新作はどのように生まれたのか。細尾真孝社長にプロジェクトの経緯と展望を聞いた。

WWD：初めて和柄に取り組んだ経緯を教えてほしい。

細尾真孝社長（以下、細尾）：海外に出れば出るほど「自分たちは何者か」というバックグラウンドを示したいという気持ちが強くなっていた。一方、和柄のアーカイブを海外で提案したいと取り組んではいたものの、自分たちだけで取り組むと結局「帯」になってしまい「ホソオ（HOSOO）」として提案するに至っていなかった。帯という枠を超えて、インテリアやファッションの素材としても成立する“和柄の再構築”を試みることーーそれが今回の展示の出発点だった。

WWD：コレボレーション相手にディモーレスタジオを選んだ理由は？

細尾：彼らの“装飾×装飾”の感覚、つまり装飾性を突き詰める美意識に以前から惹かれていた。2023年にミラノに開設した「ホソオ」のショールームが偶然にもディモーレスタジオのオフィスの2ブロック先の場所で、以前から「彼らと何か一緒にできたら」と思っていたところ昨年会う機会があった。日本人が持つ感性はどちらかというとミニマルで、彼らのような色合わせやスタイリングは苦手。彼らの魔法がかかるようなクリエイティブのセンスで、自分たちのアーカイブがどのように変化するのかを試してみたいと考えた。

WWD：制作はどのように行ったか。

細尾：当社が保有する約2万点の帯の図案アーカイブを13年前から京都芸術大学と連携してデジタルアーカイブ化しており、1万4000点が完了していた。そのアーカイブを彼らに見てもらい、色を細かく指示してもらい、その色に対してどのような織組織が最適かというディスカッションを重ねた。何十通りも試作をしながらフィードバックをもらう形で進めた。この工程はまさに配色と構造の革新に挑んだと言える。当初20パターンを作る予定だったのが、結果33パターンに増えた。昨年夏には京都に来てもらい、アーカイブを見てもらいつつ、京都の文化を体験してもらった。

WWD：「配色と構造の革新」とは具体的にどのようなことを指すのか。

細尾：図案は完成品ではなく、織物にするための設計図にすぎない。私たちはそれを“余白の図案”と呼び、色のない図案にその時代の色と構造を加えることで、現代の形として完成させていくという発想で進めた。ディモーレはその余白に圧倒的なセンスで色とスタイルを注ぎ込んだ。図案にあるアウトラインやカスレ、炭での汚れや破れまでも織りに落とし込むことで、経年美と退廃の美学が交錯するような独自の世界観を生み出した。

WWD：海外のデザインスタジオと組んだからこそ得られた視点は？

細尾：長年越えられなかった和柄の壁を越える機会になった。長年の呪いが解けたというか（笑）。日本人だとどうしても“良い組み合わせ”を探してしまいがちだが、ディモーレは想定外のことをどんどん持ち込んだことで、伝統的な和柄に新しい解釈を加え、タイムレスでありながら現代的な図案を生み出すことができた。また、海外に日本の工芸の奥深さを伝える重要な機会にもなったと感じている。

WWD：ミラノ・デザイン・ウィークでの展示も好評だったとか。

細尾：ブロンズアーティストのオザンナ・ヴィスコンティ（Osanna Visconti）のアトリエで展示を行ったところ、単なる展示を超えた芸術的な空間体験として高く評価されたと感じている。サローネへの登録がなかったのにもかかわらず（ショールームの展示は登録）、連日入場のために1時間以上の列ができるほど反響があった。古い家に住んでいるかのような雰囲気で、壁は何層も塗装して剥がすことで経年変化を表現するなど、映画のワンセットのような没入感のある空間をつくった。

WWD:今後、伝統柄や和柄をどのように展開していくか？

細尾：今回の経験を通じて、“余白の図案”という考え方に確信を持てた。自分たちのヘリテージとさまざまなクリエイティブをあわせて新しいものをつくっていきたい。それがある意味で着物を更新することになるのではないか。着物の更新――実は一番ハードルが高いところだと感じているから。

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――昨今、多くの化粧品が植物原料を主体としており、「ナチュラル・オーガニック」であることがブランドの特徴にならなくなっています。オーガニック認証を取得していたとしても、“だから売れる”ということではなくなっていますね。

小木充（以下、小木）： 認証団体がちゃんとPRをしていないというのも要因のひとつだと思いますね。食品なら有機JASでなくても「農協シリーズ」とか「減塩」と書かれていれば健康にいいのかな、と思うのと同様です。矢野経済研究所のデータを見ると自然派・オーガニック化粧品市場が緩やかにでも伸び続けているのは、われわれが考えるナチュラル・オーガニックの範疇を超えているブランドも入れている可能性が考えられます。売り上げが前年を上回っているブランドは全体の10％もないと思うので。前年を上回らないということは、投資に回らないということ。「ナチュラル・オーガニック」ということでのビジネスが大変厳しい局面にあるという証しです。逆に好調なブランドは自分たちのことを「クリーンビューティ」と言い始めています。「ナチュラル・オーガニック」というキーワードでは検索でヒットしないからですが、動物性成分を使っていなければ「ビーガン」と言ってみたり、ここ2〜3年はそんな流れで、ますます「ナチュラル・オーガニック」という言葉が聞かれなくなっていますね。

――2023年にナチュラル・オーガニックブランド「ニュースケープ（NEWSCAPE）」を立ち上げましたが、どのような点にこだわりましたか？

小木：Vol.2で注目ブランドとして挙げた「タタハーパー（TATA HERPER）」の配合成分表の最初に記載されている主成分「大麦葉汁（Hordeum Vulgare Leaf Juice）」を「ニュースケープ」でもキー成分として採用することです。「タタハーパー」ではほとんどの製品に50％以上配合しているようで、フランス中部にある農園が扱っているものです。大麦自体は人類が栽培した最初の穀物のひとつで、その若葉の栄養価の高さは今では広く知られている。“食べてもいいものを肌から摂る”という発想が原点にあるのが共通しています。でも「タタハーパー」は他に高価なオイルを使っているのか、セラムで2万円以上といった高価格設定。「ニュースケープ」では製造原価を開示し、成分の由来や全ての原産国、二酸化炭素排出も含めて製造過程における全てのコストを消費者に公開するという“ラディカル・トランスペアレンシー”を導入しています。

――ナチュラル・オーガニックコスメの最大の強み「安心・安全」からどう転換できるかがポイントになりますね。

小木：最近よく聞かれるのが「ロンジェビティ」というワード。若さに抗うアンチエイジングとは異なり、いかに健康でQOLの高い生活を長く楽しめるか、ということ。現代の欧米系のオーナーたちはここに着目しているようです。クリーンビューティといいながら、テクノロジーの力を借りて遺伝子研究などの知見を取り入れていくのがこれからの流れ。そうなるとクリーンビューティも大手化粧品ブランドも焦点が合ってくる。つまりラグジュアリーブランドとクリーンビューティの境界がなくなってきているということ。業態を分けるということもだんだん必要がなくなってきているように思います。SDGsが問われるようになってからどのブランドもクリーンだと言っているし、これからはもっとカオスになるでしょうね。

――ラグジュアリーブランドでいえば「シャネル（CHANEL）」「ディオール（DIOR）」「ゲラン（GUERLAIN）」が早くからサステナビリティにおいてさまざまな取り組みを行い、気づいたらほとんどの製品が自然由来成分95％以上配合だったりします。でもこの3つのブランドは創業期からフレグランスを展開し、そのための自社農園を保有していました。だから畑と向き合っている期間が他ブランドに比べて圧倒的に長く、自然との付き合い方や原材料確保のノウハウを持っている。その結果が「シャネル オープンスカイ ラボラトリー」「ディオール ガーデン」「ゲラン オーキダリウム」という形になって、現代の成果につながっていると思うんです。

小木：それは面白い見方ですね。自分たちで畑を持たずに製品開発をする場合、珍しくて本当にいい原材料にたどり着いた時は、人の畑から買うしかない。だからブランド間で被ってきてしまう。となると自分たちで畑を持っていろんな分析・研究をもとに生み出される成分とは、同じ土俵で闘えません。その根本にあるのは大きくは資本。「タタハーパー」は22年に韓国のアモーレパシフィック傘下に入り、「アールエムエス ビューティー（RMS BEAUTY）」は21年、ハイランダーパートナーズに買収されている。こういう状況はまだまだ続くでしょうね。

――その要因は？

小木：これはあくまでも僕の推測だけど、コロナ禍に「セフォラ（SEPHORA）」など小売店からの返品がかさみ、キャッシュフローが回らなくなったのでは。だから「タタハーパー」の場合は22年に、つまりコロナ直後に買収されたということになる。LVMHグループ傘下の「セフォラ」は現在、世界35カ国に2700店舗以上を展開。うち全米だけで約500店舗。だから「セフォラ」と組めば急成長できる一方、一気に返品されたら小規模ブランドにとってはダメージが大きい。さまざまな要因があっての身売りであることは大前提として、現実的には返品した小売業によってメーカーの売却を後押ししたことにもなったはずです。

――日本でも地方創生を目的としたナチュラルコスメが多数立ち上がったりしましたが、中小規模経営のナチュラル・オーガニックブランドは今後どうなっていくと思いますか？

小木：どう手を打っていいか分からない状況で、売却を視野に入れているブランドは少なくないですね。既存のナチュラル・オーガニックセレクト業態がずっと伸び続けるならそこに乗っかればいいけれど、外資ファンドが入るような現在では製品の掛け率が変わったり、販促費が増えたり、かといって店舗数が従来ペースで増えることはない。それなら自ら投資して単独店を出すというのもなかなか難しい。赤字ではないけれどこの先が読めないのでいっそ売却したい、という相談は多数あります。勢いのある韓国コスメの輸入取り引きに携わっているなどがあればまだいいけれど、韓国コスメも刻々と状況が変わってきている。日本の代理店に任せていたが、グローバルで勢いがあるのでジャパン社を立ち上げ直取り引きに切り替わってきています。ロフトやプラザは日本企業とのつながりを重視する一方で、韓国コスメによって潤っているため直取り引きにNOとは言えません。ただし「クリーンビューティ」という観点から見ると、韓国のクリーンビューティはバラエティーショップでは売れるけど、真正クリーンビューティは、ロフトの中にちょっとコーナーが残っている程度でお客さんが多くない。どこを見てもナチュラルコーナーにかつてのような集客力はないですね。基本的にはメイクアップのコーナーか、もしくは韓国や日本のアイドルが広告塔になっているブランドに相変わらず人が集まっています。

――コロナ禍を経て本質的なものが求められるようになった今こそ、クリーンビューティには安定した需要があるように思います。Vol.3で話に出たように、今最も勢いがあり海外進出も予定しているアットコスメには、従来のナチュラル・オーガニックとは一線を画した、新たなクリーンビューティゾーンの展開を期待したいですね。

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人気メンズサロンの店長として業界内外で活躍してきた内田佳佑スタイリストは、5月31日に退社。6月8日、東京・渋谷に自らが代表を務めるメンズサロン「アンサー（ANSWER）」をオープンした。ここではメンズトレンドをけん引し続ける同氏に、独立の狙いや今後のビジョン、新店のコンセプトを聞いた。

WWD：独立に至った経緯は？

内田佳佑代表（以下、内田）：前のサロンでは周りのスタッフにも環境にも恵まれていて、独立のことは全く考えずに働くことができました。しかし美容師歴10年目で20代最後という節目の年を迎え、「挑戦したい」という気持ちが強くなりました。前のお店にはすごいスタッフがそろっていたので、そこで競い合う中で自然と向上心が生まれ、今では自分を形成するベースになっています。自分のチームを作り、これまで自分が学んできた理想の環境を自分なりに表現したい、という思いもあって独立に至りました。

WWD：「ANSWER（アンサー）」という店名の由来は？

内田：今回、僕は独立という選択をしました。美容師を含め、人は人生でたくさん選択をすると思います。その選択の答えを自分で出せる環境にしたい、「人生は自分が答えだ」という思いを込めて「アンサー」にしました。美容学生時代には“なりたい美容師像”を持っていても、美容師歴を重ねる中でそれが薄れていってしまうケースをいくつも見てきました。それでは少し寂しいので、「アンサー」では入社したらすぐに、自分の“なりたい美容師像”を皆に共有してもらいます。そして皆でサポートしつつ、「そこを目指すためには、アシスタント期間からこういう風にやっていった方がいいよね」などと逆算し、設計図を示して支えていければと思っています。

「アンサー」に来れば全てのメンズに答えが出せる

WWD：「アンサー」のコンセプトは？

内田：メンズサロンなのですが、オープニングメンバーの9人は、全員新規で募集して採用したので、皆それぞれのバックグラウンドを持っています。「メンズをかっこ良くしたい」という意識は皆共通なのですが、各々の得意な技術が違う。例えば僕は、スパイラルパーマなどのミディアムパーマが得意。スタッフにはメンズのバレイヤージュカラーが得意な人、ストレートスタイルが得意な人、ショートスタイルが得意な人などがいて、いろいろなレングスの男性を集客できます。サロンとして1つのテイストを打ち出すのではなく、スタッフがそれぞれの強みを強化していき、“「アンサー」に来れば全てのメンズに答えが出せる”というブランディングをしていきたい。

WWD：採用面でも魅力的。

内田：そうですね。もしも自分が就職するときにそういったサロンがあったら、「ここだったらパーマもカラーもカットも学べるし、将来的にもすごく自分のためになりそう」と思っただろうなと。ただその実現のためには教育が重要なので、オリジナルのカリキュラムを作って注力していきたいですね。教育にはバリエーションを持たせ、例えばプロのカメラマンを招いて月1回撮影会をするなど、スタッフに撮影を好きになってもらう取り組みもしたいです。撮影をしてきた人と、してこなかった人とでは1枚の絵の作り方が全然違うので、SNSによるブランディングにも役立つかなと。

WWD：内田さんのインスタグラムはブランディングがしっかりしている。

内田：ミディアムヘアなら緩いパーマの方がパサつかないし、ノーセットでも決まるし、スタイリングしたときに楽な動きと色気が出るので、好きで提案してきました。今はパーマトレンドがちょうど緩くなってきたので、ハマっていると思います。特に新規のお客さまには“レイヤーボブパーマ”が大人気ですね。あと、今だとミディアムのシースルーボブパーマも結構流行っていて、オーダーは多いです。

WWD：内田さんはメンズビューティにも強い。

内田：メンズビューティは以前から大好きですね。メンズビューティではヘアはもちろん、眉やメイクも少しずつ浸透してきましたが、スキンケアに関する知識はまだ薄い印象です。その正しい知識やノウハウを伝えることは、僕たちメンズ美容のプロの責任なので、具体的なプランはこれからですが、自分たちで何かできたらと考えています。

WWD：今後の方向性は？

内田：店舗展開はしていきたいですね。先ほど「各々のスタッフの強みを伸ばしていきたい」という話をしましたが、例えばカラーが得意なスタッフを中心に、カラーを前面に打ち出した店舗を作る、といった展開を構想しています。パーマを打ち出す店舗があってもいいし、ツイストが得意なスタッフを中心としたバーバーがあってもいい。「アンサー」のメンバーが持つ技術を基点に、派生していくような形で広げていけたら、と考えています。具体的には、3年で5店舗できたらいいですね。いずれにしても、スタッフそれぞれが考える「メンズのかっこ良さ」を表現していける未来像が理想です。

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スイス発の「ピアジェ（PIAGET）」はこのほど、スペイン・バルセロナでハイジュエリーとハイジュエリーウオッチの新作コレクション“シェイプ オブ エクストラレガンザ（SHAPES OF EXTRALEGANZA）“を発表した。今回のコレクションは、創業150周年を迎えた昨年披露した“エッセンス オブ エクストラレガンザ（ESSENCE OF EXTRALEGANZA）“に続く3部作の第2章となる。展示会の会場は、スペインを代表する彫刻家兼建築家のハビエル・コルベロ（Xavier Corbero）が50年以上をかけて手掛けたという街の郊外にある自邸。連なるアーチや岩を積み重ねたような巨大なオブジェなど造形美が際立つロケーションに、メゾンの伝統やクラフツマンシップを大切にしながらもステファニー・シヴリエール（Stephanie Sivriere）＝ジュエリー＆ウオッチ アートディレクターの大胆な色彩感覚やモダンな感性が光るアイテムを並べた。

カギはダイナミックなシェイプ

３部作に共通する「エクストラレガンザ」は、驚きのある華やかさを表す“エクストラバガンス（EXTRAVAGANCE）“と優雅さを意味する“エレガンス（ELEGANCE）“を合わせた造語。特に今回はコレクション名からも分かるように、ジュエリーのデザインから石の形までダイナミックな“シェイプ（形状）“がカギになっている。

そのデザインの背景にあるのは、1960〜70年代に根差したメゾンの創造性だ。かつて創業者の孫である3代目のヴァランタン・ピアジェ（Valentin Piaget）は、「今までになされてこなかったことをしなさい」とデザイナーたちに投げかけていたという。それはメゾンのモットーとなり、63年には文字盤にオーナメンタルストーン（装飾用石）を用いたウオッチが、69年には革新的なジュエリーウオッチの “21世紀コレクション（21st CENTURY COLLECTION）“が誕生した。また、芸術界とつながりの深かった４代目のイヴ・ピアジェ（Ives Piaget）は、サルバドール・ダリ（Salvador Dali）やアルマン（Arman）、アンディ・ウォーホル（Andy Warhol）らアーティストとの交友関係からコラボレーションを手掛けてきたという。

「ピアジェ」らしさを現代的に再解釈

新作は、そんなメゾンの軌跡に敬意を表し、既成概念を超越する大胆さや独創性を現代に向けて再解釈したカラフルな51点で構成。それらは、四角や三角といった幾何学的なシェイプから有機的な曲線までが混ざり合い、まるでアート作品のようだ。

例えば、“アーティ ポップ“のウオッチは、マラカイトの文字盤に覗くムーブメントからエメラルドなどをあしらった幾何学モチーフが飛び散ったようなデザイン。“ウェーブ イリュージョン“のダイヤモンド、スピネル、ルビーで描く波状の曲線は、デザイナー集団メンフィスを創設したエットーレ・ソットサス（Ettore Sottsass）の象徴的作品“ウルトラフラゴーラミラー” をほうふつとさせる。色とりどりのオーナメンタルストーンとパヴェダイヤモンドを組み合わせてストライプを表現した“カレイドスコープ ライツ“は、60年代に脚光を浴びたオプアートからインスピレーションを得たものだ。

一方、クッションカットのブルーサファイアとさまざまな形のブラックオパールをあしらった “フローイング カーブ“は、70年代に起こった自然回帰のムーブメントやカンヌ近郊にある泡の宮殿（Palais Bulles）に見られるような有機的な曲線から着想。ホワイトゴールドにハンマー仕上げを施すことで、豊かな質感を生み出している。虹色の宝石がきらめく“フランボヤント ボウ“は、オートクチュールのリボンを再解釈したフォルムが印象的。繊細なグラデーションを表現するため、宝石の調達には1年半以上を要し、チタン製のベゼルはセットする宝石に合わせて着色することで鮮やかな色合いを引き立てている。

また、“21世紀コレクション“にオマージュを捧げるジュエリーウオッチの“スウィンギングソートワール“（ロングネックレス型のデザイン）やカフ、羽根細工職人のネリー・ソニエ（Nelly Saunier）との協業によりフェザーをバラの花を形作るように重ねて中央にレッドスピネルをあしらうことで82年に誕生した“イヴ・ピアジェ ローズ“をハイジュエリーに昇華したアイテムなど、象徴的なデザインへの新たなアプローチも見られた。そして、「ピアジェ」が探求し続けている“形の遊び“の究極の表現と言えるのは、フランス人アーティストのアレックス・パレンスキー（Alex Palenski）に制作を依頼したモビール彫刻のようなテーブルクロック“エンドレス モーション“。意表を突くアイデアで、メゾンと芸術とのつながりを表現している。

老舗メゾンの変わらぬ価値と進化

「ピアジェ」は1874年に時計のムーブメント製造からスタートし、世界的なウオッチ＆ジュエリーブランドへと発展した。そんな老舗で20年以上ジュエリー制作に携わるシヴリエール＝アート・ディレクターは、メゾンの変わらない価値について「オーナメンタルストーンやゴールドにキャラクターをもたらす手仕事をはじめ、ウオッチ＆ジュエリーにおけるクラフツマンシップと一貫性」と説明する。

一方、現代性を表現していくために重要なのは「過去を再現するのではなく、常に挑戦し進化を続けること」とコメント。「もともと時計に用いられていたパレス装飾（『ピアジェ』を代表する彫金技術）をジュエリーに取り入れるなど、単にモダンなデザインを作るのではなくメゾンの歴史やコードを生かしながら新しさをミックスすることで、これまで存在しなかったものを生み出している」と続ける。その考えは、まさに「ピアジェ」のモットーに通じるもの。今回発表された“シェイプ オブ エクストラレガンザ“からは、メゾンの精神を受け継ぎながら遊び心あふれる大胆なアイデアで新たな高みを目指す姿勢が感じられた。

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中川政七商店が大阪・関西万博の公式キャラクター「ミャクミャク」とコラボしたアイテムが売れている。職人技とユーモアが光る品ぞろえで、実用的な豆皿やふきんだけでなく、165万円の「漆のミャクミャク」をはじめ、55万円の「鍋島焼のミャクミャク」など超絶技巧の製品が高額にもかかわらず、抽選受付に応募が殺到したという。会場販売でも「多くの製品が開幕1週間で完売の気配が出はじめ、追加生産を決めた」ほど反響を呼んでいる。超絶技巧シリーズ（生産数非公開）の追加生産分は、ほぼ完売だという。

この取り組みは、単なる“キャラクターグッズ”の枠を超えた、日本の工芸を次世代につなぐ挑戦でもある。100年前の1925年に開催されたパリ万博では美術工芸品が「日本の最先端のものづくり」として数多く展示され、中川政七商店も麻織物のハンカチーフを出展した。同社は今回、100年振りに万博で工芸を紹介している。プロジェクトを担当した羽田えりな商品部ディレクター・デザイナーに聞く。

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WWD：工芸を大阪万博で紹介しようと考えた理由は？

羽田えりな商品部ディレクター・デザイナー（以下、羽田）：「工芸」という言葉はしばしば“渋い”“高価”“扱いづらい”といった印象を持たれがちで、興味のある方にしか見てもらえないという現状がありました。万博は世界中から多くの人が訪れる機会であり、工芸に触れてもらえる絶好のチャンスだと考えました。「ミャクミャク」というフォーマットに落とし込むことで、楽しい、可愛い、面白いと興味を持ってもらえるきっかけになればと思い企画しました。

WWD：製品はどのように構成しましたか？

羽田：2つの軸を考えました。1つ目は“超絶技巧”シリーズで、高度な工芸技術で表現したオブジェ。ミャクミャクという同じフォーマットで、技法の違いを知ってもらえるようなものを提案しようと考えました。ミャクミャクの「細胞と水がひとつになり誕生したふしぎな生き物」という背景と、万博のコンセプト「未来社会を共創」から「水と共創する工芸」をコンセプトに水と関係のある工芸を選びました。たとえば、漆は艶やかで潤うような見た目の水っぽさはもちろんですが、乾燥させるのに水分が欠かさなかったり、漆と人間の皮膚の水分量が近かったりと、漆と水とは切ってもきれない関係にあることがわかりました。海外で漆が「ジャパン」と呼ばれているくらい日本を代表する工芸だったこともあります。

もう一つは“暮らしに取り入れやすい雑貨”で初めて工芸に触れる方にも親しみやすい価格帯の暮らしの道具を12種提案しました。

WWD：製品ラインアップを考えるうえで大事にしたことは？

羽田：全体のコンセプトを「初めましての日本の工芸」とし、「知恵から生まれた工芸」「愛でる工芸」「進化する工芸」という3つのサブテーマを設けて、日本の工芸の奥深さや美意識、技術の進化を世界に発信することを目指しました。

「知恵から生まれた工芸」は素材特性を活かした製品で、たとえば、ふきん。目が粗い「かや織」を用いており吸水性に優れていて丈夫です。多様な形で包める風呂敷も知恵から生まれたアイテムです。「愛でる工芸」は小さなものを大切にする日本の美意識を表現していて、豆皿や手のひらにのせて愛でることができるだるまや鈴などを提案しました。「進化する工芸」は超絶技巧シリーズで表現しています。

WWD：超絶技巧シリーズは実用的な工芸品を得意とする中川政七商店としても新しい挑戦だったのでは？

羽田：今回制作を担ったのは、当社と長年信頼関係を築いてきた全国各地の工芸メーカーで、その共通点は優れた技術を持つだけでなく「変化に前向き」であることでした。ミャクミャクの形状はユーモラスですが再現するには高度な技術が求められます。話を持ち掛けたのは23年夏。最初は「これは無理かもしれない」と頭を抱えながらも「なんとか形にしてやろう」という職人魂で、試行錯誤を重ねることで実現しました。完成後には「自分たちの技術のすばらしさを再確認できた」「同業者から高い評価を受けた」「万博以降の自社のものづくりにも良い影響を与えた」という声があり、今回のプロジェクトを通じて誇りが育まれ、励みになったことは大きな成果だと感じています。

WWD：特に印象に残っているエピソードを教えてください。

羽田：「漆のミャクミャク」です。漆は乾燥に時間がかかるうえ、温度や湿度の微妙な変化が仕上がりに影響を与える素材です。制作終盤になったころ、「このままでは良い仕上がりにならないかもしれない」と職人から連絡が入り、急きょ塗り直すことになりました。職人の“勘”に基づく判断で、私たちが見ても差がわからない程度のものだったかもしれませんが、職人の技術への誇りと誠実さを感じる出来事でした。ギリギリまで工程を調整し、スタッフが直接受け取りに行くという対応を経て、なんとか万博のプレオープンに間に合わせることができました。

完売続出。老若男女に届いた「語れる製品」

WWD：特に好評なアイテムは？

羽田：販売状況はまさに想定以上。開幕直後から売れ行きは加速し1週間後には完売の兆しが出るほどで追加生産を行い、4月中には超絶技巧シリーズ第2弾の受注を締め切る事態になりました。特に「鍋島焼」が人気を集めました。超絶技巧シリーズの購入者は全て日本国内の方で、年代も20代から70代まで幅広く、キャラクター人気に支えられつつも「万博の記念に残したい」「行けなかった人に思いを届けたい」といった“記憶”を形にしたいという購入動機が多かった点も特徴でした。

一方、手に取りやすい価格帯の製品は、有田焼の豆皿やおミャクじが特に好評です。ミャクミャクの造形を手書きで表現した有田焼の豆皿は、伝統的な有田焼の技法を現代的に解釈してミャクミャクを巧みに取り入れたギミックがウケました。サンプル段階で社内からも好評で好感触でしたが、最も動きが早い製品でした。「工芸だからこそ出せるゆらぎやにじみが魅力」という声も多く細部へのこだわりが評価されました。

WWD：今回の取り組みの手応えは。

羽田：私自身「将来このミャクミャクを手にして、万博の記憶を語り合ってもらえたら」という気持ちで取り組んでいたのでお客さまからの声が届いたときは嬉しかったですね。当社としても100年振りに万博に参加し、新たな歴史を刻む機会になりました。工芸の歴史に新たな1ページを刻めたと感じています。

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CJグループの「オリーブヤング（OLIVE YOUNG）」は、韓国を訪れる外国人旅行者にとって“必ず立ち寄りたいショッピングスポット”として親しまれている、韓国最大級のヘルス＆ビューティ専門店だ。韓国で約1400店舗を展開し、オンラインとオフラインを巧みに連携させ、Z世代やミレニアル世代を中心に支持を広げている。

近年は日本語対応サイトのローンチや各種イベントを通じて、日本のユーザーとの接点も強化。5月9〜11日に幕張メッセで開催された「KCON JAPAN 2025」では、“学校”をコンセプトにした大型ブースを出展した。体験型コンテンツを通じてプライベートブランド（以下、PB）の魅力を知れるほか、「オリーブヤング グローバルアプリ」の各種サービスを体験できるコーナーを設置。現品やサンプルがもらえるゲームなども用意し、認知拡大と新客の獲得につなげた。

今回は、同イベントを仕掛けるCJオリーブヤングのグローバルプラットフォーム事業本部長、チン・セフン（Jin Se Hoon）氏にインタビューを実施。日本市場における成長戦略やPB開発力、K-ビューティの今後の可能性について話を聞いた。

売上の7割が店舗　観光地では「観光商圏ストア」と位置付け

WWD：直近の売り上げ推移は。

チン・セフン＝CJオリーブヤング グローバル事業責任者（以下、チン）：CJオリーブヤングは2020〜24年にかけて、年平均成長率約26.7％を記録した。売上高は1兆8600億ウォン（約1973億円）から4兆7900億ウォン（約5082億円）へと約2.6倍に。右肩上がりの成長を維持しており、今後も堅調な拡大が見込まれる。

WWD：ECと店舗の売上比率は？

チン：売上構成比は店舗が約70％、ECが約30％を占めている。オフライン全体の約20％が海外からの顧客であり、最も多いのは中国、次いで日本からの来店者が多い。

WWD：インバウンド客の多い観光エリアの店舗では、日本語対応も行っている。

チン：明洞や聖水（ソンス）、弘大（ホンデ）などのインバウンド需要の高い観光地の店舗は「観光商圏ストア」と位置付けている。これらの店舗では、海外顧客向けのサービス体制の強化を行なっており、多言語対応可能なスタッフを常駐している。

WWD：売り上げをけん引しているカテゴリーは。

チン：スキンケアが全体の約40％を占め、次いでメイクアップが約20％。昨今は健康食品やサプリメントなどのヘルスカテゴリーも伸長しており、それに合わせて売り場も徐々に拡大している。

WWD：「オリーブヤング」は製品数が多いが、取り扱いブランド＆商品を選定する基準は？

チン：定期的にMD会議を開催し、取り扱う製品を決める。トレンドを追うだけでなく「本当にお客さまが求めている製品かどうか」という視点を重視し、審査を行う。また、市場での存在感や話題性、安全性、マーケティング手法など、多角的な観点からブランドと製品を評価することも大切だ。

そして、ブランドとタッグを組み、新しいトレンドを生み出す“トレンド主導型”のアプローチも実践している。

PB好調の理由は「3つの力」　開発×実行×ODM協業の底力

WWD：PBのラインアップは。

チン：スキンケアブランド「バイオヒールボ（BIOHEAL BOH）」や「ブリングリーン（BRING GREEN）」、カラーコスメブランド「ウェイクメイク（WAKE MAKE）」や「カラーグラム（COLORGRAM）」、メイクアップツールブランド「フィリミリ（FILLI MILLI）」、フードブランド「ディライトプロジェクト（DELIGHT PROJECT）」など、幅広いビューティ＆ウェルネスカテゴリーのPBを展開している。

WWD：PBの強みは？

チン：トレンドを的確に捉え、スピーディーに製品化できる「開発力」、独自性のあるマーケティング施策を実施する「実行力」、そして高度な技術力とコスト競争力を兼ね備えた優れたODMパートナーとの協業体制にある。この3つを柱に、グローバルな消費者の多様なニーズに応える、高品質で高付加価値な商品を提供できる。絶えず変化する市場トレンドにも、柔軟かつ迅速に対応できる製品を生み出すことが可能だ。

WWD：日本市場におけるPBの売り上げ動向は。

チン：日本語対応のECサイトを強化したことで、24年度は前年比3.5倍と大きく伸長した。PB製品も好調で、20〜24年の間に年平均2倍以上の成長を記録している。

中でも“タンタンクリーム”の愛称で親しまれている、「バイオヒールボ」の“プロバイオダーム 3Dリフティングクリーム”は、テレビCMを放映した効果も相まってスタープロダクトになるまで成長した。

WWD：日本でPB輸出を強化する一方、実店舗の出店を控えている理由は？

チン：日本はアメリカと並ぶ重要なマーケットと位置付けているが、非常に成熟した流通構造を持つため、慎重に戦略を検討している。まずは、「オリーブヤング グローバル」のアプリと、日本語版のウェブサイトの強化に注力し、日本のユーザーがいつでもどこでも手軽に韓国コスメを購入できる環境づくりを優先したい。

“体験”が購買意欲を掻き立てる　肌診断で購入転換率が78％に

WWD：日本と韓国の消費傾向に違いはあるか？

チン：共通点は多いが、日本はオフラインの影響力がやや強く、“体験価値”を重視する傾向にある。そこで、25年末までに韓国の主要100店舗に肌分析機器を設置する予定だ。お客さまは無料でスキンケア診断を受けることができ、スタッフは独自のカウンセリングアプリ「サリー（SELLY）」を使って、お客さまに最適な製品を提案することができる。

旗艦店「オリーブヤング ソンス店」では、すでに肌診断ができる「スキン スキャン プロ」を導入しており、体験した顧客の購入転換率は78％に達している。これは体験していない顧客の43％と比べて、パーソナライズ体験が購買行動に大きく影響を与えていることが分かる。

こうした施策は、「自分らしさ」を大切にしているZ世代とミレニアル世代のニーズに対応するものだ。韓国の小売市場が“検索型ショッピング”から“発見型ショッピング”へと移行している中、「オリーブヤング」はK-ビューティの体験拠点として存在感を放っている。

WWD：2月にはアメリカ・ロサンゼルスに子会社「CJ Olive Young USA」を設立した。日本法人との役割分担は？

チン：日本法人はPBを基盤としたディストリビューション事業を担っており、アメリカ法人はプラットフォーム事業の導入を進めている。アメリカ市場における「オリーブヤング」の本格始動に向けて、現在はタスクフォースチームを編成中。ローンチ時期は、25年末〜26年頭のタイミングを想定している。

WWD：今後の展望は。

チン：日本市場はまず、さらなる飛躍に向けてアプリ＆ウェブサイト「オリーブヤング グローバル」とPB輸出の強化を両軸に据える。グローバルでは、各国の消費者ニーズに応える製品設計や、現地流通との違いを差別化するキュレーションが、継続的な成長の鍵になると考える。

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「その人が持つ、オーラごと引き出す」——どこかスピリチュアルに聞こえるが、それをメイクで表現しているのが、メイクアップアーティストの葉月だ。SNSで“オーラを引き出すメイク”を発信しており、若者を中心に注目を集めている。

そんな葉月のメイクは単なる「似合う」「かわいい」を表現するのではなく、その人が内に秘めているオーラを際立たせるもの。トレンドや型に縛られるのではなく、お客の個性を最大限に引き出し、本来の魅力や雰囲気を引っ張り出すメイクアップだ。

“第三の眼”でオーラを見る!?

“オーラを引き出すメイク”——というと、葉月は本当にお客のオーラが見えているのだろうか。「普通に話していると何も感じないのですが、その人のことを本気で知ろうとすると、直感で『これがいい』と思うメイクが思い浮かんでくるんです。胡散臭いと思うかもしれないけれど、これが本当なんです（笑）」といたずらっぽく笑う。まさに、葉月の感覚的なセンスであり、“第三の眼”とも呼びたくなる才能だ。

とはいえ、「なんでオーラが見えるんだろう？」と不安になる夜もあるという。「人それぞれオーラが違うからマニュアルを作れるわけでもないし、毎回台本なしのぶっつけ本番でできていることが不思議で。でも、だからこそ目の前のお客さま一人ひとりに、真剣に向き合えているのかもしれない」と話す。

もちろん、オーラだけでメイクが決まるわけではない。

ファッションからその人の「好み」を読み取り、会話の中からニーズを引き出す。葉月は「正直、“かわいい”はメイクでいくらでも作れる。でも、私が一番大切にしているのはその人の『好み』に寄り添うこと。お客さまは貴重な時間を割いて来てくれているので、心から納得して帰っていただきたいです」と胸を張る。

「別人級」「こんなに変われるんだ」
ビフォーアフター投稿が話題に

葉月が所属する「ヌル（Null）」表参道店は、平均年齢23歳という若手が集うヘアサロンだ。ルーツカラーやエンドカラーといったデザインカラーをメインに、カラーデザインのトレンドを発信。同サロンの美容師がヘアを、葉月がメイクを担当するトータルプロデュースメニューも用意している。

来店客は、ほぼ100％がSNSから。「フリーランスになった当初は、仕事がない状態からスタート。そのときにできることを行動した結果、“性格を変えるメイク”をテーマにしたSNS投稿が広まりました。ある日、1つの投稿をキッカケに人生が180度変わったんです」と葉月さんは話す。

@leafmoonaion 自分がヘアメイクで人生変わったから自分の手で変えたいと思った！#メイク動画 #変身動画 ♬ Kiss Me More (feat. SZA) - Doja Cat

「2022年3月に投稿したお客さまのビフォーアフターのショート動画が、TikTokでバズりました。何者でもなかった私が、これをキッカケに注目してもらえるようになったんです」。新しい投稿をアップするたび、コメント欄には「別人級」「こんなに変われるんだ」といった驚きのコメントが殺到。メイクの可能性を感じた人々が、お店を訪れるようになった。

SNSの総フォロワー数は46万を超え（2025年5月末時点）、影響力のあるメイクアップアーティストへと成長した。人気を継続に昇華させるため、“オーラを引き出すメイク”の投稿に加え、カウンセリングやサロンワークの動画も織り交ぜて、フォロワーを飽きさせない工夫も。

ほかにも、「人気インフルエンサー吉田いをんさんとコラボレーションをして、面白いコンテンツもたまにアップするようにしています。フォロワーの皆さんに楽しんでいただけるのはもちろん、新規も増えるので継続的に発信したい」とコラボコンテンツの重要性も覗かせた。

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実際、インスタグラムのストーリーズで予約枠解放をアナウンスすると、約10秒で全ての枠が埋まる人気ぶり。予約困難ゆえに「長期休暇がやっと取れたから予約できた」という声も少なくない。最近は、「予約が取れなかった」という人の声に応える形で、プラス1万円で優先的に予約できる“優先枠”もスタートした。

来店者は、20〜30代女性が中心。意外にも、「休職中の方が多い」という。「何かを変えたい」「心機一転したい」「自分に自信を持ちたい」ーーそんなタイミングで訪れる人が多いのだそう。「私のところには『どうしたらいいか分からないけれど、変わりたい』という方や『葉月さんのメイクが好き』と言って、来てくださる方が多いですね」。

“オーラを引き出すメイク”の先にある心のつながり

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「人生が変わりました」——そんなお客の声に、何度も背中を押されてきた葉月。「私もきれいになりたい！」「メイクのパワーを感じました」という温かいコメントが多く寄せられる彼女のSNSコミュニティーは、そんなポジティブな言葉を交わせる大切な場所だ。

一方で、注目されるからこその悩みも生まれた。ときに、心ない声が届くことも。だからこそ、今はプラットフォームごとにルールを設け、安心して発信できる環境づくりを心掛けつつ、自分自身とお客さまの“心”を守ることを大切にしている。

ある日届いた「葉月さんと過ごした時間は忘れません」というDM。その言葉に救われ、涙がこぼれた夜もあった。大切なのは“メイク以上のつながり”。「これからも、“オーラを引き出すメイク”を通して、誰かの人生にそっと光を届けていきたいと思っています」（葉月さん）。

次の世代に何かを残す。
目指すは“令和の坂本龍馬”

“オーラを引き出すメイク”を初めて約4年。憧れだった夢も少しずつかなってきた。アーティストのMVやビジュアル撮影、パリでのパンフレット撮影など、海外での仕事も経験。「ヘアメイクの仕事を通じて『いつか海外に行きたい』と願い続けてきた夢が、一つずつ形になってきました」。ほか、美容学校でセミナー講師を務めたり、イベントに登壇したりと、“教える側”としてのオファーも舞い込むようになった。

プロのメイクアップアーティストを目指す中で、業界の在り方に疑問を感じることも少なくなかった。例えば、一生に一度しかない成人式のヘアメイク。多くのサロンではこの日、美容師総出で対応し、新人スタイリストもフル稼働する。時間がない中での対応となるため、もちろん、美容師らはスピーディーに仕上げなければならない。その分「仕上がりに満足できないお客も少なくないのではないか」と葉月はモヤモヤしていたこともあった。

「メイクって本当に難しい。“ちゃんと”かわいいを作れるメイクアーティストって、実は日本にあまりいないと思う。それは、SNSでよく見かける“成人式メイクの感想”が物語っていると思います。人手不足なのは理解できますが、成人式のようなビッグイベントでこそ、お客さま一人ひとりに向き合うべきだと思うんです。中途半端な仕事は、容姿に悩みを抱きやすい日本の若い女の子の期待を裏切ることになるので、もう悲しむ人を増やさないでほしい。この風潮を変えたい」と真剣な表情で話す。

また、若手のメイクアップアーティストが活躍できる場が少ないことについても言及。「私の印象では、第一線に立っているのは40〜50代の方が多いイメージがあります。メイクが重要視されていない日本の現状に、私が“ヘアメイク界隈の異端児”になって、若い世代の代表として声を上げていきたい」と意気込みを語った。

そして、今の目標は“令和の坂本龍馬”になること。「最近、TBSドラマの『JIN-仁-』を見て感化されて（笑）、私もメイクで次の世代に何かを残さないといけないなと強く思いました。一時的にバズる動画じゃなくて、自分の思いが伝わる、タメになるコンテンツを残したい。影響力を持ち続けられるように、今はとにかくいろんなことに挑戦していきたいです」。

「令和の坂本龍馬になる」そんな夢を語る葉月の瞳は、まっすぐに未来を見つめていた。“オーラを引き出すメイク”という唯一無二のメイクアップで、これからも彼女は、多くの人に変わるきっかけと勇気を与える。

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「アルプスの少女ハイジ」（1974年）、「母をたずねて三千里」（76年）、「火垂るの墓」（88年）、「おもひでぽろぽろ」（91年）、「かぐや姫の物語」（2013年）などさまざまな名作を手掛けて、日本のアニメーションの歴史を築き上げた監督、高畑勲。今年で生誕90年目を迎える中で、その足跡を追った展覧会「高畑勲展 —日本のアニメーションを作った男。」が6月27日から麻布台ヒルズ ギャラリーで開催される。作品制作のために高畑が集めた資料や作品に使用されたセル画など、さまざまな展示が予定されているが、展覧会のスペシャルサポーターに選ばれたのが映画監督の岩井俊二だ。そこで今回、岩井に高畑作品の魅力を紹介してもらうことになったのだが、実は岩井と高畑は遠縁にあたる関係。岩井がそのことを知ったのは10代の頃のことだった。

「高校の時に親から聞いたんです。親戚に『アルプスの少女ハイジ』に関わった人がいるって。でも、その頃は高畑さんがどういう人かは知りませんでした。（高畑が演出を手掛けた）『赤毛のアン』（1979年）を観ていたんですけどね。高畑さんのすごさに気がついたのは、高校生の頃、自主上映で『太陽の王子 ホルスの大冒険』（68年）を観た時でした。この作品は幼稚園の時に観ているんですけど、改めて観て、東映動画の作品の中でも完成度が別次元だと思いました」。

東映動画とは、東映が1956年に設立したアニメーション制作会社で、宮﨑駿、高畑勲、森康二、大塚康生など後の日本のアニメ界を支える才能が集まっていた。岩井は子どもの頃から東映動画や高畑の作品に親しんできたという。

「小学1年の時に『長靴をはいた猫』（69年）を学校で観たんです。『空飛ぶゆうれい船』（69年）も子ども心にクオリティーが高いな、と思っていました。でも、『海底３万マイル』（70年）でちょっとクオリティーが落ちてしまうんですよね（笑）。70年代に入ってから、アニメだけではなく『ゴジラ』シリーズや特撮ものも、だんだん子ども騙しになっていく。そんな中で（高畑が演出を手掛けた）『パンダコパンダ』（72年）は面白かった。そのあと、（TVシリーズの）『ルパン三世』（71〜72年）とか『未来少年コナン』（78年）といった、高畑さんと宮﨑さんが一緒にやっている作品を観て、この2人が作る作品は他のものとは違うなと思うようになったんです。そんな時に『太陽の王子 ホルスの大冒険』を観直して衝撃を受けた。絵の動きの美しさ、そして、演出が冴え渡っていたんですよ。（高畑がプロデュースをして宮﨑が監督をした）『風の谷のナウシカ』（84年）の原型のようにも思えました」。

高畑勲と初めての対面

そして、大学の卒業が迫る中、映画の世界に進みたいと思っていた岩井は、人づてに高畑に連絡をとって、直接話を訊く機会を得た。

「OB訪問みたいな感じですね。子どもの頃からお世話になっている親戚の叔父さんに相談したら高畑さんと会えることになったんです。その叔父さんは宇宙開発事業団（現JAXA）にいて、高畑さんに会う前に叔父さんが向井千秋さんを紹介してくれて。向井さんから宇宙の話を聞いた後に、宮﨑さんの事務所の『二馬力』で高畑さんと会うという、ただの学生にしては身に余る1日でしたね（笑）」。

そこでアニメ界の重鎮は、名もなき若者に一体どんなアドバイスをしたのだろう。

「高畑さんは開口一番、『君は映画界でプロになって、自分で撮りたい作品を作りたいのかね？』って訊いてきたんです。こっちは何も言ってないですし、高畑さんに何を訊きたいのか整理もできてなかったんですよ。漠然と映画の仕事がどんなものか知りたかっただけで。『そうかもしれないです』と返事をしたら、急に怒ったような顔になって『どうすればそうできるのか、こっちが訊きたいよ！』って言われて、それから2時間、説教されているみたいでしたね（笑）。最後の方で『今作っている作品の助手だったら入れてもいい』って言ってくれたんですけど。恐くなって辞退しました。映画の世界はパワハラとか大変そうで嫌だな、と思っていたんですけど、高畑さんから感じた恐さはそう言うものとは違って、鋭い分析力で迫ってく恐さでした」。

岩井が訪ねた時、高畑は初めての実写映画「柳川堀割物語」（87年）を制作していた。「風の谷のナウシカ」のヒットで得た収益をもとに制作をスタートしたドキュメンタリーだが、制作に3年かかって予算を使い果たし、本作のプロデュースを手掛けた宮﨑が自宅を抵当に入れて完成させたと言ういわくつきの作品だ。岩井にとって「柳川堀割物語」は強く印象に残る作品だという。

「高畑さんはアニメを作る時に、しっかりロケハンをして、その土地や文化をしっかり研究した上で物語を作っていく。『アルプスの少女ハイジ』の時もわざわざスイスまでロケに行って現地の人々の暮らしを見てきた。『柳川堀割物語』はそういう高畑さんの基本的な制作姿勢がそのまま作品にあらわれた映画だと思います」。

高畑作品の魅力

高畑の剣幕に押されて、一旦は映画の道に進むことをあきらめた岩井。しかし、運命に導かれるように映画を撮ることになり、後に映画監督として高畑と再会を果たした。

「映画の世界には進まずにミュージックビデオとかCMを制作する会社に入ったんですが、映画と同じように恐ろしい世界でした（笑）。でも、そこで鍛えられて3〜4年で映画を撮る力をつけることができたんです。そして、映画の仕事をしていく中で高畑監督とやりとりするようになって、『リリイ・シュシュのすべて』（2001年）を公開した時は手紙で感想をいただきました。『花とアリス殺人事件』（15年）の時は直接、お会いして話をしたのですが、とても気に入っていただいたようでした。高畑さんはファンタジーが嫌いみたいなんですよ。アニメの作品はありえない設定が出てきたりするけど、『花とアリス殺人事件』はそういうところがないのが良かった、とおっしゃっていましたね」。

「花とアリス殺人事件」は岩井が手掛けた初めての長編アニメーション作品。それだけに大先輩の言葉は励みになったに違いない。では、岩井からみた高畑作品の魅力はどんなところだろう。今回の展覧会の見どころとあわせて訊いてみた。

「実写だとそこにいる人を撮ればいいんですけど、アニメはまず人物を描かないといけないじゃないですか。その人がこれまでどんな人生を、どんな生活を送ってきたのか。その人が生きている社会は、どんな歴史を持っているのかを、どれくらい深く掘り下げるかで人物の動きに深みが出てくる。高畑さんは登場人物を通じて人間の営みや歴史を見つめてきた。作品の裏側のすごみが高畑ワールドの真髄だと思うんですよ。だから今回の展覧会では、高畑さんが一つの作品を製作する際に、どこまで掘り下げているのかを垣間見られたらいいなと思っています」。

ちなみに今回、岩井は展覧会用のプレイリストを制作。その曲は会場で聴くことができるが、高畑は音楽に造詣が深かった。ピアノを弾くことができたし、「風の谷のナウシカ」をプロデュースした際には、久石讓という宮﨑の音楽的なパートナーを見出した。岩井も音楽を愛し、作品に音楽的な要素を取り入れてきたが、音楽的な感性は2人に共通するところでもある。

「音楽的な構成ってあるじゃないですか。例えばクラシックの曲の4小節、8小節、16小節。4つ割りにしていくと、起承転結の羅列になってるんですよ。あえて、そういう構成に縛られて映画を作ることがあるんですけど、もしかしたら高畑さんも作品を作る時に音楽的なインスピレーションがあったのかもしれませんね」。

またアニメ作品を撮る予定はないのですか、と訊（たず）ねると、岩井は「アニメと実写は向き合い方が全然違うんですよ」と答えて、こう続けた。

「時間が許せばアニメの方がやりたいんです。実写だと1秒ってあっという間に過ぎ去ってしまうけど、アニメはその1秒を丁寧に描く。アニメを作る方が面白いな、と思いますね」。

若かりし頃に説教をされながらも、後に高畑に才能を認められた岩井。今回の展覧会から刺激を受けて、その才能が再びアニメの世界で発揮される日が来るのを期待したい。

PHOTOS：TAKUROH TOYAMA

「高畑勲展—日本のアニメーションを作った男。」

◾️「高畑勲展—日本のアニメーションを作った男。」
会期：2025年6月27日～9月15日
会場：麻布台ヒルズ ギャラリー
住所：東京都港区虎ノ門5-8-1 麻布台ヒルズ ガーデンプラザA MB階
時間：10:00〜20:00（最終入館 19:30）※6月27～ 7月18日の火曜・日曜は10:00〜17:00（最終入館 16:30）
料金：一般2000円、専門・大学・高校生 1700円、4歳〜中学生1400円
https://www.azabudai-hills.com/azabudaihillsgallery/sp/isaotakahata-ex/

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東京ガールズコレクション（TGC）を一大イベントに育てた立役者であり、現在は文化庁・観光庁の政策現場に身を置く永谷亜矢子氏がこのほど、著書『観光 立国〜ニッポンの現状〜』（扶桑社）を上梓した。

ガールズトレンドの最前線から、日本の観光施策の設計者へ。雑誌編集やTGCの運営で培ったコンテンツメーカーとしての感覚値と編集力を武器に、地方と国の未来に向き合っている。「日本には優れた観光資源があるが、マーケティングが決定的に欠けている」と語る彼女の視点は、ファッションと地方創生が交差する新たな文脈を浮かび上がらせる。

WWD：まず、これまでのキャリアについて聞きたい。

永谷：新卒でリクルートに入社し、営業と企画・編集を8年ほど担当した。当時のリクルートは営業至上主義的な情報誌の会社で、私が担当していたのは「ABロード」（現在は刊行終了）という海外旅行雑誌だった。

印象に残っているのは、ブータン取材。営業をしていたときに、編集長が急遽行けなくなり、私が代わりに行くことになった。取材なんて初めての経験だったのに、編集・ライティング・撮影ディレクションまで全部自分でやれと言われた。普通の出版社なら営業マンにそんなことはやらせないと思うが、リクルートでは「お前、書けそうだからやってみろ」と。当時は雑誌がバカ売れしていた時代。「ABロード」は広告情報が詰まった情報誌で、編集記事には、広告ページの申し込みの誘引が強く求められていた。

たとえば「4ページでタイのリゾート特集をつくる」となったら、「この限られた情報量でどう“行きたい”と思わせるか」「予約申し込みにどう誘導するか」を徹底的に考えなければならなかった。そうした訓練が、のちのTGCのコンテンツメイキングにすべて生きたと感じている。

WWD：TGCに関わるようになった経緯とは？

永谷：2003年にリクルートを退社後、携帯向けのファッションコンテンツ事業に携わり、05年に東京ガールズコレクション（TGC）を立ち上げ時にチーフプロデューサーに就任してイベント全体を統括することに。

当時のTGC運営事業社であったゼイヴェル社はTGCに加え「ガールズウォーカー」という女性向けケータイメディアと、「ファッションウォーカー」というECサイトも運営していた。通常、こうしたメディアやEC、イベントは別会社が担うため、競合関係になりやすい。しかし、私たちはそれらをひとつのグループ内で横断的に連携できた。それが大きな強みだった。

WWD：当時はガラケー全盛期。

永谷：「iモード」に代表される日本のモバイルコンテンツは世界でもトップレベルと称されていた。携帯で商品を買えるという仕組みは非常に注目されていた。だからこそTGCもPR設計を逆算し、会場で見たリアルクローズをその場で購入できる仕掛けに徹した。

それまでのファッションショーは、半年先のシーズンを関係者だけに見せる閉じた世界だったが、TGCは一般客に開かれたイベントであり、リアルタイムで「見て、買う」ことを可能にした。当時としては革新的な取り組みだったと思う。

WWD：ファッショントレンドは一般に「上から下へ」降りていくピラミッド構造。だがTGCはその“裾野”の部分でリアルクローズを再編集し、新しいトレンドを発信してきた。

永谷：まさにその通り。TGCでは、女性誌全盛期の勢いもあり、女の子たちのリアルに寄り添ったスタイル提案が刺さった。当時は「CanCam」が60万部、「ViVi」が50万部、「SWEET」は100万部というように、女性ファッション誌全体で1000万部時代だった。「JELLY」や「S Cawaii!」などのギャル系も絶好調で、「モテ系」「ギャル系」「青文字系」など、さまざまな女子カルチャーが日本のファッションビジネスを活気づけていた。

その勢いは中国やアジア各国にも波及し、「Ray」や「ViVi」などの日本のライセンス誌が現地で大量に売れていた。「コレクションからトレンドを落とす」というよりも、日本発の“カワイイ”が明確にカテゴリ化され、新たなクリエイティブが生まれていた。

WWD：当時は人気モデルに会えるリアルイベントの価値は非常に高かった。

永谷：TGCにエビちゃん（蛯原友里）が着用すれば、売り上げも爆発的に跳ね上がった。彼女が着用した服は即完売。経済効果は8000億円とも言われていた。専属モデル制度があったため、『CanCam』と『ViVi』のモデルが同じイベントに出るなど通常では考えられなかったが、TGCではそれが可能だった。

当然、事務所や出版社から抗議されることもあった。しかし「観客が本当に見たいものは何か」を突き詰めて考えた上で、あえて“裏切り”を演出することで、ファンの満足度はむしろ高まったと感じている。

WWD：今ではTGCも地方開催が定着しているが、当時から地方展開を行っていたのか？

永谷：名古屋、沖縄、宮崎など、さまざまな地域で開催していた。名古屋では母娘でショッピングする文化に合わせて、会場を半分ショッピングエリア化したり、百貨店と連動してその場で買い物ができるようにした。TGCとコラボしたクーポンを配布したり、会場限定メニューを開発したりもした。

東京発のコンテンツをそのまま持ち込むだけでなく、あえて“その土地の観光資源”に寄せた仕掛けを行うことに意味があった。たとえば「世界の山ちゃん」との手羽先天ぷらは、TGCとのコラボから生まれた。美味しかったため、現在では通常メニューとして定着している。沖縄ではビーチに近い会場で水着ショーを開催するなど、各地域ごとにカスタマイズしてイベントを構成していた。

WWD：そういった地方の魅力を発掘・編集する手腕が買われ、現在の仕事にも繋がっていく。行政に関わるきっかけは何だったのか。

永谷：観光庁・文化庁に関わるようになったのは19年ごろ。オリンピック前年の「日本の夜はつまらない」をどうにかせねばから始まった。観光消費額を増やすためには、夜間や早朝に過ごせるコンテンツが必要になる。宿泊を促すには「夜に何をするか」が重要で、ナイトタイムエコノミーが観光政策の柱として浮上してきた。

その中で観光庁のナイトタイムエコノミー推進協議会の理事として声がかかり、実際に現場の事業者支援や、自治体への伴走支援などを担うようになった。文化庁の取り組みでも、有形文化財の活用や夜間・早朝の文化プログラム開発に携わっている。

地方観光には「マーケティングが存在していない」

WWD：永谷さんが考える観光ビジネスのあり方とは。

永谷：まず観光とは、移住・定住・産業振興の「最初の接点」である。「一度訪れた土地が忘れられなくて、移住を考えるようになった」「地域の素材や文化に惹かれて商品開発したくなった」。そんな流れは珍しくない。

だからこそ、観光は“ただの誘客”ではなく、“関係人口を育てる設計”であるべきだ。“映え”だけを求めて写真を撮って帰る観光では、何も残らない。大事なのは、訪れた人が「この土地の文化や価値観が好きだ」と思い、何度も戻ってきたくなる関係をつくること。そういうファンをつくるのが、観光の本質であり、継続する地域経済の土台になる。

WWD：“質”が重要であると。

永谷：きちんとした「体験」を作らなくてはならない。きれいな景色がある「だけ」ではダメ。その背景にある歴史や文化、職人の技や食の哲学など、「知ったらもっと面白くなる情報」をしっかり伝える必要がある。観光客がその場で深く関われる導線も設計しておくべきだ。

加えて、訪れた人に「自分もこの地域の一部になれた」と思ってもらえるような関係性を作ること。たとえば伝統工芸の体験を通じて職人の話を聞く。郷土料理をつくるワークショップに参加する。それをSNSで発信してくれる。そうして関係性ができれば、再訪率も自然と上がっていく。

WWD：まず手をつけるべき課題は。

永谷：多くの自治体や官公庁の施策は「コンテンツをつくる」ことは頑張っているけれど、それを「どう届けるか」「どう買わせるか」の視点がまったく抜けている。つまりは、「マーケティングが存在していない」ということが一番の問題だと思う。

たとえば、どこにでもあるようなSUP（パドルボード）をアピールしても差別化は難しい。「漁師の船に乗って、自分で釣った魚をその場で調理して食べられる」という体験なら、それだけで十分に旅の目的になる。

そうした体験が「どこでできるのか」「どう予約するのか」「いつ空いているのか」が、ユーザーの目に見える形で提示されていることも大事。そこが整っていなければ、誰も知らず、来ない。Googleマップに載っていない、載っていても営業時間や定休日、アクセス情報が間違っている、有名観光地の公式サイトが機能していない。そんなケースも珍しくない。

WWD：新たなコンテンツをつくるよりも、既存資源を“見せる”ことが先決と。

永谷：そして、観光というのは、ただ一度人を呼んで終わりではない。どう継続させるか、どう熱量を維持していくかが重要で、それには「愛」と「必然性」が不可欠。

今、観光の現場や事業者の多くが、「来てくれたらラッキー」くらいの温度でしか動いていない。でも、実際はそんな簡単な話ではない。来た人がもう一度来たいと思うかどうか、そこに何を感じて、何を持ち帰るかが、次につながる鍵になる。

WWD：著書においても、「継続」の大切さを説いていた。そのエンジンになるのは。

永谷：私は、地域の若い事業承継者だと考えている。たとえば、100年続く酒蔵の5代目が、「このままじゃ無理だ」と感じて動き出す瞬間がある。古いラベルでは売れない。販路がない。ブランド価値も伝わっていない。そんなとき、彼らは一念発起して、海外向けの限定ラベルを開発したり、酒粕を入浴剤にしてコスメ展開したりする。

でも、それを実現するには、ものすごいエネルギーがいる。銀行に頭を下げて資金を確保し、デザイナーを探し、社内の30歳年上の職人たちを説得して動かす。誰もやり方を教えてくれない中で、自分で調べて、一歩一歩かたちにしていく。そこにはマーケティング、営業、マネジメント、すべてのスキルが必要とされる。

WWD：ファッション業界のノウハウやリソースが、そこに役立つことはあるか。

永谷：間違いなくある。今は、工芸品でも「売れない理由」が山ほどある。たとえば「肩掛けできないバッグ」「開口部が狭すぎて物が入らないポーチ」など。職人にとっては“伝統”でも、今の生活者には使いにくい。

そこにファッションの知見が入れば、「使える形に直す」「見せ方を変える」「価格を再設定する」ことができる。たとえば「地元の素材を使ったバッグ」を作るとしても、職人任せでは肩掛けひとつ設計できないことが多い。そこに、アパレル出身者が入って「このストラップの長さで、こういう使い勝手で」と具体的に詰めていけば、全然違う商品が生まれる。それをちゃんと売る、流通に乗せることもできる。

その“直した”事例がひとつでも売れれば、他の職人たちにも説得力が生まれるだろう。事例化と可視化がカギだ。

WWD：モノに付加価値をつけることも、ファッションの得意分野だ。

永谷：その通り。見る人によっては「ただの布」であっても、それに価値をつけ、数万円、数十万円で売るロジックとマジックを持っている。ブランドの文脈や物語性、デザインの力を使って価値を生む。その手法は地方の伝統工芸や観光資源にも応用できるはずだ。

たとえば藍染の反物。38cm幅で着物にしか使えない、家財や小物に使うにしても限界がある。ならば、糸から染めてはどうか？インテリアやアートに転用すればいい。藍染のカーテン、藍染のタペストリー、藍染のアートパネル。すべて再構築によって新しい市場が生まれる。

WWD：体験やストーリーが伴えば、さらに心に響く。

永谷：たとえば錫の器を、自分で叩いてつくるワークショップにするだけでいい。「見て」「買う」だけなら数千円の商品が、体験を伴うことで1万〜2万円に化ける。自分が手をかけた、一点ものという実感が価値になる時代だ。

ファッション業界の人間は、マーチャンダイジング、シーズン設計、サイズ感の最適化、販路戦略、ストーリーテリングまで、商品を“売る”ための全方位的な知見を備えている。しかもそれを、年に何度も高速でPDCAを回しながら実践し、知見を蓄えている。

伝統や技術に裏打ちされたモノ作りと、ファッション業界が得意とする“売れる仕組み”のノウハウ。それが掛け合わされば、地域産業に新たな価値が生まれるはずだ。

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ソフィア・プランテラ／「アリーズ」クリエイティブ・ディレクター

PROFILE：イタリア人の父親とイギリス人の母親のもとローマで育ち、高校卒業前に渡英し、ロンドン芸術大学セントラル・セント・マーチンズ校に入学。ロンドンのストリートおよびレイブシーンを目の当たりにし、卒業後もロンドンに残ることを決め、人気スケートショップ「スラム シティ スケーツ」で働きながらオリジナルスケートブランド「ホームズ」のデザイナーに就任。そして、1998年に「ホームズ」にも携わっていたラッセル・ウォーターマンと共に「サイラス」を立ち上げたのち、2009年にグラフィックデザイナーのファーガス・パーセルと共に「アリーズ」をスタートした。“正直であること”を心情に掲げており、1980年代から化粧はしていないとのこと PHOTO：SABI RYUSEI

「シュプリーム（SUPREME）」を着こなす男性がニューヨークでプロップスを得るなら、「アリーズ（ARIES）」を取り入れた女性がロンドンの象徴だ。

「アリーズ」は、1990年代後半～2000年代前半のUKストリートシーンを賑わせていた「サイラス（SILAS）」の仕掛け人であるソフィア・プランテラ（Sofia Prantera）が、「パレス スケートボード（PALACE SKATEBOARDS）」のトライアングルロゴも生み出した英国を代表するグラフィックデザイナーのファーガス・パーセル（Fergus Purcell）と共に、2009年に立ち上げたストリートブランドだ。プランテラのサブカルチャーへの深い造詣とエスプリを背景に、ジェンダーレスなアプローチとユニークなグラフィックを落とし込んだ唯一無二の世界観で、パトリアーキーなストリートシーンにおいて女性からの支持を集め、瞬く間にUK内のビッグネームに成長。また、ブランドのアイコンシリーズ「ノー プロブレム（NO PROBLEM）」は、その人気の高さから24年にブランドとして独立し、ロンドンの街中で「アリーズ」もしくは「ノー プロブレム」を見かけない日はないほどだ。

先日、そんな「アリーズ」の軌跡を辿る初のアーカイブブック「アリーズ アーカイブ（Aries Archive）」が、アメリカの名門出版社「リッゾーリ（Rizzoli）」（1万円）から発売された。これを祝した発売記念パーティーが世界各地で開催された中、東京・原宿のセレクトショップ「グレイト（GR8）」でのリリースイベントには、プランテラ本人が登場。そこで、イベント前の短い時間ではあったが、UKストリートシーンの変革者である彼女に、上梓の理由から「アリーズ」のイロハ、昨年話題を呼んだアーセナルFC（注：ロンドン北部を本拠地とする世界的フットボールクラブ）とのコラボまで話を聞いた。

気が進まなかったアーカイブックの上梓

ーーまずは、アーカイブックの上梓を決めた理由を教えてください。というのも、今はアーカイブの管理も情報収集もインターネットで完結してしまう時代です。

ソフィア・プランテラ（以下、ソフィア）：「アリーズ」は2009年に誕生したブランドで、当時はインスタグラムが普及するずっと前の時代だったこともあり、最近ファンになってくださった方々は、私たちのグラフィックの歴史や過去に手掛けてきた山のようなプロジェクトに気付かず、オリジンを知らないと思っていました。何より、「アリーズ」は単なるストリートブランドではなく、異なる側面や実験的な意味合いを持ち合わせていることが多いので、時が経つにつれて変化してきた歴史と深いアーカイブを一つのカタチとして見せたかったんです。それに、今の時代は逆にグーグルで「アリーズ」を検索しても、コマーシャルな情報ばかりしか出てこないので（笑）。ただ、実をいうと私自身は過去を振り返ることが好きではないんですよ。

ーーということは、今回のアーカイブブックはリッツォーリ社から話が来たと。

ソフィア：そういうことになります。いつだって「次は何をしよう？」と考えていますが、まさかアーカイブブックを出版するとは思ってもいませんでした。

ーー話が来る前からアーカイブブックを作りたい気持ちはあったのでしょうか？

ソフィア：......なかったですね（笑）。一般的にアーカイブを見ることは興味深く、多くの方々にとってコンテクスト踏まえながら作品を振り返る行為は、リファレンスとしても重要なことだと思います。でも、私のように過去を振り返る行為に気持ちが進まない作り手側も一定数いるのが現実です。これがリタイア直前だったら話は別ですけどね。

ーーアーカイブブックとは別に、イメージブックやフォトブックは制作されていましたよね？

ソフィア：そうですね。デイヴィッド・シムズ（David Sims、英国出身の大御所ファッションフォトグラファー）と2冊、ジェレミー・デラー（Jeremy Deller、英国出身のアーティスト）と1冊、他にもジョシュア・ゴードン（Joshua Gordon、アイルランド出身の写真家）やミア・ハリファ（Mia Khalifa、元ポルノ女優の世界的インフルエンサー）らさまざまなアーティストと協業しながら、いろいろなカタチのブックを出版してきました。これらは新たに生み出した結果のモノで、今回はアーキビストが旅するようにアーカイブを遡り再発見してもらうコンペディアムのようなイメージで、特別何か手を加えたわけではありません。

ーーでは、新たなインタビューの収録などもないのでしょうか？

ソフィア：唯一の新しいコンテンツというと、アンジェロ・フラッカヴェント（Angelo Flaccavento、イタリアで最も影響力のあるファッションジャーナリストの1人）が書いてくれたイントロくらいです。あとは、ブツ撮りをいくつか撮り下ろしましたが、最も時間がかかって大変でしたね。

ーーブツ撮りは、シンプルの中で見せ方を模索する必要がありますよね。

ソフィア：まさに！洋服って、実際のところフォトジェニックではないですから。

ーーアートディレクターには雑誌「i-D」の元エディターであるジョニー・ルー（Jonny Lu）を起用されていますが、この理由は？

ソフィア：彼は素敵な友人であり、過去に何度かブックを制作したこともあったんです。アートディレクターにはさまざまなタイプがいて、その中には印刷物にこだわらずコンテンツ重視の方々もいますが、ジョニーは印刷物に長けていてプリントに対する美意識が強いからお願いしました。また、ブランドのCEOで私のビジネスパートナーであるニッキー・ビダー（Nicki Bidder）は雑誌「デイズド（DAZED）」の元エディターなので、彼女の存在も心強かったですね。

ーーちなみに、表紙には「ナイキ（NIKE）」の“エア マックス 90（AIR MAX 90）”が写っていますが、これは新作コラボのティザーなのでしょうか？

ソフィア：期待させて申し訳ないのですが、モデルが履いてきた私物をそのままスタイリングに使っただけなんです（笑）。

「星座の名前なんてダサくてキッチュだからこそピッタリ」

ーーここからは、「アリーズ」全体の話を伺いたいと思います。初歩的な質問になるのですが、なぜラテン語で牡羊座を意味するブランド名にしたのでしょうか？

ソフィア：設立を手伝ってくれたファーガス・パーセルの星座が牡羊座（3月21日～4月19日）で、私の星座は牡牛座（4月20日～5月20日）なのですが、あと4時間早く産まれれば私も牡羊座だったんですよ。それで、星座の名前のブランドなんてダサくてキッチュだからこそ、“狂ったクオリティー”を目指していたわれわれにはピッタリだな、と。後になって調べた星座占いでは、牡羊座の人間はリーダーシップが強く行動的でクリエイティブな人が多いらしいのですが、そういった部分は気にしていませんね。

ーーファーガスといえば、「アリーズ」のアイディンティティーのひとつであるグラフィックを数多く手掛けてきた人物です。今でも彼はグラフィック面などで関わっているのでしょうか？

ソフィア：おっしゃる通り、ブランド設立当初はファーガスと仕事をすることが多く、テンプルロゴやカラムロゴなど“共通言語”となるアイコニックなグラフィックを作ってもらっていましたが、2012年からは一緒に行動していませんね。といっても、彼と仲が悪くなったわけではなく、より多くのグラフィックデザイナーと仕事をするようになったんです。私が「サイラス」を手掛けていた頃にグラフィックをお願いしていたマーティン・ウェダーバーン（Martin Wedderburn）には、相変わらず手広くお願いしていますが、今では日本人を含む20人ほどのフリーランスと常に仕事をしていて、多くのインプットの機会が得られるようになりましたね。

ーーそのような人々は、どのように見つけ出しているのでしょうか？やはりSNSですか？

ソフィア：SNSもありますが、昔からの友人や自ら売り込んできた人もいます。少し前までは、専門学校で見つけた若いアーティストたちによくお願いしていたのですが、今では「シュプリーム」と仕事をしているようで、彼らのような若い才能が成功する過程のプラットフォームになれているのはうれしいですね。アーティストとは、持ちつ持たれつの関係で向き合うことが大切です。

ーー大半のストリートブランドは、その成り立ちからメンズアイテムが中心ですが、「アリーズ」はウィメンズもユニセックスのアイテムも数多くラインアップしています。これは設立当初から想定していたのか、それとも時代の流れを意識したからでしょうか？

ソフィア：初期はユニセックスのことは気にしていませんでしたが、“幅広いサイズを用意することで、誰もが好きなように着ることができる”という考えを持っていたので、大きいサイズは男性用、小さいサイズは女性用という感覚でしたね。当時は、コマーシャル的にもユニセックスのアイテムを売ることは簡単ではなかったのですが、私が女性ということもあってか自然とラインアップが拡充していった感じです。

ーー公式オンラインストアのメニューでは、“men”と“women”に加えて、“dont care”のセクションが設けられているのが印象的です。

ソフィア：先ほどお伝えした考えから、もともとは性別にとらわれず全てミックスした状態で見せていました。“men”と“women”のセクションは、多くの方々の判断基準の観点から設けましたが、「今日は男性的な気分だな」のようにジェンダーで分けたというよりもムードのイメージです。当然、“dont care”は気にしない方々のためですね。ロンドン・ソーホーの直営店でも、“men”と“women”にラックを分けて陳列することはしていません。

コラボレーターの選り分け方と、アーセナルFCとのコラボ秘話

ーー「アリーズ」の飛躍を語るうえで欠かせないのが、その幅広く多層的なコラボレーションの遍歴です。「プーマ（PUMA）」や「ニューバランス（NEW BALANCE）」から、イタリアのフットウエアブランド「ロア（ROA）」、モロッコを拠点とする女性の織物協同組合「アルチザン プロジェクト（ARTISAN PROJECT）」、キューバのラム酒ブランド「ハバナクラブ（HAVANA CLUB）」まで、どこに比重を置きコラボレーターを選り分けているのでしょうか？

ソフィア：「アリーズ」のコラボのほとんどは、相手側からのコンタクトから始まります。例えば、ビッグブランドはビジネス的な観点からコラボを画策しますが、それはあくまで一面に過ぎません。われわれは、単なる“ロゴブランド”ではない多面的な顔を持っているからこそ、他ブランドからコネクトできると考えてもらえることが多いんだと思います。コラボは生まれる結果がひとつではなく、予期せぬ効果ももたらしてくれる一種の爆発と考えるのがいいかもしれませんね。

ーーコラボレーターの規模感は配慮しますか？

ソフィア：ある程度は気にしますが、相手が求めていることと自分たちのやりたいことが合致していれば、規模が小さくても構わず積極的に進めます。とはいえ、相手の規模が大きいと知名度もバジェットもあるので魅力的だし、何か面白いことを実現するには無理にでも推し進める必要もありますが、“少しでもつまらないと思ったらコラボしないこと”と、“自分たちのプロジェクトであること”は常に意識しています。

ーーブランドの歴史の中でも、アーセナルFCとのコラボは最大規模のプロジェクトであると同時に、世界規模でセンセーショナルを巻き起こしたと感じましたが、実際はいかがでしたか？

ソフィア：とても有意義で素晴らしい経験でしたが、あまりにも大きなプロジェクトがゆえにコントロールが効かない部分もあり、正直なところ個人としては少し怖かったですね。

ーーやはり、あなたがグーナー（注：アーセナルサポーターの愛称）だからコラボを引き受けたのでしょうか？

ソフィア：……違うんです（笑）。

ーーええ！？てっきりグーナーだと思っていました……。

ソフィア：オフィスでは多くのグーナーが働き、アーセナルのホームスタジアムの近くに住んでいるので近所の人もグーナーばかりですが、私はイタリア人なのでASローマ（注：イタリア・ローマを本拠地とするフットボールクラブ）のサポーターで、夫と子どもはウェストハム・ユナイテッドFC（注：ロンドン東部を本拠地とするフットボールクラブ）の熱狂的なサポーターなんですよ。コラボが発売された頃、夫と2人でアーセナルとウェストハムの試合中継を車のラジオで聞いていた時、ウェストハムが3点差で勝って煽られましたが、「あっそ、別に気にしてないけど？」と、あしらいましたね（笑）。でも、夫はアーセナルとのコラボは「君の最大の誇りのひとつだ」と言ってくれますね。

ーー最後に、今後の「アリーズ」の展望を教えてください。

ソフィア：明確なビジョンがあるわけではないのですが、とにかく何か新しいことにチャレンジしたいですし、歳を重ねると“新しいことにチャレンジする必要”が出てくるんです。人によっては理解できないかもしれませんが、私にとっては大事なことなんです。おそらく、85歳の今も引退せずに現役の医者を続けている父親譲りの感覚ですね（笑）。

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ソフィア・プランテラ／「アリーズ」クリエイティブ・ディレクター

PROFILE：イタリア人の父親とイギリス人の母親のもとローマで育ち、高校卒業前に渡英し、ロンドン芸術大学セントラル・セント・マーチンズ校に入学。ロンドンのストリートおよびレイブシーンを目の当たりにし、卒業後もロンドンに残ることを決め、人気スケートショップ「スラム シティ スケーツ」で働きながらオリジナルスケートブランド「ホームズ」のデザイナーに就任。そして、1998年に「ホームズ」にも携わっていたラッセル・ウォーターマンと共に「サイラス」を立ち上げたのち、2009年にグラフィックデザイナーのファーガス・パーセルと共に「アリーズ」をスタートした。“正直であること”を心情に掲げており、1980年代から化粧はしていないとのこと PHOTO：SABI RYUSEI

「シュプリーム（SUPREME）」を着こなす男性がニューヨークでプロップスを得るなら、「アリーズ（ARIES）」を取り入れた女性がロンドンの象徴だ。

「アリーズ」は、1990年代後半～2000年代前半のUKストリートシーンを賑わせていた「サイラス（SILAS）」の仕掛け人であるソフィア・プランテラ（Sofia Prantera）が、「パレス スケートボード（PALACE SKATEBOARDS）」のトライアングルロゴも生み出した英国を代表するグラフィックデザイナーのファーガス・パーセル（Fergus Purcell）と共に、2009年に立ち上げたストリートブランドだ。プランテラのサブカルチャーへの深い造詣とエスプリを背景に、ジェンダーレスなアプローチとユニークなグラフィックを落とし込んだ唯一無二の世界観で、パトリアーキーなストリートシーンにおいて女性からの支持を集め、瞬く間にUK内のビッグネームに成長。また、ブランドのアイコンシリーズ「ノー プロブレム（NO PROBLEM）」は、その人気の高さから24年にブランドとして独立し、ロンドンの街中で「アリーズ」もしくは「ノー プロブレム」を見かけない日はないほどだ。

先日、そんな「アリーズ」の軌跡を辿る初のアーカイブブック「アリーズ アーカイブ（Aries Archive）」が、アメリカの名門出版社「リッゾーリ（Rizzoli）」（1万円）から発売された。これを祝した発売記念パーティーが世界各地で開催された中、東京・原宿のセレクトショップ「グレイト（GR8）」でのリリースイベントには、プランテラ本人が登場。そこで、イベント前の短い時間ではあったが、UKストリートシーンの変革者である彼女に、上梓の理由から「アリーズ」のイロハ、昨年話題を呼んだアーセナルFC（注：ロンドン北部を本拠地とする世界的フットボールクラブ）とのコラボまで話を聞いた。

気が進まなかったアーカイブックの上梓

ーーまずは、アーカイブックの上梓を決めた理由を教えてください。というのも、今はアーカイブの管理も情報収集もインターネットで完結してしまう時代です。

ソフィア・プランテラ（以下、ソフィア）：「アリーズ」は2009年に誕生したブランドで、当時はインスタグラムが普及するずっと前の時代だったこともあり、最近ファンになってくださった方々は、私たちのグラフィックの歴史や過去に手掛けてきた山のようなプロジェクトに気付かず、オリジンを知らないと思っていました。何より、「アリーズ」は単なるストリートブランドではなく、異なる側面や実験的な意味合いを持ち合わせていることが多いので、時が経つにつれて変化してきた歴史と深いアーカイブを一つのカタチとして見せたかったんです。それに、今の時代は逆にグーグルで「アリーズ」を検索しても、コマーシャルな情報ばかりしか出てこないので（笑）。ただ、実をいうと私自身は過去を振り返ることが好きではないんですよ。

ーーということは、今回のアーカイブブックはリッツォーリ社から話が来たと。

ソフィア：そういうことになります。いつだって「次は何をしよう？」と考えていますが、まさかアーカイブブックを出版するとは思ってもいませんでした。

ーー話が来る前からアーカイブブックを作りたい気持ちはあったのでしょうか？

ソフィア：......なかったですね（笑）。一般的にアーカイブを見ることは興味深く、多くの方々にとってコンテクスト踏まえながら作品を振り返る行為は、リファレンスとしても重要なことだと思います。でも、私のように過去を振り返る行為に気持ちが進まない作り手側も一定数いるのが現実です。これがリタイア直前だったら話は別ですけどね。

ーーアーカイブブックとは別に、イメージブックやフォトブックは制作されていましたよね？

ソフィア：そうですね。デイヴィッド・シムズ（David Sims、英国出身の大御所ファッションフォトグラファー）と2冊、ジェレミー・デラー（Jeremy Deller、英国出身のアーティスト）と1冊、他にもジョシュア・ゴードン（Joshua Gordon、アイルランド出身の写真家）やミア・ハリファ（Mia Khalifa、元ポルノ女優の世界的インフルエンサー）らさまざまなアーティストと協業しながら、いろいろなカタチのブックを出版してきました。これらは新たに生み出した結果のモノで、今回はアーキビストが旅するようにアーカイブを遡り再発見してもらうコンペディアムのようなイメージで、特別何か手を加えたわけではありません。

ーーでは、新たなインタビューの収録などもないのでしょうか？

ソフィア：唯一の新しいコンテンツというと、アンジェロ・フラッカヴェント（Angelo Flaccavento、イタリアで最も影響力のあるファッションジャーナリストの1人）が書いてくれたイントロくらいです。あとは、ブツ撮りをいくつか撮り下ろしましたが、最も時間がかかって大変でしたね。

ーーブツ撮りは、シンプルの中で見せ方を模索する必要がありますよね。

ソフィア：まさに！洋服って、実際のところフォトジェニックではないですから。

ーーアートディレクターには雑誌「i-D」の元エディターであるジョニー・ルー（Jonny Lu）を起用されていますが、この理由は？

ソフィア：彼は素敵な友人であり、過去に何度かブックを制作したこともあったんです。アートディレクターにはさまざまなタイプがいて、その中には印刷物にこだわらずコンテンツ重視の方々もいますが、ジョニーは印刷物に長けていてプリントに対する美意識が強いからお願いしました。また、ブランドのCEOで私のビジネスパートナーであるニッキー・ビダー（Nicki Bidder）は雑誌「デイズド（DAZED）」の元エディターなので、彼女の存在も心強かったですね。

ーーちなみに、表紙には「ナイキ（NIKE）」の“エア マックス 90（AIR MAX 90）”が写っていますが、これは新作コラボのティザーなのでしょうか？

ソフィア：期待させて申し訳ないのですが、モデルが履いてきた私物をそのままスタイリングに使っただけなんです（笑）。

「星座の名前なんてダサくてキッチュだからこそピッタリ」

ーーここからは、「アリーズ」全体の話を伺いたいと思います。初歩的な質問になるのですが、なぜラテン語で牡羊座を意味するブランド名にしたのでしょうか？

ソフィア：設立を手伝ってくれたファーガス・パーセルの星座が牡羊座（3月21日～4月19日）で、私の星座は牡牛座（4月20日～5月20日）なのですが、あと4時間早く産まれれば私も牡羊座だったんですよ。それで、星座の名前のブランドなんてダサくてキッチュだからこそ、“狂ったクオリティー”を目指していたわれわれにはピッタリだな、と。後になって調べた星座占いでは、牡羊座の人間はリーダーシップが強く行動的でクリエイティブな人が多いらしいのですが、そういった部分は気にしていませんね。

ーーファーガスといえば、「アリーズ」のアイディンティティーのひとつであるグラフィックを数多く手掛けてきた人物です。今でも彼はグラフィック面などで関わっているのでしょうか？

ソフィア：おっしゃる通り、ブランド設立当初はファーガスと仕事をすることが多く、テンプルロゴやカラムロゴなど“共通言語”となるアイコニックなグラフィックを作ってもらっていましたが、2012年からは一緒に行動していませんね。といっても、彼と仲が悪くなったわけではなく、より多くのグラフィックデザイナーと仕事をするようになったんです。私が「サイラス」を手掛けていた頃にグラフィックをお願いしていたマーティン・ウェダーバーン（Martin Wedderburn）には、相変わらず手広くお願いしていますが、今では日本人を含む20人ほどのフリーランスと常に仕事をしていて、多くのインプットの機会が得られるようになりましたね。

ーーそのような人々は、どのように見つけ出しているのでしょうか？やはりSNSですか？

ソフィア：SNSもありますが、昔からの友人や自ら売り込んできた人もいます。少し前までは、専門学校で見つけた若いアーティストたちによくお願いしていたのですが、今では「シュプリーム」と仕事をしているようで、彼らのような若い才能が成功する過程のプラットフォームになれているのはうれしいですね。アーティストとは、持ちつ持たれつの関係で向き合うことが大切です。

ーー大半のストリートブランドは、その成り立ちからメンズアイテムが中心ですが、「アリーズ」はウィメンズもユニセックスのアイテムも数多くラインアップしています。これは設立当初から想定していたのか、それとも時代の流れを意識したからでしょうか？

ソフィア：初期はユニセックスのことは気にしていませんでしたが、“幅広いサイズを用意することで、誰もが好きなように着ることができる”という考えを持っていたので、大きいサイズは男性用、小さいサイズは女性用という感覚でしたね。当時は、コマーシャル的にもユニセックスのアイテムを売ることは簡単ではなかったのですが、私が女性ということもあってか自然とラインアップが拡充していった感じです。

ーー公式オンラインストアのメニューでは、“men”と“women”に加えて、“dont care”のセクションが設けられているのが印象的です。

ソフィア：先ほどお伝えした考えから、もともとは性別にとらわれず全てミックスした状態で見せていました。“men”と“women”のセクションは、多くの方々の判断基準の観点から設けましたが、「今日は男性的な気分だな」のようにジェンダーで分けたというよりもムードのイメージです。当然、“dont care”は気にしない方々のためですね。ロンドン・ソーホーの直営店でも、“men”と“women”にラックを分けて陳列することはしていません。

コラボレーターの選り分け方と、アーセナルFCとのコラボ秘話

ーー「アリーズ」の飛躍を語るうえで欠かせないのが、その幅広く多層的なコラボレーションの遍歴です。「プーマ（PUMA）」や「ニューバランス（NEW BALANCE）」から、イタリアのフットウエアブランド「ロア（ROA）」、モロッコを拠点とする女性の織物協同組合「アルチザン プロジェクト（ARTISAN PROJECT）」、キューバのラム酒ブランド「ハバナクラブ（HAVANA CLUB）」まで、どこに比重を置きコラボレーターを選り分けているのでしょうか？

ソフィア：「アリーズ」のコラボのほとんどは、相手側からのコンタクトから始まります。例えば、ビッグブランドはビジネス的な観点からコラボを画策しますが、それはあくまで一面に過ぎません。われわれは、単なる“ロゴブランド”ではない多面的な顔を持っているからこそ、他ブランドからコネクトできると考えてもらえることが多いんだと思います。コラボは生まれる結果がひとつではなく、予期せぬ効果ももたらしてくれる一種の爆発と考えるのがいいかもしれませんね。

ーーコラボレーターの規模感は配慮しますか？

ソフィア：ある程度は気にしますが、相手が求めていることと自分たちのやりたいことが合致していれば、規模が小さくても構わず積極的に進めます。とはいえ、相手の規模が大きいと知名度もバジェットもあるので魅力的だし、何か面白いことを実現するには無理にでも推し進める必要もありますが、“少しでもつまらないと思ったらコラボしないこと”と、“自分たちのプロジェクトであること”は常に意識しています。

ーーブランドの歴史の中でも、アーセナルFCとのコラボは最大規模のプロジェクトであると同時に、世界規模でセンセーショナルを巻き起こしたと感じましたが、実際はいかがでしたか？

ソフィア：とても有意義で素晴らしい経験でしたが、あまりにも大きなプロジェクトがゆえにコントロールが効かない部分もあり、正直なところ個人としては少し怖かったですね。

ーーやはり、あなたがグーナー（注：アーセナルサポーターの愛称）だからコラボを引き受けたのでしょうか？

ソフィア：……違うんです（笑）。

ーーええ！？てっきりグーナーだと思っていました……。

ソフィア：オフィスでは多くのグーナーが働き、アーセナルのホームスタジアムの近くに住んでいるので近所の人もグーナーばかりですが、私はイタリア人なのでASローマ（注：イタリア・ローマを本拠地とするフットボールクラブ）のサポーターで、夫と子どもはウェストハム・ユナイテッドFC（注：ロンドン東部を本拠地とするフットボールクラブ）の熱狂的なサポーターなんですよ。コラボが発売された頃、夫と2人でアーセナルとウェストハムの試合中継を車のラジオで聞いていた時、ウェストハムが3点差で勝って煽られましたが、「あっそ、別に気にしてないけど？」と、あしらいましたね（笑）。でも、夫はアーセナルとのコラボは「君の最大の誇りのひとつだ」と言ってくれますね。

ーー最後に、今後の「アリーズ」の展望を教えてください。

ソフィア：明確なビジョンがあるわけではないのですが、とにかく何か新しいことにチャレンジしたいですし、歳を重ねると“新しいことにチャレンジする必要”が出てくるんです。人によっては理解できないかもしれませんが、私にとっては大事なことなんです。おそらく、85歳の今も引退せずに現役の医者を続けている父親譲りの感覚ですね（笑）。

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「タサキ（TASAKI）」から、デザイナーのニッコロ・パスカレッティ（Niccolò Pasqualetti）とコラボレーションしたジュエリーが登場した。パスカレッティは、イタリア・トスカーナ出身。2021年に自身のブランドを設立し、パリとトスカーナを拠点に活躍している。24年度 「LVMHヤング ファッション デザイナー プライズ（LVMH YOUNG FASHION DESIGNER PRIZE）」でファイナリストに選出されるなど、注目のデザイナーだ。「タサキ」がデザイナーとコラボレーションするのは久しぶり。彼がデザインしたジュエリーは、25日から伊勢丹新宿本店で開催される「タサキ」のポップアップで先行販売される。

「タサキ」の展示会で来日したパスカレッティに、今回のコラボレーションについて聞いた。コラボのきっかけについて彼は、「『タサキ』の世界と私のデザインには共通点が多く、コラボしたのは自然な成り行きだ」と話す。元々ファインジュエリーに興味があったというパスカレッティ。自身のファーストコレクションでは、半貴石やマーブルなどを使用したネックレスやイヤリング、カフなどのジュエリーをデザインしたという。今回「タサキ」とのコラボでは、“フルイド”“アンビバレン”“アンドロジナス”“パッセル”の4つのシリーズをデザインした。これら全て、有機的なフォームが印象的なパールジュエリーの既成概念を超えるデザインだ。

真珠の養殖場の風景や海がインスピレーション

彼は、「タサキ」の長崎にある真珠の養殖場から多くのインスピレーションを得たという。「養殖場の景色、真珠のテクスチャー、海が持つ両義性といったものをデザインに落とし込んだ。海の波をジオメトリックにパールの動きで表現したり、それぞれのアイデアを元に捻りを効かせたり、入念なデザインで仕上げている」。彼がパールを用いてデザインするのは初めてのこと。「パールは置く場所によって輝き方が変化する。パールが持つ発光性は素晴らしい。ダイヤモンドとは違うニュアンスで、パールの輝きを表現したかった」と話す。大ぶりの作品は、イメージ通りに仕上がるか心配だったが、意図した通り、軽やかに仕上がった。「私のアイデアを技術的に可能にする『タサキ』のクラフツマンシップに感動した」と話す。

着用できるアートのようなジュエリー

カテゴライズするのが好きではないという彼のデザイン哲学は、全ての人に向けたジュエリー。今回のコラボでも、年齢、性別問わず、誰もが着用できるようなジュエリーをデザインしたという。「ジュエリーを見て共感する人に着けてもらえれば。ジュエリーは、着ける人にとってエモーショナルなものであり、長く愛用してもらうべきものだ」。ファッションとジュエリーのデザインの違いは、「ジュエリーにはより文化的で、長く着けられるものでなくてはならないので、技術的な面が重要だ」と言う。今後については、「ジュエリーは着用できるアートのようなもの。彫刻のようなジュエリーをデザインしたい」と語った。

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今年は6月だというのに真夏のように暑い日が多く、雨は比較的少なかった。気候変動による長い夏はアパレルビジネスに多大な影響を与えているが、雨が降ってこその傘ビジネスはどうなっているのか。大手傘メーカー、ウォーターフロント（東京）の吉野哲社長に聞いた。

WWD：6月中盤まで梅雨がどこかに行ってしまったかのような晴天と猛暑続きでした。傘ビジネスにとっては逆風ですか？

吉野哲ウォーターフロント社長（以下、吉野）：いいえ、むしろ傘マーケットは好調です。傘は雨の日に使うものと考えがちですが、特にコロナが明け以降は晴雨兼用の折傘（折り畳み傘）が急速に市民権を得ました。当社も晴雨兼用の折傘がけん引する形で、今期（25年12月期）は過去最高の売り上げペースが続いています。

WWD：傘ビジネスはもはや雨頼みではない？

吉野：財務省の貿易統計をベースに、コロナ前の19年とコロナ後の24年で傘の市場がどう変化したか説明しましょう。傘は約99％が輸入品のため、貿易統計をみれば市場の概要をつかめます。

傘の輸入金額は19年が299億円でしたが、24年は405億円と約35％拡大しています。でも本数ベースでは19年に約1億本あったのが、24年には約14％減少している。つまり1本あたりの単価が1.5倍に上昇しているのです。

折り畳み傘が長傘を逆転

WWD：円安だからですか？

吉野：もちろん為替の影響は大きいのですが、それ以外の理由もあります。

一つは、ビニール傘の縮小。エコ意識の高まりもあって、使い捨てを前提にしたような安価なビニール傘から消費者が離れています。作る側もビニール傘の素材や強度を見直して、長く使用できる比較的高い商品を増やしたため、販売本数自体は減る傾向にあります。

二つめは、晴雨兼用の折傘を持つ人が急増している。夏の期間が長くなり、30度、35度を超えるような猛暑がずっと続きます。強い日差しから身を守るために日傘を使うのが当たり前になりました。突然のゲリラ豪雨もいまや日常です。紫外線のカットや遮熱効果のある日傘としての機能性。雨風に負けない雨傘としての機能性。この2つの機能性を兼ね備えた付加価値の高い晴雨兼用の折傘が売れ続けています。貿易統計でも金額ベースでみれば24年に初めて折傘が長傘を逆転しました（長傘が約196億円、折傘が約209億円）。

WWD：エコ意識と気候変動で傘に新しい需要が生まれていると？

吉野：かつて傘屋は雨が降らないと商売が干上がると言われていました。日傘のニーズ拡大でビジネスモデルがだいぶ変わったのです。晴雨兼用の折傘は、当社でもこの数年は倍増で成長しており、売り上げに占めるシェアも10数％まで上昇しました。傘業界でも毎年1.5倍くらいの速度で拡大しています。将来は晴雨兼用がスタンダードになる可能性もあります。

WWD：日傘は女性だけでなく男性の利用も増えていると聞きます。

吉野：日傘男子ですね。若い男性に限った話ではなく、最近は40代以上の男性も珍しくありません。週末に河川敷で子供のサッカーの練習を見守る父さんが日傘を差す姿をよく見かけます。夏のゴルフでも日傘は必需品です。日傘は男女に関係なく、熱中症から身を守るための備え。水筒やペットボトルと同じようにバッグに携帯するのが当たり前になるでしょう。

実は当社は男性向けの日傘では先駆者です。20年以上のロングセラー商品“銀行員の日傘“は、創業者の林秀信氏が当社担当の銀行員のために開発した傘です。大雨の日も炎天下の日も足繁く取引先を回る彼を喜ばせるために、男性が持っても違和感がないユニセックスデザインの晴雨兼用の折傘を作りました。ただ少し早すぎたようで、“銀行員の日傘“がヒットするのはだいぶ後のことでした。美白を意識した女優さんやモデルさんが愛用してくれて認知が広がったのです。

「傘は脇役でいい」

WWD：どんな商品が売れ筋なのですか？

吉野：“COKAGE +（コカゲプラス）“は、木陰のようなやさしさのある日傘をうたった高機能シリーズで、EC（ネット通販）で再入荷のたびに即日完売しています。UVカット率、遮光性、遮熱性に優れた東レの生地「サマーシールドⅡ」を使った機能性と洗練されたデザインが支持を集めています。弊社は卸売りが中心で平均的な価格は2000〜3000円台。一方“コカゲプラス“は7000円台。遮熱による涼しさを体感したという口コミがSNSで拡散され、この価格でも引っ張りだこです。

もう一つが“ZENTENKOU（ゼンテンコウ）“。UVカットに遮光性、そして風に強いのが特徴です。傘の骨にポリカーポネートというしなやかな素材を用いることで、強い雨風に耐えて壊れにくい。価格も2200円とお求めやすい。昨年は10万本以上を売りましたが、今年は30万本以上の受注を受けています。男女を選ばないユニセックスなデザインも好評です。“ゼンテンコウ“はファッションブランドとの協業も増えています。

WWD：とはいえ、晴雨兼用の折傘も競争が激化しています。どう差別化しますか。

吉野：大切なのは実用性とデザイン性です。私たちは傘をファッションアイテムとして売ろうとは考えていません。合理的な価格と機能美を追求します。傘は脇役でいい。服の邪魔をしてはいけない。でもデザインにはこだわる。クリエイティブディレクターを起用して、「ウォーターフロント」のブランディングに本腰を入れ始めたところです。ペールトーンの色の出し一つとっても独自の基準に従っています。

「ウォーターフロント」の躍進の一つのきっかけになった“ポケットフラット“は、畳むと厚さ2.5cmになる超薄型の折傘です。2004年の発売以来、累計2400万本を売っています。バッグに入れてもかさ張ることなく、しっかり雨傘として機能する。傘に新しい価値を与えたわけです。何を解決し、何を提供するか。傘専業メーカーとして地道に取り組んでいくつもりです。

WWD：2025年12月期は、売上高目標を40％増に設定しています。

吉野：晴雨兼用を中心に傘マーケット自体が成長軌道に乗っています。私たちも商品ラインナップの充実によってヒット商品がたくさん生まれているので、十分に可能と考えています。まだ当社のビジネス規模は小さいものの、中国や東南アジア市場も有望です。海外では雨が降っても日本ほど傘をささないと言われてきましたが、温暖化と猛暑化によって紫外線を避けたいと考える人が増えています。伸び代は大きいと思います。

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「ウイスキー界の異端児」として注目を集めるロンドン発の独立系ブレンデッドウイスキーブランド「コンパス ボックス（COMPASS BOX）」はブランド誕生25周年を記念し、アイコニックな限定シリーズ“フレーミング ハート（Flaming Heart）”（2万6950円※編集部調べ）の第8弾を8月上旬から順次発売する。

ウイスキーは、単一の蒸留所で作られた「シングルモルト」と、複数の蒸留所のウイスキーをブレンドした「ブレンデッド」に大きく分けられる。これまでは、「シングルモルト＝高級で純粋、丁寧に時間をかけて作られたもの」、「ブレンデッド＝安いウイスキーを混ぜて、大量生産を目的に作られたもの」というイメージが根強かった。一方、「コンパス ボックス」は、「ブレンデッドは安価で粗雑なものではなく、シングルモルトの良い部分を組み合わせてブレンディングすることで、より豊かで立体的な味わいが生まれる」と主張してきた。2000年には、業界で安物のイメージが強いグレーンウイスキーを使用した高級ボトルを発売。その味わいとステートメントを通して、「グレーンウイスキー＝安物」という固定観念を覆したとされている。このほど来日したニシャット・グプテ（Nishat Gupte）最高経営責任者（CEO）サミュエル・トラヴァース（Samuel Travers）＝ウイスキーメーカーに、ブランドのスタンスや展望について聞いた。

挑戦の姿勢を貫く

WWD：「コンパス ボックス」の強みは？

ニシャット・グプテ最高経営責任者（以下、グプテ）：クラフツマンシップと透明性、ストーリーテリングを重視している。ウイスキーはとても汎用的な酒で、ストレートやロック、ハイボール、カクテルなど、人それぞれ好きな飲み方は異なる。世界中のウイスキー愛好家に自由に楽しんでもらえる、おいしいウイスキーを届けている。

WWD：時には伝統や業界の慣習、法規制にも立ち向かうブランドのスタンスについて教えてほしい。

グプテ：伝統も尊重する一方で、ウイスキー本来の素晴らしい価値を邪魔するような慣習に挑戦することを恐れていない。われわれは「熟成＝おいしい」では必ずしもないと考えており、一つ一つの構成要素にこだわり、ウイスキー作りを追求している。求めるフレーバーを作るために必要な熟成はもちろん行っているが、消費者には熟成の年数ではなく、どのようなフレーバーなのかを伝えている。

サミュエル・トラヴァース＝ウイスキーメーカー（以下、トラヴァース）：スコッチウイスキー業界では、これまではレシピを公開しないブランドが大多数で、スコッチウイスキー協会（Scotch Whisky Association以下、SWA）にも開示を制限されていた。「コンパス ボックス」は15年に「情報は飲む人の権利」との考えから、使用した蒸留所の名前や各原酒の比率、熟成年数、樽の種類などを公開したところ、同協会から開示停止を求められた。それを受けて、われわれは16年に「透明性運動」を実施。欧州連合（EU）と英国の規制に対し、レシピを開示する選択肢を生産者に与えるよう働きかけた。最終的には、現行の規制を変えることなく回避策を手に入れた。スコッチウイスキーメーカーは、消費者からの問い合わせに対してレシピの詳細を明らかにすることができるようになったのだ。

WWD：ブレンディングのプロセスや、そこにかける思いを教えてほしい。

トラヴァース：「コンパス ボックス」のウイスキー作りは、表現したいアイデアやコンセプト、感情から始まる。インスピレーション源は、音楽やアート、文化、ウイスキー業界で起こっていることなどさまざまだ。コンセプトが決定したら構成要素を検討し、ブレンドするウイスキーを慎重に選択する。プロトタイプを試飲し、コンセプトの再現に至ったら樽で数カ月なじませ、瓶詰めする。1カ月半で完成した製品もあれば、2年ほどかかった製品もある。

WWD：独自の世界観を持ったパッケージデザインも特徴だ。

グプテ：ウイスキーという製品において、最終的な体験はもちろん「飲む」ことだが、飲む前に消費者が何らかのストーリーを思い浮かべられるようなデザインを意識している。ラベルを見ただけで、味わいが口の中に広がるようなデザインを追求してきた。感情を喚起することから体験は始まると考えているからだ。

WWD：製品名やコンセプトに、風刺や問題提起を反映させた製品もある。

トラヴァース：今年初め、一部のイングランドの蒸留所が「自分たちのウイスキーを“シングルモルト”とは呼べない」という指摘を受けていたため、「スコッチウイスキーを含まないイングランド産のヴァテッドモルト（複数の蒸留所のモルトウイスキー原酒のみをブレンドしたもの）」を製造した。“スコットフリー（Scot-Free）”という製品名は、「スコットランドの要素がない」と「処罰を免れる」という2つの意味を持つ言葉を掛け合わせた。現在イギリスでウイスキーを製造する61の蒸留所を象徴し、61本の限定ボトルを作りプレゼントした。

WWD：日本市場の位置付けと、今後の戦略は？

グプテ：数量は限られていたものの、長きにわたり日本でも販売していた。日本人はクラフツマンシップや品質、透明性を重視しており、「コンパス ボックス」のフィロソフィーにフィットしている。今年から直接販売するようになったのでコミュニケーションを強化し、まずは代表作“オーチャード ハウス”の存在感を高めていく。ブランド誕生25周年を記念した“フレーミング ハート”にも期待する。かつては限定品に注力していたが、今後は“オーチャード ハウス”を含む“コアコレクション”を広くアピールする。また、異業種・分野でクラフツマンシップを発揮しているほかのブランドやアーティストとのコラボレーションも検討している。

“フレーミング ハート”について

“フレーミング ハート”は06年、米アーティストのM. ウォード（M. Ward）の楽曲「Flaming Heart」にインスパイアされて誕生した。誕生以来、スモーキーでスパイシーなブレンデッドモルトの可能性を追求し続けてきた。第8弾となる今作は、シリーズ史上最も構成を絞り込んだ4種のモルトウイスキーをブレンド。濃厚なピートとオークの風味が際立つ1本に仕上げた。

ラベルアートは、「炎を育むオークの構造体」に焦点を当てた。10年の10周年記念版以来、“フレーミング ハート”のラベルには木版画調のデザインを採用しているが、今作は従来の天使が「樽職人（クーパー）」へと進化し、炎を宿すオーク構造を点検する姿を描いた。「コンパス ボックス」のウイスキー作りへの情熱を象徴し、それが今なお燃え続けていることを示している。

「コンパス ボックス」とは

「コンパス ボックス」は、ブレンデッドウイスキーのパイオニアとして知られるジョン・グレイザー（John Glaser）が00年に創業したウイスキーブランド。“LONG LIVE INTERESTING”を主張し、ラグジュアリーを追求するオーセンティックなシングルモルトウイスキーと対角に位置するブランドとして、欧米を中心にストリートのバーシーンなどでカジュアルに楽しまれている。

24年、グレイザー創業者は一線を退き、ともにブレンディングを担当していたジェームス・サクソン（James Saxon）がディレクターに就任。これを機に、新たに定番シリーズ“コアコレクション”を設けた。これまでにブランドをけん引してきた代表作“オーチャード ハウス”と“ザ ピート モンスター”に、2種の新作“ネクタロシティ”と“クリムゾン カスク”を加え、“コアコレクション”として展開している。

また自らを「ウイスキーメーカー（創造者）」と呼び、ブランドの創造性を最大限に発揮する場として、毎年3つの限定品を発表。数百本限定の希少なリリースから、数千本規模で展開するやや入手しやすいものまで、ブレンデッドスコッチウイスキーの多様な表現を提案し続けている。

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「ウイスキー界の異端児」として注目を集めるロンドン発の独立系ブレンデッドウイスキーブランド「コンパス ボックス（COMPASS BOX）」はブランド誕生25周年を記念し、アイコニックな限定シリーズ“フレーミング ハート（Flaming Heart）”（2万6950円※編集部調べ）の第8弾を8月上旬から順次発売する。

ウイスキーは、単一の蒸留所で作られた「シングルモルト」と、複数の蒸留所のウイスキーをブレンドした「ブレンデッド」に大きく分けられる。これまでは、「シングルモルト＝高級で純粋、丁寧に時間をかけて作られたもの」、「ブレンデッド＝安いウイスキーを混ぜて、大量生産を目的に作られたもの」というイメージが根強かった。一方、「コンパス ボックス」は、「ブレンデッドは安価で粗雑なものではなく、シングルモルトの良い部分を組み合わせてブレンディングすることで、より豊かで立体的な味わいが生まれる」と主張してきた。2000年には、業界で安物のイメージが強いグレーンウイスキーを使用した高級ボトルを発売。その味わいとステートメントを通して、「グレーンウイスキー＝安物」という固定観念を覆したとされている。このほど来日したニシャット・グプテ（Nishat Gupte）最高経営責任者（CEO）サミュエル・トラヴァース（Samuel Travers）＝ウイスキーメーカーに、ブランドのスタンスや展望について聞いた。

挑戦の姿勢を貫く

WWD：「コンパス ボックス」の強みは？

ニシャット・グプテ最高経営責任者（以下、グプテ）：クラフツマンシップと透明性、ストーリーテリングを重視している。ウイスキーはとても汎用的な酒で、ストレートやロック、ハイボール、カクテルなど、人それぞれ好きな飲み方は異なる。世界中のウイスキー愛好家に自由に楽しんでもらえる、おいしいウイスキーを届けている。

WWD：時には伝統や業界の慣習、法規制にも立ち向かうブランドのスタンスについて教えてほしい。

グプテ：伝統も尊重する一方で、ウイスキー本来の素晴らしい価値を邪魔するような慣習に挑戦することを恐れていない。われわれは「熟成＝おいしい」では必ずしもないと考えており、一つ一つの構成要素にこだわり、ウイスキー作りを追求している。求めるフレーバーを作るために必要な熟成はもちろん行っているが、消費者には熟成の年数ではなく、どのようなフレーバーなのかを伝えている。

サミュエル・トラヴァース＝ウイスキーメーカー（以下、トラヴァース）：スコッチウイスキー業界では、これまではレシピを公開しないブランドが大多数で、スコッチウイスキー協会（Scotch Whisky Association以下、SWA）にも開示を制限されていた。「コンパス ボックス」は15年に「情報は飲む人の権利」との考えから、使用した蒸留所の名前や各原酒の比率、熟成年数、樽の種類などを公開したところ、同協会から開示停止を求められた。それを受けて、われわれは16年に「透明性運動」を実施。欧州連合（EU）と英国の規制に対し、レシピを開示する選択肢を生産者に与えるよう働きかけた。最終的には、現行の規制を変えることなく回避策を手に入れた。スコッチウイスキーメーカーは、消費者からの問い合わせに対してレシピの詳細を明らかにすることができるようになったのだ。

WWD：ブレンディングのプロセスや、そこにかける思いを教えてほしい。

トラヴァース：「コンパス ボックス」のウイスキー作りは、表現したいアイデアやコンセプト、感情から始まる。インスピレーション源は、音楽やアート、文化、ウイスキー業界で起こっていることなどさまざまだ。コンセプトが決定したら構成要素を検討し、ブレンドするウイスキーを慎重に選択する。プロトタイプを試飲し、コンセプトの再現に至ったら樽で数カ月なじませ、瓶詰めする。1カ月半で完成した製品もあれば、2年ほどかかった製品もある。

WWD：独自の世界観を持ったパッケージデザインも特徴だ。

グプテ：ウイスキーという製品において、最終的な体験はもちろん「飲む」ことだが、飲む前に消費者が何らかのストーリーを思い浮かべられるようなデザインを意識している。ラベルを見ただけで、味わいが口の中に広がるようなデザインを追求してきた。感情を喚起することから体験は始まると考えているからだ。

WWD：製品名やコンセプトに、風刺や問題提起を反映させた製品もある。

トラヴァース：今年初め、一部のイングランドの蒸留所が「自分たちのウイスキーを“シングルモルト”とは呼べない」という指摘を受けていたため、「スコッチウイスキーを含まないイングランド産のヴァテッドモルト（複数の蒸留所のモルトウイスキー原酒のみをブレンドしたもの）」を製造した。“スコットフリー（Scot-Free）”という製品名は、「スコットランドの要素がない」と「処罰を免れる」という2つの意味を持つ言葉を掛け合わせた。現在イギリスでウイスキーを製造する61の蒸留所を象徴し、61本の限定ボトルを作りプレゼントした。

WWD：日本市場の位置付けと、今後の戦略は？

グプテ：数量は限られていたものの、長きにわたり日本でも販売していた。日本人はクラフツマンシップや品質、透明性を重視しており、「コンパス ボックス」のフィロソフィーにフィットしている。今年から直接販売するようになったのでコミュニケーションを強化し、まずは代表作“オーチャード ハウス”の存在感を高めていく。ブランド誕生25周年を記念した“フレーミング ハート”にも期待する。かつては限定品に注力していたが、今後は“オーチャード ハウス”を含む“コアコレクション”を広くアピールする。また、異業種・分野でクラフツマンシップを発揮しているほかのブランドやアーティストとのコラボレーションも検討している。

“フレーミング ハート”について

“フレーミング ハート”は06年、米アーティストのM. ウォード（M. Ward）の楽曲「Flaming Heart」にインスパイアされて誕生した。誕生以来、スモーキーでスパイシーなブレンデッドモルトの可能性を追求し続けてきた。第8弾となる今作は、シリーズ史上最も構成を絞り込んだ4種のモルトウイスキーをブレンド。濃厚なピートとオークの風味が際立つ1本に仕上げた。

ラベルアートは、「炎を育むオークの構造体」に焦点を当てた。10年の10周年記念版以来、“フレーミング ハート”のラベルには木版画調のデザインを採用しているが、今作は従来の天使が「樽職人（クーパー）」へと進化し、炎を宿すオーク構造を点検する姿を描いた。「コンパス ボックス」のウイスキー作りへの情熱を象徴し、それが今なお燃え続けていることを示している。

「コンパス ボックス」とは

「コンパス ボックス」は、ブレンデッドウイスキーのパイオニアとして知られるジョン・グレイザー（John Glaser）が00年に創業したウイスキーブランド。“LONG LIVE INTERESTING”を主張し、ラグジュアリーを追求するオーセンティックなシングルモルトウイスキーと対角に位置するブランドとして、欧米を中心にストリートのバーシーンなどでカジュアルに楽しまれている。

24年、グレイザー創業者は一線を退き、ともにブレンディングを担当していたジェームス・サクソン（James Saxon）がディレクターに就任。これを機に、新たに定番シリーズ“コアコレクション”を設けた。これまでにブランドをけん引してきた代表作“オーチャード ハウス”と“ザ ピート モンスター”に、2種の新作“ネクタロシティ”と“クリムゾン カスク”を加え、“コアコレクション”として展開している。

また自らを「ウイスキーメーカー（創造者）」と呼び、ブランドの創造性を最大限に発揮する場として、毎年3つの限定品を発表。数百本限定の希少なリリースから、数千本規模で展開するやや入手しやすいものまで、ブレンデッドスコッチウイスキーの多様な表現を提案し続けている。

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ナチュラルコスメブランド「サボン（SABON）」が、新たな成長局面を迎えている。グローバルで最大の市場である日本において、ブランド価値の再定義と顧客体験の進化を通じ、持続的成長への道筋を模索する。かじ取りを担うのは、2025年5月にサボン ジャパンの社長CEOに就任したティニオ・マリア・クリスティーナ・クエンカ（Ma. Christina Cuenca TINIO）氏だ。ブランドの“次のチャプター”をどう描こうとしているのか、戦略の核心に迫る。

最重要地域の日本で
「サボン」の成長を加速する

WWD：サボン ジャパンのトップとしてのミッションは。

ティニオ・マリア・クリスティーナ・クエンカ＝サボン ジャパン社長CEO（以下、クエンカ）：「サボン」の次のチャプターを築くことである。ブランドの中で最大のマーケットである日本は最重要地域であり、グローバルへのけん引力を発揮していく役割が求められている。単なる成長ではなく、“健康的なビジネス”の展開にチャレンジしていく。

WWD：日本市場の商況をどう見ているか。

クエンカ：コロナ禍ではおうち時間の増加に伴い、自分自身や会えない相手へのギフトとして「サボン」の製品が選ばれ、売り上げは好調に推移。2024年の売り上げは18年比で約2倍に成長した。一方で、マスクの着用が不要になったことで外出やメイクを楽しむ動きが戻り、消費者のライフスタイルが変化。加えて急速な競合の追い上げや市場トレンドの変化もあり、ここ数年は成長が穏やかになっている。

WWD：現在の売れ筋は。

クエンカ：ブランドのアイコンとなるボディー・フェイス・ヘアの各スクラブは、新規のお客さまにも手に取っていただきやすいエントリーアイテムとして安定した人気がある。メンズ向けの「ジェントルマン」ラインも香りの持続力の高さが話題となり、人気が高い。フェイスケアカテゴリーにも注力しており、日常生活に欠かせない存在としての定着を目指している。

WWD：ブランドの強みは。

クエンカ：サボンには“魔法”がある。それは単なる製品力にとどまらず、五感に訴える世界観にある。例えば、渋谷の店舗には若年層やカップルなどが多く訪れ、その世界観に触れてファンになっている。現在は20代の支持が厚いが、今後は30〜50代に向けても製品の機能性をしっかり訴求し、年齢を問わず長く寄り添えるブランドを目指していく。

WWD：店舗スタッフやチーム作りで重視していることは。

クエンカ：現場こそが最も重要だと考えている。本社、日本法人、そして店頭のビューティアドバイザーの声を丁寧に聞きながら、全体の方向性をつくっていくのが私の役割。全員が一緒に、チームとして実行することが何よりも大切である。できる限り全ての店舗に訪れたいが、今は東京と関西の店舗を回り、現場の声に耳を傾けるように努めている。

WWD：世界的な物流や原材料調達における課題はどう捉えているか。

クエンカ：親会社であるフランスのグループ・ロシェの知見を活用し、安定した原材料の調達と生産体制の構築を進めている。グループの方針でもあるグローバル展開の加速に向け、処方の見直しなど柔軟な調整も行っている。常に最良のものを、最良のタイミングで提供することを徹底している。

WWD：海外展開について。

クエンカ：アジアでは台湾、香港、中国が好調である。さらに、今後は米国市場へのオフライン再進出も視野に入れている。グローバルでのプレゼンス拡大を図る中で、「サボン」の未来は広がりを見せており、その成長余地は大きいと確信している。

WWD：ブランド体験をどのように進化させていくか。

クエンカ：年末に向け、関西・関東エリアでVIP顧客を対象とした感謝イベントを計画している。製品を販売するだけでなく、ブランドの世界観そのものを体験として提供することが今後の価値創出につながると考えている。

WWD：今後の中長期的なビジョンは。

クエンカ：将来的には都心で、ブランドの世界観を象徴する店舗の出店を構想している。スパやカウンセリング体験、ギフトのコンシェルジュ機能などを通じて、顧客にとって特別な体験を提供する場をつくりたい。今後もむやみに店舗数を増やすのではなく、厳選されたロケーションでブランドとのタッチポイントを強化していく。

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スキンケアブランドの「ユンス（YUNTH）」と美容家電ブランドの「ブライト（BRIGHTE）」を展開し、急成長を遂げるAiロボティクス。昨年東証グロース市場へ上場し、売上高142億円、営業利益24億円（2025年3月期）と右肩上がりの成長を続けている。今月19日にはヘアケアブランド「ストレイン（STRAINE）」をローンチしたばかり。自社開発のAIマーケティングシステム「SELL」を強みに、ニーズを的確に捉えたプロダクトを開発し、効率的なマーケティングにより、ビューティ市場でも急速に存在感を増している。

創業者兼ファウンダーで代表取締役CEOの龍川誠氏が掲げるのは、2029年3月期に売上高2200億円、営業利益400億円、時価総額1兆円、そして「社員の平均年収1億円」という野心的な目標。さらにその先に“宇宙開発”すら見据えている。

WWD ：まず、会社を立ち上げた経緯を教えてほしい。

龍川：大学生の頃に起業を経験し、2014年に当時流行していた女性向けのキュレーションメディアの会社（ロケットベンチャー社）を立ち上げました。半年ほどで月間1億PVに達して、ローンチから8カ月で6億円でバイアウトしました。

それから1年ぐらい経って、「また挑戦したい」という思いがすごく強くなってきました。当時から尊敬する先輩経営者に言われていたんです。「男なら上場しなきゃ」と（笑）。

再びメディア領域で勝負しようと「HowTwo」という社名の会社を立ち上げました。つまり”How To動画メディア”に特化した会社です。アプリを開発し、メイク、ヘアアレンジ、洋服の着こなし、料理……そういう生活まわりのHow To動画をひたすら投稿しました。毎日撮影して、編集して、投稿して。でも、以前のようにはいかず、あまり見られなかった（笑）。

WWD：何が原因だったのでしょう。

龍川：今思えば当然なのですが、InstagramやTikTokのようなSNSプラットフォームが主流になり始めていた時期でした。

例えば、Instagramのコンテンツで完結しましたし、全ての有益な情報が“そこに留まる”。わざわざ個別のアプリをダウンロードして、How to動画を見る習慣は、消えかけていました。

WWD：動画制作では撮影機材や編集、キャスティングなど、相当なコストがかかったのではないでしょうか。

龍川：何度も「この事業は厳しいかもしれない」と思ったことはありました。そんなとき支えてくれたのが、期待を寄せてくれる株主の皆様の存在です。自分ひとりでやっていたら、「もう諦めよう」で済ませられたかもしれません。でも、そこには外部からの大切な資金と想いが入っている。だからこそ、「絶対に失敗できない」という強い責任感とプレッシャーが常にありました。

WWD：そこから、どう発想を転換したのでしょうか？

龍川：まず、経営そのものをゼロベースで見直しました。「売上と利益が出ないと意味がない」という、いわば当たり前のことを改めて徹底したんです。ただ、この”当たり前”って、起業初期は意外と見落としがちで。つい格好つけたくて、「社会に新しい価値を〜」とか言いたくなる。でも、現実的にはキャッシュを稼げなければ何も始まりません。そこで、すべてのKPIを数値化し、徹底的に可視化することから着手しました。

その次に考えたのは、「誰が対価を支払ってくれるのか？」という点です。当時のメディアのビジネスモデルは、基本的にタイアップ広告収益が中心でした。

実際、私たちのクライアントの多くは美容系メーカーでしたが、彼らが本当に求めていたのは「メディアに掲載されること」ではなく、「商品が売れること」だったんです。であれば、こちらも「売れるところまで責任を持つ」モデルに切り替えるべきだと考えました。

WWD：それが、Aiロボティクスのマーケティング事業につながっていったわけですね。

龍川：まさに、その気づきが原点です。

通販ビジネスはオンラインで完結できて、顧客のあらゆる行動をデータとしてトラッキングできるのが特徴です。たとえば、「このクリエイティブを見たこのユーザーが、このタイミングで購入した」といった情報を取得できるため、クライアントに対して根拠を持って価値を提示することができます。

加えて、私たちの収益モデルも成果報酬型にしました。「1件売れたら◯円をいただく」という形式であれば、クライアントにとってはリスクがありません。一方で、私たちも売れなければ報酬はゼロですが、自ら運用精度を高めることで成果をあげていける。極めて合理的なビジネスモデルだと確信しました。

WWD：AIを導入しようと考えたのは、なぜだったのでしょうか？

龍川：マーケティング事業の運用には、想像以上に膨大な工数がかかるんです。広告クリエイティブの制作、広告の出稿・予算調整、A/Bテスト、ランディングページ（LP）の最適化、数値のモニタリング……とにかく人間の手作業が多すぎる。事業を始める前から「これは自動化しなければ成長できない」と感じていました。

ただし、単なる自動化では意味がありません。人間よりも高い精度でなければ、むしろ足を引っ張るだけです。だからこそ、私たちは人間の運用を超えるパフォーマンスを実現することを前提に、自社AIマーケティングシステム「SELL」の開発に踏み切りました。

WWD：「SELL」について、詳しく教えていただけますか。

龍川：「SELL」は、プラットフォーム (媒体) 企業の協力を得ながら、ゼロから自社開発したAIマーケティングシステムです。目的は非常に明確で、人間が担っている広告運用業務を、すべてAIに置き換えることにあります。

たとえばバナー広告を生成し、「誰に」「どの時間帯に」「どのようなメッセージで」届ければ最も反応が得られるのかを、AIが判断し、複数パターンを同時に生成・配信し、成果の高いものだけを残していく。このプロセスを、365日・24時間絶え間なく繰り返す。人間には到底できないことを、AIが黙々と実行し続けるのです。

「A/Bテストをしています」という企業は多いですが、私たちは何千何万通りのパターンをリアルタイムに毎秒単位で効果検証しているから、CPA (獲得コスト) と獲得件数をコントロールできているわけです。

WWD：「SELL」の精度は、どのように担保しているのですか？

龍川：最大の要因は、圧倒的なデータ量です。これまでポーラ・オルビスさん、ファンケルさん、資生堂さんなど、業界を代表する企業と取り組み、確かな成果を出してきました。そうした他社のマーケティングデータに加え、現在は自社ブランドであるスキンケアの「ユンス」や美容家電の「ブライト」にも応用しており、蓄積されているデータは膨大です。

システムの成熟とともに、単に「誰が、どの広告を、どのタイミングで、どこで見て、購入したか」といった購買行動だけでなく、「購入後にどれくらいの確率でリピートするか」まで予測できるようになっています。これにより、顧客ごとに最もLTV（顧客生涯価値）が高まる広告パターンを、AIが選定し、実行できる。すべてがフルオートメーションで完結する仕組みです。

WWD：そうした蓄積データを武器に、D2Cブランド事業へビジネスモデルを転換されたわけですね。

龍川：「ユンス」は、立ち上げ当初は戦略的な理由からAiロボティクス本体とは切り離した形でスタートさせました。2022年に完全子会社化したことで、本格的な事業のスケールアップが一気に加速しています。

WWD：これまで蓄積されてきたデータは、具体的にどのように活用しているのでしょうか？

龍川：たとえば、「ユンス」におけるCPA（顧客獲得単価）は、発売時からほとんど変化していません。一方で、LTV（顧客生涯価値）は毎月着実に伸び続け、定期コースが主な収益源となっております。その結果、売上も利益も継続的に右肩上がり。とてもシンプルな構造です。

デジタルマーケティングの世界では「CPAが上がった・下がった」といった議論が常に繰り返されていますが、広告運用を本質的かつ合理的に設計できていれば、そうした変動に振り回されることはありません。むしろ、LTVの最大化を軸に構築することで、着実な成長を実現できると考えています。

WWD：プロダクトそのものについても、詳しくお聞かせください。

龍川：私たちは、「これは間違いなくお客さまに効果を体感していただける」という確信を持てる商品しか世に出しません。代表的なのが、ユンスの“生VC美白美容液”です。発売から約4年弱経った現在も、生VC美白美容液の売上は順調に伸びており、それと並行して他のプロダクトも着実に育ってきています。

一方、美容家電ブランド「ブライト」では、今年3月に発売した“シャワードライヤー”が大きな反響を呼びました。 一般的な高級ドライヤーとの違いは、まず圧倒的な軽さ。そして、大風量。さらに最大の特徴は、ドライヤーでありながら髪の保湿もできるという点です。「ミストセラムを吹きかけながら乾かす」という世界初の構造を開発し、発売初日には楽天の家電ランキングで1位を獲得。初回出荷分も即完売しました。「価値が分かる方には、瞬時に伝わる」と自信を持って言える商品です。

WWD：外部からは、「マーケティングドリブンな企業」というイメージが強いように思います。

龍川：確かにそう見られることも多いのですが、実際には私たちは“プロダクトアウト型”の思想を強く持って商品開発を進めています。よく「売れるものを作る」と聞きますが、私たちは「購入後に満足してもらえ、また買っていただけるものしか作らない」というスタンスです。それが、ブランドを正しく、持続的に成長させていくための唯一の道だと考えています。

特に今の時代は、AIの進化によって「良いものが、より選ばれやすくなる時代」になったと実感しています。かつては、ユーザーにとって関係のない広告が表示され、真に価値のある商品が埋もれてしまうことも多くありました。しかし、今はユーザーの関心やニーズに即した情報が瞬時に届けられるようになり、「良いもの」がダイレクトに選ばれ、「そうでもないもの」は選ばれにくくなった。つまり、知ってもらうことのハードルが下がり、本質的に価値のあるプロダクトが正当に評価されやすくなっているんです。

この環境は、まさに私たちにとって追い風です。しっかりと価値のあるものを作れば、それがしっかりとお客様の手に届く。だからこそ、私たちはプロダクトそのものに徹底的にこだわります。

「ユンス」や「ブライト」の商品開発においても、OEM工場の研究者と日々密に連携し、私自身が処方の微調整やパーツ設計にまで深く関与しています。ファブレスではあっても、ものづくりの本質と真剣に向き合う姿勢を貫いています。

WWD：OEMでは、商品の圧倒的な差別化は難しいのではないでしょうか？

龍川：必ずしもそうとは限りません。重要なのは、OEM工場との関係性です。スケールは異なりますが、Appleの例が象徴的です。iPhoneはAppleの製品ですが、製造自体は台湾の鴻海精密工業（ホンハイ）が担当しています。同じ工場では他の有名メーカーの製品も製造されていますが、それでもiPhoneが唯一無二の存在でいられるのはなぜか——。

それはAppleが、「この製品をこの価格で、これだけの数量を出す」と製造側に対してコミットしているからだと思います。この“覚悟”があるからこそ、工場からトッププライオリティーのパートナーとして扱われる。そして、それに見合ったクオリティや仕様の実現が可能になるのです。

私たちも同じです。「この本数を、この価格で、必ず売り切る」という覚悟を工場に明確に伝えることで、通常では実現が難しいような高度な仕様や差別化要素にも対応してもらえる。時間をかけて信頼関係を構築し、結果としてまるで同じ会社のような一体感と情熱をもって独自性ある商品開発が可能になるのです。

WWD：OEM工場とのコミュニケーションも、かなり密なのでしょうか？

龍川：はい、ほぼ毎日やりとりしています。最初の頃は専門用語が分からず、たくさん勉強しました。「ブライト」の美顔器やドライヤーを開発するうえでは、周波数や電圧、ミスト粒子、技術特許、特殊素材など、理解しておかなければならない技術的要素が非常に多いんです。化粧品に関しても同様で、成分や肌理論についてきちんと理解していなければ、工場側と本質的な会話は成り立ちませんし、本当に良いものは決して生まれないと思っています。

WWD：社員はわずか27人（25年3月末時点）とのことですが、2025年3月期の売上高は142億円、営業利益は24億円。極めて高効率な経営体制だと思いますが、どのように業務を回しているのでしょうか？

龍川：単純計算になりますが、1人当たりの売上高は5億円を超えています。おそらく業界でもトップクラスの水準だと思います。

この高い生産性を実現できているのは、それぞれの領域において非常に高い専門性を持ったプロフェッショナルが揃っているからです。商品開発担当、マーケティング、デザイン、CRM、撮影、PR、カスタマーサポート、倉庫・物流管理など複数の領域に携わりながらも、それぞれが高い水準で仕事をこなしています。

WWD：それだけの能力が求められるとなると、報酬も相応に高い水準なのでしょうか？

龍川：はい。私たちは29年までに、社員の「平均年収」を1億円にするという目標を掲げています。25年3月末時点での平均年収は1,250万円で、昨年度から350万円ほど上昇しました。ただ、1億円に到達するためには、単純計算で3カ月ごとに約45万円ずつ昇給していかなければなりません。それでも、本気でやりきるつもりです。

当然ながら、採用基準も非常に厳しくしています。新卒であれば、東京大学レベル以上の人材を中心に採用しています。中途採用で入社する場合にも、担当する専門領域において業界トップレベルの経験と能力が求められます。

もちろん、前職で年収数百万円ほどだった方が、いきなり年収数千万円レベルの仕事の成果を出すのはなかなか難しいと思います。でも、「数年以内に年収1億円相当の価値を生み出せる人材になる」という覚悟を持って入ってきてほしい。それくらいの強い意志と成長スピードを求めています。

WWD：2029年度には、売上高2200億円、営業利益400億円、時価総額1兆円という非常に野心的な目標を掲げていますね。

龍川：はい、その達成に向けて、毎年1ブランドずつ新たに立ち上げ、単体で売上高100億円を超えるブランドを複数育てていく方針です。そのためには、M&Aも積極的に行っていきます。すでに芽が出ているブランドの中から、「この事業なら一気に数百億円まで伸ばせる」という種を探し、経営資源を集中投入していきます。

今後は、ビューティ領域にとどまらず、ライフスタイル全般へと事業領域を広げていくつもりです。まずは「ストレイン」で、ドラッグストアやバラエティショップ市場に本格的に挑みます。これは正直、市場をひっくり返すレベルのインパクトがあると自負しています。実際に使っていただければ、その凄さを体感できるはずです。

WWD：長期的なビジョンについても教えてください。

龍川：2030年頃を目処に、“宇宙”への進出を見据えています。

私は、今後100年以内に人類が火星に移住する時代が到来すると本気で考えています。イーロン・マスク氏の発言は非常に理にかなっていますし、ジェフ・ベゾス氏も宇宙開発企業「ブルー・オリジン」を立ち上げています。ただ、現時点の技術ではまだ足りない部分が多くあります。

たとえばロケットの積載効率。数百トンの大型ロケットでも、実際に搭載できる物資はわずか1〜4％程度にすぎず、大半が燃料に充てられます。この制約のもとで、人が生活するための設備や建材を運ぶには、何度も届ける必要があります。そのため、莫大なコストがかかるため、現実的とは言えません。

大きな論点は、安全面と経済合理性を兼ね揃えながら「いかにして人間の生活可能環境を現地に構築するか」ということです。

私は「AIを搭載したヒト型ロボットがロボットをつくる」時代が必ず来ると考えています。まずはロボットを現地に送り、他のロボットを製造させる。そして、ロケットや居住基地の建設にまでつなげ、人類が生活可能なインフラを現地で整備していく。そうした段階的なアプローチが不可欠です。

火星や月のような環境では、大気がほとんどなく、宇宙放射線も降り注ぎます。そのため、人間がそのまま暮らすのは現実的ではなく、地下に居住空間を構築するのが妥当な選択になるでしょう。

こうした未来を見据え、私たちは「Aiロボティクス」という社名に込めた想いを、2030年頃を目処に事業として具現化していく予定です。現時点では、AIを搭載したソフトウェア型ロボットを活用したD2Cの会社でありますが、すでにヒト型ロボット領域に向けた準備も着実に進めており、社名と事業が本質的に一致する未来を形にしていく構想です。

WWD：構想のスケールが、まさに“果てしない”ですね。

龍川：こうしたビジョンは学生時代からずっと描いてきたものなんです。だからこそ、私が以前に立ち上げた会社の社名も「ロケットベンチャー」でした。

現在展開しているスキンケアや美容家電、ヘアケアといった事業は、もちろん当社の経営の根幹を担う重要な領域です。ただし、それだけの企業で終わるつもりはありません。

私は、AIとロボットの可能性を極限まで追求し、常にその先にある未来を見据えた事業を拡張していきたいと考えています。

結果的に「新しい自由を創造する会社」というミッションの実現に繋がり、それは私たちAiロボティクスの使命だと思っています。

The post 社員平均年収1億円、そして宇宙進出　スキンケア「Yunth」で急成長、Aiロボティクス龍川CEOの果てない挑戦 appeared first on WWDJAPAN.

スキンケアブランドの「ユンス（YUNTH）」と美容家電ブランドの「ブライト（BRIGHTE）」を展開し、急成長を遂げるAiロボティクス。昨年東証グロース市場へ上場し、売上高142億円、営業利益24億円（2025年3月期）と右肩上がりの成長を続けている。今月19日にはヘアケアブランド「ストレイン（STRAINE）」をローンチしたばかり。自社開発のAIマーケティングシステム「SELL」を強みに、ニーズを的確に捉えたプロダクトを開発し、効率的なマーケティングにより、ビューティ市場でも急速に存在感を増している。

創業者兼ファウンダーで代表取締役CEOの龍川誠氏が掲げるのは、2029年3月期に売上高2200億円、営業利益400億円、時価総額1兆円、そして「社員の平均年収1億円」という野心的な目標。さらにその先に“宇宙開発”すら見据えている。

WWD ：まず、会社を立ち上げた経緯を教えてほしい。

龍川：大学生の頃に起業を経験し、2014年に当時流行していた女性向けのキュレーションメディアの会社（ロケットベンチャー社）を立ち上げました。半年ほどで月間1億PVに達して、ローンチから8カ月で6億円でバイアウトしました。

それから1年ぐらい経って、「また挑戦したい」という思いがすごく強くなってきました。当時から尊敬する先輩経営者に言われていたんです。「男なら上場しなきゃ」と（笑）。

再びメディア領域で勝負しようと「HowTwo」という社名の会社を立ち上げました。つまり”How To動画メディア”に特化した会社です。アプリを開発し、メイク、ヘアアレンジ、洋服の着こなし、料理……そういう生活まわりのHow To動画をひたすら投稿しました。毎日撮影して、編集して、投稿して。でも、以前のようにはいかず、あまり見られなかった（笑）。

WWD：何が原因だったのでしょう。

龍川：今思えば当然なのですが、InstagramやTikTokのようなSNSプラットフォームが主流になり始めていた時期でした。

例えば、Instagramのコンテンツで完結しましたし、全ての有益な情報が“そこに留まる”。わざわざ個別のアプリをダウンロードして、How to動画を見る習慣は、消えかけていました。

WWD：動画制作では撮影機材や編集、キャスティングなど、相当なコストがかかったのではないでしょうか。

龍川：何度も「この事業は厳しいかもしれない」と思ったことはありました。そんなとき支えてくれたのが、期待を寄せてくれる株主の皆様の存在です。自分ひとりでやっていたら、「もう諦めよう」で済ませられたかもしれません。でも、そこには外部からの大切な資金と想いが入っている。だからこそ、「絶対に失敗できない」という強い責任感とプレッシャーが常にありました。

WWD：そこから、どう発想を転換したのでしょうか？

龍川：まず、経営そのものをゼロベースで見直しました。「売上と利益が出ないと意味がない」という、いわば当たり前のことを改めて徹底したんです。ただ、この”当たり前”って、起業初期は意外と見落としがちで。つい格好つけたくて、「社会に新しい価値を〜」とか言いたくなる。でも、現実的にはキャッシュを稼げなければ何も始まりません。そこで、すべてのKPIを数値化し、徹底的に可視化することから着手しました。

その次に考えたのは、「誰が対価を支払ってくれるのか？」という点です。当時のメディアのビジネスモデルは、基本的にタイアップ広告収益が中心でした。

実際、私たちのクライアントの多くは美容系メーカーでしたが、彼らが本当に求めていたのは「メディアに掲載されること」ではなく、「商品が売れること」だったんです。であれば、こちらも「売れるところまで責任を持つ」モデルに切り替えるべきだと考えました。

WWD：それが、Aiロボティクスのマーケティング事業につながっていったわけですね。

龍川：まさに、その気づきが原点です。

通販ビジネスはオンラインで完結できて、顧客のあらゆる行動をデータとしてトラッキングできるのが特徴です。たとえば、「このクリエイティブを見たこのユーザーが、このタイミングで購入した」といった情報を取得できるため、クライアントに対して根拠を持って価値を提示することができます。

加えて、私たちの収益モデルも成果報酬型にしました。「1件売れたら◯円をいただく」という形式であれば、クライアントにとってはリスクがありません。一方で、私たちも売れなければ報酬はゼロですが、自ら運用精度を高めることで成果をあげていける。極めて合理的なビジネスモデルだと確信しました。

WWD：AIを導入しようと考えたのは、なぜだったのでしょうか？

龍川：マーケティング事業の運用には、想像以上に膨大な工数がかかるんです。広告クリエイティブの制作、広告の出稿・予算調整、A/Bテスト、ランディングページ（LP）の最適化、数値のモニタリング……とにかく人間の手作業が多すぎる。事業を始める前から「これは自動化しなければ成長できない」と感じていました。

ただし、単なる自動化では意味がありません。人間よりも高い精度でなければ、むしろ足を引っ張るだけです。だからこそ、私たちは人間の運用を超えるパフォーマンスを実現することを前提に、自社AIマーケティングシステム「SELL」の開発に踏み切りました。

WWD：「SELL」について、詳しく教えていただけますか。

龍川：「SELL」は、プラットフォーム (媒体) 企業の協力を得ながら、ゼロから自社開発したAIマーケティングシステムです。目的は非常に明確で、人間が担っている広告運用業務を、すべてAIに置き換えることにあります。

たとえばバナー広告を生成し、「誰に」「どの時間帯に」「どのようなメッセージで」届ければ最も反応が得られるのかを、AIが判断し、複数パターンを同時に生成・配信し、成果の高いものだけを残していく。このプロセスを、365日・24時間絶え間なく繰り返す。人間には到底できないことを、AIが黙々と実行し続けるのです。

「A/Bテストをしています」という企業は多いですが、私たちは何千何万通りのパターンをリアルタイムに毎秒単位で効果検証しているから、CPA (獲得コスト) と獲得件数をコントロールできているわけです。

WWD：「SELL」の精度は、どのように担保しているのですか？

龍川：最大の要因は、圧倒的なデータ量です。これまでポーラ・オルビスさん、ファンケルさん、資生堂さんなど、業界を代表する企業と取り組み、確かな成果を出してきました。そうした他社のマーケティングデータに加え、現在は自社ブランドであるスキンケアの「ユンス」や美容家電の「ブライト」にも応用しており、蓄積されているデータは膨大です。

システムの成熟とともに、単に「誰が、どの広告を、どのタイミングで、どこで見て、購入したか」といった購買行動だけでなく、「購入後にどれくらいの確率でリピートするか」まで予測できるようになっています。これにより、顧客ごとに最もLTV（顧客生涯価値）が高まる広告パターンを、AIが選定し、実行できる。すべてがフルオートメーションで完結する仕組みです。

WWD：そうした蓄積データを武器に、D2Cブランド事業へビジネスモデルを転換されたわけですね。

龍川：「ユンス」は、立ち上げ当初は戦略的な理由からAiロボティクス本体とは切り離した形でスタートさせました。2022年に完全子会社化したことで、本格的な事業のスケールアップが一気に加速しています。

WWD：これまで蓄積されてきたデータは、具体的にどのように活用しているのでしょうか？

龍川：たとえば、「ユンス」におけるCPA（顧客獲得単価）は、発売時からほとんど変化していません。一方で、LTV（顧客生涯価値）は毎月着実に伸び続け、定期コースが主な収益源となっております。その結果、売上も利益も継続的に右肩上がり。とてもシンプルな構造です。

デジタルマーケティングの世界では「CPAが上がった・下がった」といった議論が常に繰り返されていますが、広告運用を本質的かつ合理的に設計できていれば、そうした変動に振り回されることはありません。むしろ、LTVの最大化を軸に構築することで、着実な成長を実現できると考えています。

WWD：プロダクトそのものについても、詳しくお聞かせください。

龍川：私たちは、「これは間違いなくお客さまに効果を体感していただける」という確信を持てる商品しか世に出しません。代表的なのが、ユンスの“生VC美白美容液”です。発売から約4年弱経った現在も、生VC美白美容液の売上は順調に伸びており、それと並行して他のプロダクトも着実に育ってきています。

一方、美容家電ブランド「ブライト」では、今年3月に発売した“シャワードライヤー”が大きな反響を呼びました。 一般的な高級ドライヤーとの違いは、まず圧倒的な軽さ。そして、大風量。さらに最大の特徴は、ドライヤーでありながら髪の保湿もできるという点です。「ミストセラムを吹きかけながら乾かす」という世界初の構造を開発し、発売初日には楽天の家電ランキングで1位を獲得。初回出荷分も即完売しました。「価値が分かる方には、瞬時に伝わる」と自信を持って言える商品です。

WWD：外部からは、「マーケティングドリブンな企業」というイメージが強いように思います。

龍川：確かにそう見られることも多いのですが、実際には私たちは“プロダクトアウト型”の思想を強く持って商品開発を進めています。よく「売れるものを作る」と聞きますが、私たちは「購入後に満足してもらえ、また買っていただけるものしか作らない」というスタンスです。それが、ブランドを正しく、持続的に成長させていくための唯一の道だと考えています。

特に今の時代は、AIの進化によって「良いものが、より選ばれやすくなる時代」になったと実感しています。かつては、ユーザーにとって関係のない広告が表示され、真に価値のある商品が埋もれてしまうことも多くありました。しかし、今はユーザーの関心やニーズに即した情報が瞬時に届けられるようになり、「良いもの」がダイレクトに選ばれ、「そうでもないもの」は選ばれにくくなった。つまり、知ってもらうことのハードルが下がり、本質的に価値のあるプロダクトが正当に評価されやすくなっているんです。

この環境は、まさに私たちにとって追い風です。しっかりと価値のあるものを作れば、それがしっかりとお客様の手に届く。だからこそ、私たちはプロダクトそのものに徹底的にこだわります。

「ユンス」や「ブライト」の商品開発においても、OEM工場の研究者と日々密に連携し、私自身が処方の微調整やパーツ設計にまで深く関与しています。ファブレスではあっても、ものづくりの本質と真剣に向き合う姿勢を貫いています。

WWD：OEMでは、商品の圧倒的な差別化は難しいのではないでしょうか？

龍川：必ずしもそうとは限りません。重要なのは、OEM工場との関係性です。スケールは異なりますが、Appleの例が象徴的です。iPhoneはAppleの製品ですが、製造自体は台湾の鴻海精密工業（ホンハイ）が担当しています。同じ工場では他の有名メーカーの製品も製造されていますが、それでもiPhoneが唯一無二の存在でいられるのはなぜか——。

それはAppleが、「この製品をこの価格で、これだけの数量を出す」と製造側に対してコミットしているからだと思います。この“覚悟”があるからこそ、工場からトッププライオリティーのパートナーとして扱われる。そして、それに見合ったクオリティや仕様の実現が可能になるのです。

私たちも同じです。「この本数を、この価格で、必ず売り切る」という覚悟を工場に明確に伝えることで、通常では実現が難しいような高度な仕様や差別化要素にも対応してもらえる。時間をかけて信頼関係を構築し、結果としてまるで同じ会社のような一体感と情熱をもって独自性ある商品開発が可能になるのです。

WWD：OEM工場とのコミュニケーションも、かなり密なのでしょうか？

龍川：はい、ほぼ毎日やりとりしています。最初の頃は専門用語が分からず、たくさん勉強しました。「ブライト」の美顔器やドライヤーを開発するうえでは、周波数や電圧、ミスト粒子、技術特許、特殊素材など、理解しておかなければならない技術的要素が非常に多いんです。化粧品に関しても同様で、成分や肌理論についてきちんと理解していなければ、工場側と本質的な会話は成り立ちませんし、本当に良いものは決して生まれないと思っています。

WWD：社員はわずか27人（25年3月末時点）とのことですが、2025年3月期の売上高は142億円、営業利益は24億円。極めて高効率な経営体制だと思いますが、どのように業務を回しているのでしょうか？

龍川：単純計算になりますが、1人当たりの売上高は5億円を超えています。おそらく業界でもトップクラスの水準だと思います。

この高い生産性を実現できているのは、それぞれの領域において非常に高い専門性を持ったプロフェッショナルが揃っているからです。商品開発担当、マーケティング、デザイン、CRM、撮影、PR、カスタマーサポート、倉庫・物流管理など複数の領域に携わりながらも、それぞれが高い水準で仕事をこなしています。

WWD：それだけの能力が求められるとなると、報酬も相応に高い水準なのでしょうか？

龍川：はい。私たちは29年までに、社員の「平均年収」を1億円にするという目標を掲げています。25年3月末時点での平均年収は1,250万円で、昨年度から350万円ほど上昇しました。ただ、1億円に到達するためには、単純計算で3カ月ごとに約45万円ずつ昇給していかなければなりません。それでも、本気でやりきるつもりです。

当然ながら、採用基準も非常に厳しくしています。新卒であれば、東京大学レベル以上の人材を中心に採用しています。中途採用で入社する場合にも、担当する専門領域において業界トップレベルの経験と能力が求められます。

もちろん、前職で年収数百万円ほどだった方が、いきなり年収数千万円レベルの仕事の成果を出すのはなかなか難しいと思います。でも、「数年以内に年収1億円相当の価値を生み出せる人材になる」という覚悟を持って入ってきてほしい。それくらいの強い意志と成長スピードを求めています。

WWD：2029年度には、売上高2200億円、営業利益400億円、時価総額1兆円という非常に野心的な目標を掲げていますね。

龍川：はい、その達成に向けて、毎年1ブランドずつ新たに立ち上げ、単体で売上高100億円を超えるブランドを複数育てていく方針です。そのためには、M&Aも積極的に行っていきます。すでに芽が出ているブランドの中から、「この事業なら一気に数百億円まで伸ばせる」という種を探し、経営資源を集中投入していきます。

今後は、ビューティ領域にとどまらず、ライフスタイル全般へと事業領域を広げていくつもりです。まずは「ストレイン」で、ドラッグストアやバラエティショップ市場に本格的に挑みます。これは正直、市場をひっくり返すレベルのインパクトがあると自負しています。実際に使っていただければ、その凄さを体感できるはずです。

WWD：長期的なビジョンについても教えてください。

龍川：2030年頃を目処に、“宇宙”への進出を見据えています。

私は、今後100年以内に人類が火星に移住する時代が到来すると本気で考えています。イーロン・マスク氏の発言は非常に理にかなっていますし、ジェフ・ベゾス氏も宇宙開発企業「ブルー・オリジン」を立ち上げています。ただ、現時点の技術ではまだ足りない部分が多くあります。

たとえばロケットの積載効率。数百トンの大型ロケットでも、実際に搭載できる物資はわずか1〜4％程度にすぎず、大半が燃料に充てられます。この制約のもとで、人が生活するための設備や建材を運ぶには、何度も届ける必要があります。そのため、莫大なコストがかかるため、現実的とは言えません。

大きな論点は、安全面と経済合理性を兼ね揃えながら「いかにして人間の生活可能環境を現地に構築するか」ということです。

私は「AIを搭載したヒト型ロボットがロボットをつくる」時代が必ず来ると考えています。まずはロボットを現地に送り、他のロボットを製造させる。そして、ロケットや居住基地の建設にまでつなげ、人類が生活可能なインフラを現地で整備していく。そうした段階的なアプローチが不可欠です。

火星や月のような環境では、大気がほとんどなく、宇宙放射線も降り注ぎます。そのため、人間がそのまま暮らすのは現実的ではなく、地下に居住空間を構築するのが妥当な選択になるでしょう。

こうした未来を見据え、私たちは「Aiロボティクス」という社名に込めた想いを、2030年頃を目処に事業として具現化していく予定です。現時点では、AIを搭載したソフトウェア型ロボットを活用したD2Cの会社でありますが、すでにヒト型ロボット領域に向けた準備も着実に進めており、社名と事業が本質的に一致する未来を形にしていく構想です。

WWD：構想のスケールが、まさに“果てしない”ですね。

龍川：こうしたビジョンは学生時代からずっと描いてきたものなんです。だからこそ、私が以前に立ち上げた会社の社名も「ロケットベンチャー」でした。

現在展開しているスキンケアや美容家電、ヘアケアといった事業は、もちろん当社の経営の根幹を担う重要な領域です。ただし、それだけの企業で終わるつもりはありません。

私は、AIとロボットの可能性を極限まで追求し、常にその先にある未来を見据えた事業を拡張していきたいと考えています。

結果的に「新しい自由を創造する会社」というミッションの実現に繋がり、それは私たちAiロボティクスの使命だと思っています。

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実験音楽やオーディオビジュアル、パフォーミングアーツを紹介するプラットフォーム「MODE（モード）」が、2025年の第一弾プログラムを実施した。パティ・スミス（Patti Smith）と現代音響芸術集団のサウンドウォーク・コレクティヴ（Soundwalk Collective）による最新プロジェクト「コレスポンデンス（CORRESPONDENCES）」をエキシビション（会期は6月29日まで）と、パフォーマンスの二形式で手がけた。どちらも、深刻化する社会問題に焦点を当て、過去の芸術家や革命家を通して、アーティストの役割や人間の本質に迫る内容だ。

パティの9年ぶりの来日ということもあり熱い期待が寄せられた公演は、4月29日に京都で、5月2日と3日に東京にて開催された。詩、映像、音響が重なるダイナミックな演出で6つの作品を表現し、大盛況をおさめたが、その共演者も見逃せない。

中でも、チェロを担当したルーシー・レイルトン（Lucy Railton）に注目だ。幻想的な雪原に足を踏み入れる描写では、ひとたび彼女が弓を取ると一瞬で会場の「気温」が数度下がるような感覚を引き寄せる手腕の持ち主だ。時として、かすかに揺れる風の音や、人間の心の揺らぎすらも自在に「音」にしてしまう、繊細なアプローチが光っていた。

ロンドン王立音楽院を卒業し、現在はベルリンを拠点に「チェリスト」としての枠を超え活躍の場を広げているルーシー。過去には、コンサートの企画やフェスの共同創設者としても活動し、コンポーザーとしてA24が手がける「False Positive（フォルス・ポジティブ）」のサウンドトラック制作に参加。今年4月には、最新作「Blue Veil（ブルー ヴェイル）」をリリースし躍進を続けている。そんな彼女に、これまでの経歴から新作についてのみならず「コレスポンデンス」のパフォーマンスにおける秘話まで話を聞いた。

音楽家の両親のもとで育まれた豊かな感性

――まずは、クラシック音楽やチェロとの出合いから教えてください。

ルーシー・レイルトン（以下、レイルトン）：父は指揮者で教育者、母は歌手でサウンドセラピストという音楽家の家系に生まれました。幼い頃から両親のリハーサルやコンサートに同行する日々で、3歳ごろにはピアノを始め、6歳でチェロに出合いました。そこからの道のりはとても自然なもので「音楽家になりたい」という夢は明確でした。11歳ごろには父が率いる地域のオーケストラに参加し、本格的にクラシックのチェリストとしての道を歩み始めました。今はベルリンを拠点にしていますが、20代まではロンドンで過ごし、クラシックから現代音楽、実験音楽、即興演奏まで幅広いジャンルで演奏活動を行っていました。ダルストンにある音楽ヴェニュー「Café OTO（カフェ・オト）」では10年間にわたってコンサートを企画し、2014年に「ロンドン・コンテンポラリー・ミュージック・フェスティバル（London Contemporary Music Festival）」を共同設立し、5年間プロジェクトに専念しました。

――現代音楽、実験音楽、即興音楽までジャンルの幅を広げたとのことですが、クラシックと比べて、どんな点に魅了されたのでしょうか？

レイルトン：主に「自由である」という点ですね。ある時期から、クラシックの世界における、厳格な訓練や保守的な制度の中で生きることの難しさを感じていました。もちろん、その領域で学んだ技術や集中力は非常に価値あるもので、勉強もとても楽しかったです。一方で、もっとオープンで多様な世界と関わりたいという気持ちが強くなっていきました。自分自身の「声」や「言語」を育てることができる可能性を探りたかった。もっと言うと、社会的、政治的、創造的にも広がりが必要だったんです。また、音そのものを探求できることも魅力でした。電子音楽や即興演奏は、未知なる音世界への探検であり、私自身の世界に生きることでもあるんです。それは拡張性があり、無限に変化するものです。

10年におよぶ「音の実験」でたどりついた場所

――4月に最新作「Blue Veil」を発表しましたね。電子楽器やペダル、エフェクトなどは使用せず、限りなくチェロにフィーチャーした作品ですが、こうしたアプローチに至ったのはなぜだったのでしょうか？チェロと対峙し原点回帰のような位置付けになるのでしょうか？

レイルトン：アルバムをリリースしながら、この10年間は音の実験を重ねてきました。まさに、未知の領域に足を踏み入れる冒険とも言える体験です。本作はベルリンでの経験から生まれたもので、ここで出会った素晴らしい音楽家たちとともに「純正律（Just Intonation）」という、倍音に基づいた特殊な音律の世界を知りました。そこでたどり着いたのが、自分との対話のような本作で、チェロを一人で演奏し、その音や振動、特別なチューニングによって生まれる色彩を聴くという「聴くことの実践」でもあります。これは音楽や旋律、ハーモニーよりも「運命」や「透明さ」に関わるものとも言えますね。一人でチェロを弾くことは私にとって最大の喜びであり、瞑想のようで、とても深い滋養を与えてくれます。

――「MODE 2023」で共ににプレイしたカリ・マローン（Kali Malone）とスティーブン・オマリー（Stephen O'Malley）によるプロデュースという点もとても興味深いのですが、彼らとは音作りにおいて、どんな点で共感、共鳴していると感じますか？

レイルトン：私たちトリオやカリの音楽は、基本的に同じ「純正律」の実践に基づいています。しかし、共鳴しているのは音律だけでなく、音や存在を通じた「超越」に対する感覚ですね。スティーブンのバンド「Sunn O)))（サンオー）」は、その持続性・物質性・超越性に富んだパフォーマンスにおいて、身体で感じる音響体験、精神や身体への影響、振動の力を追求しています。これらは世界中の音楽的・精神的文化で探求されてきたアイデアでもあります。トリオでの演奏は、電子音、アコースティック音、増幅されたギター音を融合させ、古代と現代の音源を織り交ぜた「音のタペストリー」を作り上げていくような感覚です。これはチェリストとしても電子音の探究者としても、両方の自分を体現できるとても大切な場所です。

「聴くこと」と「支え合う」ことで深まる「コレスポンデンス」

――今回は、パティ・スミスとサウンドウォーク・コレクティヴによる最新プロジェクト「コレスポンデンス」でのパフォーマンスのために来日ですね。どのような経緯で参加することになったのでしょう。また、先ほどもソロワークとは違うアプローチについても語っていただきましたが、このコラボレーションをどう捉えていますか？

レイルトン：世間は狭いもので、私もサウンドウォーク・コレクティヴもベルリン拠点だったからです。このプロジェクトは非常に特別で、共同作業のあり方も独特です。私たちは全員がパティの言葉に鋭く集中し、パフォーマンスのダイナミクス、スピード、エネルギーに非常に敏感である必要があります。演奏方法はサプライズに満ちていて、非常に刺激的です。私の役割はある程度自由度があり、パティの言葉とサウンドウォーク・コレクティヴによる電子音の構造に即興で応えるというスタイル。すべてのコラボレーションにおいて言えることですが、大切なのは「聴くこと」と「支え合うこと」です。このショーは、エネルギーや空間を与え合い、言葉に反応し、音の質感を加える、という交換の場でもあります。自分が主導するのではなく、アートとメッセージに奉仕する立場です。音、映像、言葉が一体となった大きなビジョンの一部として、私はその世界に貢献する存在です。

――本プロジェクトにおける音作りのプロセスについて。サウンドウォーク・コレクティヴのステファン・クラスニアンスキー（Stephan Crasneanscki）のフィールドレコーディングをベースに、パティが詩と声を重ねていく作業を行なったと聞きました。そこから、あなたに求められたのはどんな「音」だったのでしょうか？

レイルトン：私の役割はさまざまで、メロディやテーマ性のある要素を担うこともあれば、もっと背景に溶け込むようなサポート的な立ち回りもあります。サウンドウォーク・コレクティヴのステファンのフィールドレコーディングや、シモーネ・メルリ（Simone Merli）が制作した電子音に呼応するかたちで、私は多くの素材を録音しました。パティの詩を念頭に置きながらスタジオで即興演奏をし、小さな構造やモチーフ、メロディを生み出し、それが音楽の骨格を形づくる一助になればと考えていました。一方で、素材の質感や空気感を足すだけのときもあります。時には自分の音がミックスの中で完全に隠れてしまうようなことも。でも、それがこのプロジェクトの面白いところです。音の階層に上下がないというか、アンチ・ヒエラルキー的な美しさがある。ディエゴ・エスピノサ・クルス・ゴンザレス（Diego Espinosa Cruz González）のパーカッションが主役になることもあれば、氷が砕ける音や子どもの声が中心になることもある。私は誰にも聞こえないような「空気の音」を奏でるのも、はっきりとしたメロディを弾くのも、どちらも心地良い。ただ、パティの詩が伝える世界観を、音で共に形づくろうとしているのです。

――扱うテーマとして、原発事故、森林火災、絶滅危機といった深刻化する社会問題とともに、過去の芸術家や革命家を通して、アーティストの役割や人間の本質に迫っています。アーティストとしてあなたが感じたことや考えたことは？

レイルトン：とてもシンプルなことですが、私たち全員に役割があると思います。人々に気づきを与えること、責任ある行動をとること、人を励ますこと、そして互いに耳を傾けること。このプロジェクトは、私たち演奏者にも観客にも、そうした意識を呼び起こしてくれます。パティは本当にインスピレーショナルな人で、ほかの共演者含め、素晴らしいアーティストたちとともにステージに立てるのは大きな喜びです。観客も私たちも同じ空間で、彼女が提示する問いに向き合い、考えることができる。芸術が、集団的な体験や再評価の場となりうるということを、改めて実感しています。パフォーマンスの力は、私たちに問い続ける姿勢や意識を保つことの大切さを教えてくれます。

――最後に、直近のリリースやニュースを教えてください。

レイルトン：すでに触れていただきましたが、ソロチェロアルバム「Blue Veil」がリリースされました。いつか日本でもこの作品を披露できたらうれしいです。今はそれが一番のニュースです！

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フォトアーティスト・ARISAKがファッション＆ビューティ業界の多彩なクリエイターと共鳴し、新たなビジュアル表現を追求する連載【ARISAK Labo】。Vol.6となる今回は、ファッションデザイナー、ラッパーなど、マルチクリエイターとして多岐にわたり活動するMLMA（Me Love Me A lot）が登場。5月、韓国にあるMLMAのスタジオで行われたのは、MLMA本人曰く「ノー・プラン、ジャスト・ヴァイブス！」な撮影セッション。クリエイティブに情熱をそそぐ2人と現地のクリエイターチームにより生まれた作品とは。

クリエイターの心が通じる“本能的セッション”

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「連載1回目のLil Cherryちゃんの撮影の次の日にサプライズで登場したMLMA。Cherryちゃんが誕生日だったこともあり、一緒に寿司パーティーをしたり、カラオケをして意気投合しました。今回は私が韓国に行くタイミングで連絡を取り合い、撮影しようということに。もともと彼女が作っていたアート作品に私や韓国のクリエイターのインスピレーションが融合したような、“本能的セッション”と言えるような撮影でした」。

By ARISAK

Inside stories of
MLMA × ARISAK

WWD：お互いの第一印象は？

MLMA：静かだけど印象的で、自然と目を引くような人。初めて会った夜、Lil CherryとARISAKが一緒に撮影をしていたことを聞いて、彼女の作品をその場で少しだけ見せてもらい、それがすごく自然に心に響いたんです。彼女の作品は繊細でありながらどこか幽玄で、その世界観を感じ取ることができました。それはまるで、新しい言語なのに、すでに理解しているような不思議な感覚。一緒に何かを作ったら、きっと楽しくて、感情に溢れたものになるだろうと直感しました。

ARISAK：彼女のことは少し前から知っていて、「スクート（SKOOT）」というブランドをやっていながら絵も描けて、ペイントもできるかと思えば、立体作品も作る。さらには映像もディレクションするマルチな才能に注目していました。特に記憶にあるのはビンテージのポルシェにしたペイントや、背中に装着できる翼、「ミスチーフ（MSCHF）」の“ビッグ・レッド・ブーツ”のゴシックなリメイク、そして等身大の自分のマネキン作品ーー彼女のやること全てがクレイジーでかっこいい。視野を広げてくれるような、そんな気持ちにさせられます。

WWD：撮影の準備はどのように進んだ？

ARISAK：もともと、彼女が作ったアート作品とともに撮影をしたいと思っていました。韓国に撮影やプライベートで行き来している時に仲良くなったヘアメイクやスタイリストの仲間たちに急遽協力をお願いしたのですが、それぞれ最高の衣装やフェイスアクセを用意してくれ、すごく情熱的に協力してくれたのが本当にうれしかったです。

WWD：実際に撮影をしてみて感じたことは？

MLMA：事前に細かくイメージを作ったというよりは、“ノー・プラン、ジャスト・ヴァイブス！”という感じで撮影を行いました。急に決まったこともあり私のスタジオで撮影を行ったのですが、そこにあるアート作品を自然に融合させるようなイメージで撮影は進み、すべてがぴったりとハマっていく感じ。チーム全員の情熱に心を打たれ、コラボレーションの力を改めて感じられました。すべてはARISAKのエネルギーがあったからこそ実現したもの。心から感動しました。赤い衣装に、シュールなメイクを合わせたルックは特に印象に残っています。まるで3Dグラフィックスを現実に持ち込んだような仕上がりで、細部までとても美しいものでした。

ARISAK：彼女のスタジオは、ソウルの中心から少し離れた場所で東京の下町みたいな雰囲気のエリア。山も見えて静かで作業に集中できそうな素敵な場所です。スタジオに入ると、MLMAの作った作品が宝物のようにたくさんディスプレーされていて、リメイクしたぬいぐるみや「スクート」制作の作業ルーム、白ホリのスタジオもあり、私も「こんなスタジオが欲しい」と思いました。そして、彼女のクリエイターへの絶対的リスペクトも熱く感じられました。各クリエイター陣を信頼し、任せてくれたのがとてもうれしかったです。「新たなクリエイターとコラボして新しい自分に出会えるのが楽しいから」と言ってくれました。プロデュースしたり仲間と何か作る場面がすごく多いからこそ、私の気持ちも理解してくれているのだと思います。

WWD：撮影後はどのように過ごした？

ARISAK：彼女にご飯連れて行ってもらいました。韓国式の焼いてくれる焼肉ですごく美味しかったです。いつも韓国に行く時は、現地の友達について行くスタイルです。友人も呼んでガールズトークをしたり、穴場のバーみたいなところにも行って、ナイトアウトを楽しみました。インスタで見ていた彼女はクールな印象でしたが、話すと本当に面白くて、素敵な女性です。

「『やりすぎ』って思われるくらいがちょうどいい」
MLMAから日本のファンへメッセージ

WWD：漫画「NANA」に大きな影響を受けたと聞きました。日本文化はあなたにとってどんな存在ですか？

MLMA：あんなふうに恋をして、あんなふうにファッションを楽しみたいって思うようになった作品です。特に作品に登場する「ヴィヴィアン・ウエストウッド（VIVIENNE WESTWOOD）」のアイテムたちには、すごく影響を受けました。私の作品のインスピレーションであるロマンスや反抗心のイメージも、「NANA」から生まれたもの。昔から日本が大好きで、実は初めて“逃避行”した場所も日本。中学生の頃に親ナシで友達4人で日本に行き、完全にカオスだったけど、あの思い出は未だにに心をワクワクさせてくれます。最近ハマっているのは「今際の国のアリス」。俳優の三吉彩花さんと韓国で会ったのも忘れられない思い出です。彼女は完全に、“ガールクラッシュ”です！

WWD：5月にリリースしたEP「MLMA」について教えてください

MLMA：「MLMA」は、“カオスの中にある楽しさ”を感じられるように作りました。あまり深く考えすぎずに、楽しくて、正直で、ちょっとぶっ飛んでる感じ。それぞれの曲にそれぞれのムードがあるので、聴いてくれる人が自分の感情に素直に浸れるような作品になっているといいなと思っています。昔から支えてくれて、「変わってるけど好き」って言ってくれるファンのために作ったものです。

WWD：最後に、読者へメッセージをお願いします！

MLMA：「やりすぎ」って思われるくらいがちょうどいい。大きな声を出してもいい、優しくてもいいし、変でもいい。“自分がなりたい自分”でいてください。安全な道を選ぶには、人生は短すぎるから。そして日本のファンのみんなへ――ちゃんと見ています。愛してる！「MLMA」を聴いて、誰にも見られていないかのように踊ってくれたらうれしいです！

^CREDIT

^{COSTUME/MINACHUNG, ACCESORIES：32DAWN,
WHITE NAIL CHIP¥45,000, RUBY NAIL CHIPS¥45,000/LUEUR BY MAYUO（XANADU TOKYO03-6459-2826）}

^{DIRECITON & PHOTOS：ARISAK
MODEL：MLMA
STYLING：CHOI MISUN, KIM EUN JI, KIM TAE YOUNG（TEAM IIDO）
HAIR：SINWOOGIE（OVERMARS）
MAKEUP：LKEE EUNSEO（XOXOV3）, LEE YEWON
SPECIAL THANKS：KOTOHA & DANNY
LOGO DESIGN：HIROKIHISAJIMA}

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6月20日から公開される映画「中山教頭の人生テスト」は、「教誨師」（2018）、「夜を走る」（21）の佐向大の最新監督作だ。舞台は山梨県のとある小学校。物腰が低く平和主義者の中山教頭が、5年1組の臨時担任を任されたことをきっかけに、いくつもの問題に向き合わざるを得なくなり……。主人公の中山教頭を演じるのは、1998年に豊田利晃監督の「ポルノスター」で俳優デビューして以降、唯一無二の個性を放つ俳優としてキャリアを築いている渋川清彦だ。ヒールやアウトローの役が似合うが、お人好しの役もチャーミングに体現する。そんな彼が演じる「教頭先生」は、渋川清彦にしか醸し出せない人間味のあるキャラクターになっている。50歳という節目に公開される主演映画を入り口に、誰もまねのできないフィルモグラフィーを飄々と更新し続ける渋川清彦の魅力を探る。

教頭先生を演じて

——「あのKEEさんが教頭先生役！」と、感慨深いものがありました。20代のモデル時代から渋川さんのキャリアを同じ時代で見てきた者として。

渋川清彦（以下、渋川）：そうですか（笑）。俺としては、「お盆の弟」（2015）に近い感じかな、と思いました。キャラクターが似てるし。自分がよくやる、フラフラしていて頼りないんだけど、一つ芯があるキャラクターで。台詞も面白いなと思いました。生徒たちに向けて言っていることに嘘がない。実は反骨精神のある教頭で。俺はパンク（ミュージック）が好きなんで、共感できる、好きなキャラクターですね。主演も「久しぶりだな」くらいの感じで、そこで特別気合いが入ったということはなかったです。

——主演は7年ぶりですね。佐向監督が脚本を書くときに、渋川さんをイメージしていたそうです。教頭先生に、教育委員会の岸本（風間杜夫）が、「殺し屋みたいな顔して」と言う台詞はつまり、渋川さんのことですよね（笑）。

渋川：風間さん、言ってましたね、そういえば（笑）。教頭が悩んでいるときの顔ですよね。そっか、面白いですね。

——面白いです。「殺し屋みたいな顔」の俳優さんは、そういう役に配置されることが多いのに、渋川さんは教頭先生や、最近ではドラマ「地震のあとで」（NHK）で神の教えを説く宗教家など、役の幅を広げています。

渋川：そう言われると、確かにそうですね。ややこしい役というか、難しい役が増えてきてますね。今回の役、「地震のあとで」とも通じるものを感じます。

——善や正しさを求める（求められる）職業なのに、自分の弱さを認めて、言葉にしてしまう。そういう役を、作り手は渋川さんに演じてほしいんだな、と。

渋川：そうかそうか。いや、そういうふうに言ってもらえると納得いきます。自分じゃ気づかないことなんで。

——教頭先生らしさ、みたいなものが世の中にはなんとなく共有されていると思うのですが、どうやって今回の人物像を作っていきましたか？

渋川：「教頭先生って、実際のところ何やってるのかな？」って佐向さんが言ってて、俺も「そうだな」って。いざ自分の母校の教頭先生を思い出そうとしても、1人も思い出せないし。だから教頭先生については勉強してやったわけではなく。脚本に書かれている台詞でキャラクターを探していきました。

——先ほど言った「好きなキャラクター」ということは、役に共感しながら演じることができたということでしょうか。

渋川：そうですね。多分、佐向さんの作品、佐向さんの性格に共感しているんですよね。佐向さんの「夜を走る」を見て、不穏な感じの中に希望があるようなあの世界観に共感しました。監督の色はやっぱり作品に出るんで。そうじゃないとね、映画監督じゃないなって思います。

50歳という節目に思うこと

——この主演映画は、渋川さんが50歳のタイミングで公開されます。30歳で芸名をモデル時代のKEEから現在の渋川清彦に変えたこともありましたが、50歳に対して節目の意識はありますか？

渋川：あったはあったんですけど、49歳で体にいろいろありまして。もう終わったからいいんですけど、腫瘍がこの辺り（喉付近）にできて。良性だったんですけど、デカいこぶみたいになってちょっと嫌だったんで、一昨年の年末に摘出したんです。49歳で１回いろんなことがリセットになって、50歳からよしいくぞと思ったら、またいろんなことが出てきてしまって。悪いことじゃないんですけどね。それを今、乗り越えている感じです。

——病気を経験して何か変わりましたか？　仕事への向き合い方や、この先の生き方など。

渋川：いや、あんまり変わらないかなぁ……。あ、タバコはちょっと落としました。

——落とした？　本数を減らしたのではなく？

渋川：普通のホープ（14mg）からスーパーライト（6mg）に（タールの量を）落としました（笑）。スーパーライトはスーパーライトで慣れるもんで、軽くてもよくなりました。でもたまにガツンとしたのを吸うと、「やっぱうまいな」というのはありますね。

——喜びが増えましたね（笑）。今後やっていきたい仕事のイメージにも変化はないのでしょうか。

渋川：30歳からも40歳からもそんなに変わってなくて、「こういうのをやりたい」というのはずっとないんですよね。今は、新しい人や、一緒にやりたいと思っていた人と（作品を）やるのが楽しいです。最近も、ある監督さんと初めて仕事ができて、すごくうれしくて。あと、強いて言うなら京都の仕事を増やしていきたいです。撮影所が楽しいんですよ。たまに行くんですけど、京都の撮影所の、昔ながらのシステムがすごくいいんです。

——太秦（東映京都撮影所）ですよね？

渋川：そうです。館内放送で「第◯スタジオでなになにの撮影です」「誰々さんどこそこに行ってください」みたいなのが流れるのも、東京では全くないシステムですよね。伝統的な映画づくりの名残が感じられるのが楽しいし、ウキウキします。俳優の人はみんな思っていると思いますよ。京都自体も面白いです。街中は人（観光客）がいっぱいいますけど、太秦あたりはそうでもないんで。時代劇って、やっぱりすごく面白いです。

——時代劇にはもともと興味がありました？

渋川：ありました。30歳前後のときも一瞬「鬼平（犯科帳）」にハマっていた時期がありまして。昨年はドラマ「新・暴れん坊将軍」（2025年1月放送済み）をやりました。しかも（演出が）三池（崇史）さんで、俺は悪役で。あれは本当に楽しかったです。

豊田利晃監督との関係

——三池監督とは何度もお仕事されていますが、同じく豊田利晃監督作品には全て出演しています。今年公開予定の長編映画「次元を超える」にももちろん出演していますし、4月には飛騨市で渋川さんが主演した短編3本をまとめた「狼蘇山シリーズ」の上映会とトークショーをしていましたね。渋川さんが豊田作品に出るのは当たり前、という関係ですか？　

渋川：そうですね。豊田さんの現場は豊田さんがプロデューサー兼監督なんで、「どっかの合間に1日やろう」「誰かスタッフを集めてすぐやろう」みたいな感じで、パッと行ってパッと撮る。役を作るとか、台詞を覚えてとかいう感じでもないので、それはそれですごく面白いです。豊田さん、修験道にハマってまして。山伏っていうんですかね。狼蘇山シリーズはそれなので、結構大変なんですよ。

——滝に打たれたり。

渋川：そうそうそう（笑）。アスファルトの上で五体投地をやったりね。それで俺は旅ができたりするんで、すごく面白いです。

——撮った作品の公開日は事前に決まっている？

渋川：決まってないですね。全くもって。

——役者さんは自分が出た作品がいつ人に見てもらえるのかを気にすると思うんです。渋川さんは現場で豊田さんと撮るというところで完結しているのでしょうか？

渋川：そうですね。豊田さんに関して、まあ好きな監督に対してはそうですよね。別にそれが上映されなくてもどうということではなくて。でもいつかは上映するんじゃないかなと（笑）。豊田さんの場合は、面白いことをやってるんで、俺はそれに乗っかってるだけという話ですかね。

——「次元を超える」はいつ公開される予定ですか？

渋川：日本だと今年の秋には公開するんじゃないかな。外国では2月にロッテルダム（国際映画祭）、5月にフランクフルトの「ニッポン・コネクション」で上映したので、もう完成はしてます。

——豊田さんの作品をきっかけに、自分も海外で見てほしいという意識はありますか？

渋川：それはあんまりないですね。外国でやりたいから英語を勉強するということもないですし。　

——そうなんですね。役は選びますか？

渋川：基本、オファーが来たら受けるという感じです。でも確か一度だけ、死姦する役を断りました。でも、その映画には出たような気がします。死姦はなくしてもらって、殺すだけにしてもらいました。自分でも理由は分かんないんですけど、なんか「やだな」と思って。

——その「なんかやだな」は分かるような気がします。これまでたくさんの役を演じてきて、今回、「教頭先生をやる年齢になったかー」と思いましたか？

渋川：ちょっと思いました。40歳過ぎぐらいから「子どもがいる役が多くなったな」とはなんとなく思ってました。で、今回は教頭かと。

「これまでの役者人生、あっという間だった」

——これまでのキャリアを振り返るとどんなことを思いますか？　「頑張ったな」「もっとやれたな」「あっという間だったな」など。

渋川：あっという間ではありますかね。俺、頑張ったのかなあ。でも頑張ってるつもりはそんなにないですけど。ずっと「もう潰しが効かない」と思ってやってましたけど、今でも同じ感覚なのかもしれないし。でもそんなに（自分のキャリアについて）考えてなかったのかもなあ……。まあ、運が良かったなとは思います。（モデルになる）きっかけも、ナン・ゴールディンに写真を撮らせてくれって声をかけられたからですし。でも、運がいいなりに、勉強しながらやってますよね。

——自己分析するのは難しいかもしれませんが、渋川さんが長い時間をかけて少しずつ役者として大きくなった理由ってなんだと思いますか？　メジャー作品にも出演する一方で、豊田さんと当たり前のように自主映画を作り続けているところに、大切な何かを売り渡していないなと感じます。

渋川：うん、それ（売り渡していない）はありますね。芝居をちゃんと学んできた人へのコンプレックスみたいなものがずっとありますよね。俺が好きな先人はちゃんと芝居を学んでいたりするので、そこはずっとあります。あるけど、「じゃあ俺もやるか！」とはならないというか、まあなんか大丈夫かな、という感じもちょっとあります（笑）。

——そこの飄々と流れていく感じが渋川さんですよね（笑）。ところで今日のお召し物は私服だそうですね。別のインタビューで「服は全然買わない」とおっしゃっていて驚きました。

渋川：そうなんですよ。自腹ではあまり買わないですね。こういう取材のときにお金が出たら買うぐらいです（笑）。このシャツもそうです。1940年代くらいのビンテージで、多分3〜4万円するんです。まったくそんな値段に見えないですけどね。古着のシャツが好きなんです。

——行きつけのお店があるんですか？

渋川：10代から知ってる、原宿の古着屋さん。「ジャックス」っていうんですけど、フィフティー（50年代）、シックスティー（60年代）が専門です。買うとなったら必ずそこに行きます。

——ジーンズも育てているとか。

渋川：そう。今日のこれは「リー（LEE）」。

——あ、広告に出演されている。

渋川：これ、広告で履いたやつです。1954年の“アメリカン　ライダース 101Z”っていう、「理由なき反抗」でジェームス・ディーンが履いていたモデルです。広告の撮影に、自分が持っている「リー」のジーンズを何本か持っていって、「『リー』、すごい好きなんですよ」って言ったら、撮影で履いたジーンズをもらえました。大事に育てます（笑）。

PHOTOS：MAYUMI HOSOKURA

映画「中山教頭の人生テスト」

◾️映画「中山教頭の人生テスト」
6月20日から全国公開
出演：渋川清彦
高野志穂／ 渡部秀／ 高橋努／ 大角英夫／ 田野井健／ 川面千晶／ 足立智充／ 安藤聖／ 大鶴義丹／ 風間杜夫／ 石田えり
監督・脚本：佐向大
配給：ライツキューブ
https://nakayama-kyoto.com/

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長編デビュー作「PLAN 75」で世界的な注目を集めた映画監督、早川千絵。新作「ルノワール」は11歳の少女、フキの物語だ。1980年代のある夏、父親が重い病気で入院し、母親が看護や仕事に追われる中で、フキは新しい友達やさまざまな大人たちとの出会いを通じて成長していく。フキを演じた鈴木唯の天真爛漫な演技が話題を呼ぶ本作で、フキの父親の圭司を演じて存在感を発揮しているのがリリー・フランキー。早川監督の強い希望によるキャスティングだったが、リリーも早川監督の作品に強く惹かれていたという。初めて作品を一緒に作り上げた2人に話を聞いた。

手書きの手紙でオファー

——リリーさんは「ルノワール」に出演するに当たって、作品のどんなところに興味を持たれたのでしょうか。

リリー・フランキー（以下、リリー）：僕は勤勉なタイプではないので、なるべく仕事は避けて通りたいと思っているんです（笑）。でも、今回は脚本を頂いてすぐに参加したいと思いました。それまでに「PLAN 75」を観て監督にすごく興味を持ったんですよ。あと、監督から直接手紙をいただいたんですよね。自己紹介的な。

早川千絵（以下、早川）：そうでしたね。手書きの手紙を書いて、その手紙をポストに投函した後、家に帰ってリリーさんのラジオを聞いたら、「手書きの手紙は重い」という話をされていて、しまった！と思いました（笑）。

リリー：いや、でも、手書きの手紙をくれる監督とは気があう気がするんですよ。パトリック（編注：リリーさんが出演した映画「コットンテール」のパトリック・ディキンソン監督）とは、イギリスと日本で手書きの手紙でずっとやりとりしていたんです。パトリックが、手紙じゃないと伝わらない、と言っていて。僕ら2人の間には手紙を訳す人がいて、さらに僕が遅筆なもので、すごく時間がかかったんですけど、時間がかかったのが良かったのかもしれない。

早川：是枝（裕和）監督も出演される役者の方に手紙を送られるそうですね。

リリー：そうです。手書きの手紙が届いて、こっちも手書きで返すみたいな。

——手書きの文字や使う便箋からも、手紙を送った人の人柄が伝わってくるので、相手のことを知るには良いのかもしれませんね。

リリー：出演を決める時は、監督に対する興味って大きいんですよね。僕は監督の私小説のような匂いがする作品が好きなので、それでこの作品に興味を持ったというのもあるんです。

大人になり始める
11歳という年齢

——やはり本作には監督の自伝的な要素が強いのでしょうか。

早川：エピソードは完全にフィクションですけど、フキのキャラクターだったり、彼女の世界の見方に関しては割と自分に近いところがありますね。

リリー：監督がフキと同じ11歳くらいの時は、フキよりも考え方が大人だったんじゃないですか？　フキって自分で性の芽生えをぼんやり感じているけど言語化できていないじゃないですか。でも、監督は言語化できていたんじゃないかと思って。

早川：いやいや、できていませんでした。フキと同じでおまじないをやったりして、ファンタジーを信じていましたね。

リリー：じゃあ、まわりの同級生の方が大人っぽく見えた？

早川：見えましたね。私より現実的に思えました。私は夢ばかり見ているような子だったんです。映画の中でフキが変な作文を書いて、母親が教師に呼び出されるじゃないですか。そういうところが自分にもありました。三者面談で先生に「この子は何を考えているのかわからない」って言われるような変な子だったんです（笑）。

——リリーさんは11歳の頃はどんな子供でした？

リリー：本当に子どもでしたね。フキと同じように性の芽生えを感じたり、大人や友達に対して意地悪な気持ちになったりしていたけど、その気持ちを口にしないまま大人になってしまった。もしかしたら、思春期前のこの時期の感覚って本人が言語化できていないから、誰も話をしたことがないんじゃないかと思うんですよ。それを映画でみずみずしく描いていたことがすごいと思っていて。映画を観ていると、いろんなことを思い出すんですよ。例えば、中島（歩）さんが演じる御前崎がフキのお母さん（石田ひかり）と出会って、フキと3人でファミレスに行くじゃないですか。そこで御前崎がフキに「おじさんの顔、面白い？」って言う。大好きなシーンなんですけど、「こういう雰囲気出してくる大人っていたなあ」って思い出しました。

——子どもの頃、身近にそういう大人がいた？

リリー：うちのお袋が親父と別居したまま死にましたけど、別居したての頃は若いわけですよね、まだ30代だったから。それで、お袋と御前崎みたいなおじさんと3人で近所のレジャーランドに行ったりしたことがあったんです。そのおじさんに抱いていた嫌悪感。「今日あいつが来ると思っただけでもぞっとする」って思っていたことを映画を観て思い出しました。そういう子どもの時に言語化できなかった感情を、この映画は描いているんですよね。脚本を読んで最初に惹かれたのはそういうところでした。

リリー・フランキーの演技

——観客一人ひとりが個人的な記憶や感情を呼び覚まされる作品ですよね。監督は若い頃にお父さんをご病気で亡くされています。リリーさんが演じたフキの父親、圭司も病気で入院していますが、リリーさんをキャスティングする際に、お父さんの面影と重なるところを感じられたりもしたのでしょうか。

早川：そうですね。私はリリーさんに儚さというか、どこか浮世離れしたところを感じていて。存在感がすごく強いのに薄いというか、どこか透明感があるところが死期が迫った父親のイメージを思わせるところがあったんです。

——現場で演技をするリリーさんをご覧になって、どんな感想を持たれました？

早川：思っていた通りの方でしたね。あと、リリーさんが演出家としての眼を持っているというのを強く感じました。このシーンを映画として成立させるために何が必要なのかを俯瞰してご覧になっている。

リリー：演出家の眼で見ているかどうかは分かりませんが、僕の場合、映画に出ているキャリアより、映画を見てきた期間が長いです。役者として仕事をする前に、映画の原稿をずっと書いていたので。だから今、どんな絵になっているんだろうって言うのは頭の隅で考えているかもしれない。あと、僕は自分が出ている映画を観ても、自分の演技とか全然気にならないんですよ。役者の方って自分の演技をチェックされたりするっていうじゃないですか。僕にはそういう感覚が全然なくて。

——映画の中のリリーさんの佇まいは独特ですよね。自然体で演技している風には見せないけれど存在感がある。リリーさんは無の状態で、そこに映画の世界が入り込んでいるというか。

早川：ほんとそうですよね。

リリー：映画に出ている時って自我は全然ないです。映画は監督のものだから、自分がこうしたい、なんて気持ちはない。監督が望むままに動くだけです。今回、監督に役について聞いたのも、部下に「随分、痩せましたね」と言われるので痩せた方がいいですか？っていうことくらいでした。それで「痩せてください」と言われたので、毎日、豆のヌードルばかり食べていたんです。意外とヌードルのバリエーションが多くて助かりました（笑）。

早川：リリーさんは間合いが絶妙なんですよ。病室に訪ねてきた部下とのやりとりは秀逸でしたね。他愛のない会話なので映画的なシーンとしてちゃんと成立するかな、と不安だったんですけど、撮影している時から、ちゃんと映画的な時間が流れていました。

リリー：あのシーンは監督からいちばん演出を受けた気がしますね。きっと、監督の中にイメージしたタイム感があったんじゃないかな。

早川：あそこは家の外で圭司がどんな人物なのかがわかる唯一のシーンなんです。あそこで圭司が「そう？」って窓の外を見る演技がすごくいいんですよ。圭司との会話で部下が気まずくなって病室の窓の外を見て、良い景色でもないのに「良い景色ですね」って言う。それに対して圭司が「そう？」っていう言い方、間合いが絶妙なんです。

リリー：確か、脚本には「そう？」はなかったんですけど、あそこはユーモアを入れられる数少ないシーンだと思ったんです。ユーモアといってもいろいろありますけど、笑っていいのかどうかわからないユーモアってあるじゃないですか。そういうのが出せそうだなと思ったんです。悲しみと背中合わせにある笑い。そういうものが欲しい監督じゃないかな、と「PLAN 75」を観て思ったんです。キワキワのトゲのある笑いが好きな方なんじゃないかって。

生（性）と死の関係を描く

——そういうことが分かるのが、リリーさんの批評家的な眼差しなのかもしれませんね。圭司がずっと入院していることもあって、この映画は全編に渡って死の影がつきまとっています。でも、その一方で、フキの性の芽生えもある。子供にはまだよくわからないモヤモヤしたものにフキが惹かれていくのが物語を通じて伝わってきますね。

リリー：お父さんが死に向かっていく一方で、フキは伝言ダイヤルに興味を持つ。生（性）と死の関係、その描き方もすごくよかったですね。

——フキが伝言ダイヤルで知り合った大学生に会いにいく。あの辺りの描写にはハラハラさせられました。

早川：女性は小さな頃から、そういう危険とすごく隣り合わせなんですよ。よくわからないけど何だか怖い、とフキが感じているのを描きたかったんです。それは私が子供の頃に漠然と感じていたけど、言語化できていなかったことなんです。

リリー：この時期の女性の性への興味を描くというのは、ヨーロッパ映画では結構あるんですけど、日本映画では苦手だったような気がするんですよ。早川さんは突飛なことをせず、みんながドキッとすることを上品に取り扱っている。その視点やバランスがすごいんですよね。

——監督は11歳の頃の感覚を呼び覚ますために何かアプローチはされたんですか？　昔の写真を見るとか、当時の雑誌を読んでみるとか。

早川：そういうことはしませんでした、当時からこういう映画を作りたいと思っていて、自分が考えていることをノートに書いていたんです。

——当時というのは11歳の頃？

早川：はい。この映画で使われているエピソードは、その頃に考えていたものが多いですね。

——11歳の頃から将来撮りたい映画のことを考えていたというのはすごいですね！

リリー：僕はこの年の頃、「ゴジラ対ヘドラ」みたいな映画を撮りたいと思っていましたよ（笑）。きっと監督は子供の頃から善悪では決められないこととか、簡単には理解できないものに興味があったんじゃないですか？　監督の作品からそれが伝わってくる。

早川：よく分からないものは好きでしたね。だから、よく分からない映画も好きで、そういう映画がきっかけで映画をどんどん観るようになったんです。

リリー：空想ばかりしていて、よく分からないものが好きで、それでよく堅気になれましたね（笑）。そういう人って大抵、途中で沈没するんですよ。でも、監督は一回、ちゃんと就職してニューヨークで働いている。

早川：若い頃は自分が真面目で普通すぎることにコンプレックスがあったんですけどね。

リリー：でも、監督は不良っぽいやつよりもグロいことを考えてたと思いますよ。

早川：今になって分わかりました（笑）。

カンヌのレッドカーペットは
「テクノポリス」で登場

——「ルノワール」は監督が「変な子」だったからできた映画と言えるかもしれませんね。そういえば、映画の中でクラウス・ノミで有名な「Cold Song」やYMOの「ライディーン」など、テクノ／ニューウェイヴ好きには懐かしい曲が流れるのが印象的でした。小学生の頃から音楽がお好きだったんですね。

早川：好きでした。6歳上の姉がいて、姉が聴いているものをよく聴いていたんです。「ライディーン」は映画と同じように、キャンプファイアーを囲んで生徒で踊った時に流れていたんです。その時の振り付けを覚えていたので、映画でももそれを踏襲しました。当時はYMOのことは知らなくて、外国の音楽だと思っていたんです。日本のバンドだと知った時は驚きました。

リリー：そういえば、カンヌ（国際映画祭）に監督と行ったんです。レッドカーペットを歩く時にかける音楽って監督が選べるんですけど、そこで監督がYMOの「テクノポリス」をかけたんですよね。

——そうなんですか！　良い選曲ですね。

早川：映画で「ライディーン」を使ったというのもあるんですけど、「テクノポリス」は好きな曲なので、この曲が流れたら緊張しないで歩けるかなと思ったんです。

リリー：カンヌと同じ時期にMUSIC AWARDS JAPANが始まったじゃないですか。そのどアタマで「ライディーン」が流れるんですよ。そして、細野（晴臣）さんがスピーチで「ここにメンバーの2人は都合で来られませんが」って言うんですけど、カンヌでMUSIC AWARDS JAPANのニュースを見ながら「細野さん、教授と幸宏さんはこっちに来てますよ！」って思っていたんです。すごくうれしい偶然でしたね。

PHOTOS：MAYUMI HOSOKURA
HAIR & MAKEUP：[LILY FRANKY]AKI KUDO、[CHIE HAYAKAWA]HITOMI NATORI

映画「ルノワール」

◾️映画「ルノワール」
出演：鈴木唯
石田ひかり 中島歩 河合優実 坂東龍汰
リリー・フランキー
脚本・監督：早川千絵
撮影：浦田秀穂
編集：Anne Klotz
音楽：Remi Boubal
企画・制作：ローデッド・フィルムズ
制作協力プロダクション：キリシマ1945
製作幹事・配給：ハピネットファントム・スタジオ
©2025「RENOIR」製作委員会/InternationalPartners
https://happinet-phantom.com/renoir/

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多くのラグジュアリーブランドが低迷するなか、それらと比べて手の届きやすい価格帯で勝負するパリ発ブランドが世界的に好調を示している。その好例の一つが、パリを拠点とするアイウエアブランド「ジミー フェアリー（JIMMY FAIRLY）」だ。同ブランドは、日本市場参入をきっかけにアジアでのビジネスを拡張させたファッションブランドの「セザンヌ（SEZANE）」や、レザーバッグの「ポレーヌ（POLENE）」に続くように、今月日本に初上陸。7月8日まで、日本初となるポップアップを伊勢丹新宿店メンズ館1階で開催している。

「ジミー フェアリー」は、2010年にフランス人起業家アントナン・シャルティエ（Antoin Chartier）によって設立された。ウィメンズのメガネとサングラスからスタートし、25年春夏からメンズラインを開始。販路は自社ECと直営店舗のD2Cモデルで、現在、ヨーロッパで140店舗以上を構える。“手の届くハイクラス”というコンセプトのもと、高品質なアイウエアを約2万円台の価格帯で提供。各モデルの生産数を絞って約2カ月ごとに新作をリリースし、長く愛用できるクラシカルなアイテムから、トレンドを取り入れたものまで豊富なデザインを取り揃える。日本でのポップアップではロングセラーモデルや新作など、100型以上のアイウエアをラインアップした。

今やパリジェンヌの定番アイウエアとなっている「ジミー フェアリー」。当時23歳という若さでブランドを立ち上げた、創設者シャルティエに、ブランド誕生の背景から日本市場進出の狙い、今後の展望について話を聞いた。

ーー若き起業家として、創設当時なぜアイウエア業界に可能性を感じたのか？
「ジミー フェアリー」のアイデアは2010年、パリの学生寮の自室で生まれた。23歳で心理学を専攻していた私は、何か美しく、役に立ち、意味のあるものを創造したいという思いに駆られていた。父は営業職、母は環境省勤務という家庭で育ち、起業への意欲と社会に良い影響を与えたいという使命感が根付いていたのだ。 

ある日、メガネが必要になり近所の店舗に入った際、疑問がわいた。どうしてこんなにシンプルな製品がスマートフォンと同じくらい高価なのか。手頃な価格で美しいメガネをつくることはできないのか。アイウエアを買う体験をもっと刺激的でワクワクするものにできないか。そこからすべてが始まった。

私はビジネスモデルを根本から見直し、パリでデザインし、丁寧に製造し、自社店舗で直接販売する体制を構築した。店舗はブランドの世界観そのものであり、温かみがあり洗練され、親しみやすい規模感を追求した。コンセプトは明快だ。ファッション性と高品質、適正価格、そして確かな個性を備えたアイウエアをつくることに注力している。

ーーブランド名「ジミー フェアリー」の由来は？
誰にでも響く、国際的で覚えやすく、意味のある名前を追求した。“フェアリー”は公正な価格設定、完全な透明性、D2Cモデルへの揺るぎないコミットメントを示す。“ジミー”は時代を超えたアイコン、ジェームズ・ディーン（James Dean）へのオマージュであり、スタイルと自由の象徴だ。つまり、スタイリッシュで手に取りやすく、誠実で人間味のあるブランドを体現した名前といえる。

ーーアイウエア業界の激しい競争の中で成功した秘訣は？
「ジミー フェアリー」では、すべてが顧客体験から始まる。あらゆる段階で一貫して素晴らしい体験を提供することが目標だ。D2Cモデルはその中核にあり、企画から流通まで自社で管理することで、中間マージンを排除し、高品質を保ちながら適正価格を実現している。“手の届くハイクラス”というコンセプトを掲げ、最高級素材を用いながらも価格を抑えられるのは、D2Cモデルの採用にある。

この顧客との直接的な関係性が信頼を生み、機敏な対応力と成長の加速に繋がっている。さらに店舗の存在も欠かせない。店舗コンセプトは社内チームが緻密に設計し、大理石やオニキス、無垢材など最高級素材をふんだんに使っている。温かみがあり居心地よく、アクセスもしやすく、洗練された空間は、すべて顧客に“Wow！”と思わせるためのこだわりだ。

ーー事業が軌道に乗るまでの重要な転換点はあったか？
もともとはオンライン販売が中心だったが、2012年にパリのヴィエイユ・デュ・タンプル通りに初の実店舗を開設。そこでは1か月の売上がオンライン累計に匹敵し、顧客との直接的な接点の重要性を改めて認識した。

パンデミック時、多くの企業が苦境に立たされたが、アイウエア店は“生活必需品”として営業を継続できた。営業時間は短縮したものの、顧客の信頼と忠誠心に支えられた。結局のところ、私たちの強みは顧客との深い絆にある。

ーー日本市場への印象は？
日本進出は国際成長戦略の一環である。日本は独自の強い文化と美学があり、学ぶことが多い。 要求水準は高いが、それが私たちのブランドをさらに進化させてくれる。

ーー日本の需要はヨーロッパと異なるが、伊勢丹での初ポップアップで提供する商品と選定基準は？
日本市場は細部へのこだわりが強い。私自身も日本の美学やファッション感覚を敬愛している。東京とパリは、控えめで洗練されたエレガンスや美意識に共通点がある。伊勢丹の初ポップアップでは、ユニセックスで誰にでも似合うベストセラーを軸にしつつ、ファッション性の高い個性的なモデルも厳選した。無理に押し付けることなく、手頃さ、強い美学、地域の期待に応える配慮を大切にしている。

ーー日本・アジア市場での戦略は？
伊勢丹は日本を代表する百貨店であり、提携は大きなチャンスだ。選りすぐりの場に招かれたことは光栄である。プレミアムなブランド世界観を自然に日本へと持ち込みつつ、現地文化や商習慣を学びながら柔軟に対応し、テスト＆ラーニングに取り組みたい。

ーー今後の展望は？
今後は「ジミー フェアリー」の国際展開を加速させることが最大の目標だ。ヨーロッパで築いた150店舗の基盤をもとに、今年秋にはニューヨークに旗艦店をオープンする予定である。これは大きな一歩となる。 高品質で洗練されたプロダクトとデザインを新市場に届け、野心的かつ着実に歩みを進めていきたい。公正な価格、明確な美学、顧客との近さ、そして常に顧客に“Wow！”と思わせるという信念を、今後も守り続けていく。

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アメリカのインディー・ミュージック・シーンでは近年、マイ・ブラッディ・ヴァレンタイン（My Bloody Valentine）やスロウダイヴ（Slowdive）にルーツをさかのぼる「シューゲイザー」の新たな担い手たちが再び台頭を見せている。その筆頭にも挙げられるバンドがこのホットラインTNT（Hotline TNT）で、現在は元ザ・ホワイト・ストライプスのジャック・ホワイトが運営するレーベル〈Third Man〉に所属するニューヨークの4人組だ。

フロントマンのウィル・アンダーソン（ボーカル／ギター）を中心につくり上げるサウンドは、ノイジーだがメロディアスでフックの効いた音響的没入感が魅力で、シューゲイザーはもちろん、ハードコアやエモ、フォークからアンビエントまで幅広い音楽的バックグラウンドをその内側にうかがわせる。２年前にリリースした２作目「Cartwheel」は多くのメディアでその年のベスト・アルバムの候補に選ばれるなど、批評的に大きな成功を収めたことも記憶に新しい。

そんなホットラインTNTが、3作目となるニュー・アルバム「Raspberry Moon」を完成させた。初の本格的なバンド・レコーディングとなった今作は、前作「Cartwheel」後に再編されたメンバーで練り上げた演奏に加えて、リズムのアプローチや音響的なプロダクションの面で大きな変化と前進をうかがわせるのが特徴だ。特にリッチな音像で奥行きを増したサウンドスケープは、「シューゲイザー」のテンプレートを超えて“録音芸術”とでも呼びたい洗練された感触を与えるに違いない。「初めて、本当の意味で“バンド”になったと思ってる」——そう語るウィル以下、ラッキー・ハンター（ギター）、ヘイリン・トランメル（ベース）、マイク・ラルストン（ドラム）のメンバー全員に、3月の来日公演のステージ直前、話を聞いた。

メンバーが影響を受けた音楽

——ホットラインTNTはどんな感じで始まったんですか。

ウィル・アンダーソン（以下、ウィル）：正直なところ、最初から明確なビジョンがあったわけじゃないんだ。ただ、アートや音楽をつくり続けたいっていう気持ちだけはずっと強くあって。それにぴったりの仲間を見つけるのには時間がかかったけど、何年もかけて、1人また1人と、少しずつメンバーが揃っていった感じだね。今では、全員がしっかりと共通のビジョンを持って活動できていると感じているよ。確かに最初に動き出したのは僕だったかもしれないけど、でも、ホットラインTNTがバンドとして一つにまとまったと感じられたのは、昨年、今の4人が揃ってからだった。そこから初めて、本当の意味で“バンド”になったと思ってる。

——ウィルも含めてメンバーはそれぞれ、ホットラインTNTの前からさまざまなバンドで活動してきた経歴がありますが、音楽的なバックボーンという点ではどうでしょうか。

ラッキー・ハンター（以下、ラッキー）：影響を受けた音楽はほんと幅広くて、ヒップホップやラップもあれば、パワーポップもある。よく「シューゲイザーっぽいね」って言われるけど、実際にはちょっと違ってて。影響としてはハードコア・パンクとか、僕たちが長年聴いて育ってきた音楽の方が近いと思う。そういう意味では、ダイナソーJr.やハスカー・ドゥなんかは、自分にとって特に大きな存在だったと思う。

ヘイリン・トランメル（以下、ヘイリン）：僕とウィルは、1990年代のオルタナティブ・ロックっていう点で強く共通してるんだ。例えば、映画の「ジム・キャリーはMr.ダマー」（94年）のサウンドトラックみたいな感じとか（笑）。

マイク・ラルストン（以下、マイク）：そういえば、僕がこのバンドに入るのを決めた理由の一つが、「Protocol」（前作「Cartwheel」収録）のミックス音源を聴いたことだった。あの曲の最後の方で「うわ、これティーンエイジ・ファンクラブっぽいな！」って思って、それをウィルに言ったら、彼も「……だよね？」って（笑）。

ウィル：あれは大きかったかも（笑）。でも実際のところ、僕たちが影響を受けてるのは、そういうバンドのサウンドそのものというよりも、むしろそのエートス（姿勢）やエネルギーなんだと思う。彼らが音楽を通じて世界に放っていたスピリット——僕たちはその“聖火”を受け継いで、自分たちなりのひねりを加えて表現していこうとしてるんだよ。

シューゲイザーとTikTok

——ホットラインTNTは“シューゲイザー・リバイバル”の文脈で語られることが多いと思いますが、そのことについては正直どう感じていますか。

ラッキー：正直なところ？（笑）　まあ、僕たちとしては「シューゲイザー」と呼ばれること自体に特に否定的な感情はないよ。だって、その手の音楽には本当にいいものもあるし、実際、同じようにカテゴライズされている仲間たちの中にも素晴らしい音楽をつくっている人たちがいるからね。でも、テクニカルな意味で言えば、自分たちがいわゆる“シューゲイザー・バンド”だとはあまり思ってない。例えば、マイ・ブラッディ・ヴァレンタインやスロウダイヴのような“パイオニア”と比べてみても、彼らのようには聴こえないと思うんだ。だから「シューゲイザー」という言葉が、僕たちを正確に表しているかというと……ちょっと違うかなって。

ウィル：今“パイオニア”って言葉が出たけど、もし人々が僕たちのことを「シューゲイザー」と呼ぶなら、それはそれでいい。でも僕たちは、そのジャンルの定義をもっと遠くまで押し広げたいと思ってる。つまり、従来のシューゲイザーの枠に収まらないような曲を書いていくってこと。それに……ちょっと変な話だけど、僕たちの音楽における指針の一つって、“耳に残る”ことなんだ。でもそれって、いわゆる“シューゲイザー像”とは真逆かもしれない。

マイク：僕たちのサウンドには確かに、“ラウドなギター”とか“ドリーミーな雰囲気”みたいな要素があると思う。でも同時に、ボーカルの音量がちょっと大きめにミックスされてるんだよね。いわゆるトラディショナルなシューゲイザーとはそこが違うと思う。というか、アルバムを出すたびに、ボーカルのミックスが少しずつ大きくなってきてる気がするよ（笑）。

——一方で、若い世代にとって「シューゲイザー」は、TikTokなどを通じてギター・ミュージックを発見する入り口にもなっていますよね。

ウィル：そうだね。とてもポジティブなことだと思う。僕たちは何でもウェルカムだよ。昔ながらの手づくりファンジンも好きだし、TikTokも好き。音楽やアートに夢中になってる人たちの熱が広がっていくなら、それがどんな形であれ素晴らしいことだと思うよ。

ラッキー：TikTokって、今の若い子たちが音楽に触れる大きなツールになってるよね。実際、僕の友だちのバンドがTikTokをきっかけにすごく注目されて、それまでの何倍もの大きなオーディエンスに届くようになったのを見てきた。だから、それはクールなことだと思うんだ。誰かが音楽と出会えるなら、それでいいじゃん、って。

ウィル：まあ、同時に、TikTokが日常生活とかメンタルに悪影響を及ぼすことがあるっていうのも、身近な人を見ていて感じる部分もあるけどね。でも、ギター・ミュージックに興味を持ってくれる人が増えているなら、それは間違いなく良い方向に進んでるってことだと思う。

マイブラとスマパン

——ところで、ウィルは交換留学生としてヒマラヤ山脈の麓にある学校に通っていたころ、通学の電車で聴いたマイ・ブラッディ・ヴァレンタインの「Loveless」に衝撃を受けたことが自身の音楽的な基盤をつくった、と記事で読んだのですが。

ウィル：あのころは本当に孤独で、すごく不安だったんだ。15歳で、自分が何に足を踏み入れようとしているのかもよく分かってなくて。そんなとき、「Rolling Stone」誌で「死ぬまでに聴くべき100枚のアルバム」みたいな記事を読んだんだ。その中の1枚に――タイトルだったのか、アートワークだったのか――とにかくすごく惹かれて、「これ、聴いてみたい！」って思ったんだ。それでアマゾンでCDを注文して、インドの自分の家まで届いてさ（笑）。他のみんながどうだったかは分からないけど、自分にとっては、そのアルバムを初めて聴いた瞬間、頭の中で何かがぐにゃっと曲がったような感覚があって。「これが何なのか全然分かんないけど、でも好きだ。もっと聴きたい！」ってなった。自分にとっては、それが全ての始まりだった気がする。

マイク：僕が「Loveless」を初めて聴いたのは、実家で芝刈りしてたときだった。オーバーイヤーのヘッドホンを着けて、草を刈りながら聴いてたんだけど……正直、最初は全然理解できなかった。でも、なぜか惹かれるものがあって。繰り返し聴くうちに、少しずつ分かるようになって、どんどんのめり込んでいったんだよね。

——ええ。

ラッキー：僕が「Loveless」を初めて聴いたのは暑い車の中で、州外への旅行からの帰り道でCDを再生した瞬間、まるで毛布に包まれたみたいな感覚だった。安心感があって、心がふわっと落ち着いて。音はすごく大きくて、全身に音が降りかかってくるような力強さがあるのに、同時にすごく柔らかくて繊細でもあって。あの感覚は、今でも他のどんなレコードにもないと思うし、たぶん再現できるものでもない。

ヘイリン：アルバムの始まりも最高だよね。スネアの音が鳴って、全部が一気に始まるあの瞬間、思わず目を見開くようなインパクトがある。

ウィル：あの作品には、他のシューゲイザー・バンドが持っていないものがあると思う。このジャンルの最高の要素を全部詰め込んでるというか。それは強いリズムであったり、あの異様なまでのドリーム感だったり……まさに、僕たちが目指しているものなんだよね。世の中には「シューゲイザー」って名前を借りて、そこにいろんなものを放り込もうとするバンドがいるけど、ああいうふうにできる人たちは他にいない。ものすごくラウドで、とてもドリーミーで、でもキャッチーでもあって。今でもふとした瞬間に、あの音が頭の中で鳴ってるんだ。

マイク：たぶん、あの作品には“混沌の中に美しさを求める”っていう姿勢があるんだと思う。人生もそうだよね。美しいものって、常に目の前にあるわけじゃない。ちゃんと探さないと見つからない。

——ちなみに、最近のライブではスマッシング・パンプキンズの「Quiet」のカバーをよくやってますよね。スマパンも特別なバンドだったりしますか。

マイク：僕個人としては、同じドラマーとしてジミー・チェンバレンがすごく好きなんだ。ジャズが好きで、彼にはそういうバックグラウンドもあるからね。彼はロックとジャズのスタイルを見事に融合させたドラマーの一人だと思う。それに、90年代に子供だった僕たちにとって、スマッシング・パンプキンズの曲って避けて通れないものなんだよ。人生のどこかに必ず染みついているというか。

ウィル：正直に言うと、僕はあまり好きじゃないんだよね（笑）。4つか5つ、最高のリフはあると思うけど、それ以外はあんまり響かない。でも、「Quiet」を演奏すれば絶対に盛り上がるっていうのは、最初から分かってた。あれはオリヴィア（・ガーナー、元ギター／ベース）のアイデアだったんだ。「あなたの声のレンジに合ってるし、きっとバッチリはまると思う」って言ってくれて。その通りだったし、彼女は正しかったよ。演奏してて楽しいし、うん、すごくいい曲だと思うよ。

転機となった
セカンド・アルバム「Cartwheel」

——2年前にリリースされたセカンド・アルバム「Cartwheel」はブレイクスルーのきっかけとなった作品ですが、振り返っていかがですか。

ウィル：間違いなく、バンドにとって決定的な転機だったと思う。ちゃんとしたブッキング・エージェントがついて、初めてマネージャーも雇って、チーム体制が一気に整ったタイミングでもあった。それに、このメンバーたちがアルバムのリリース直前に加わってくれて、全部の歯車が一気に噛み合った感じだったんだ。今振り返っても、ちょっと信じられないというか、まさかこんな反響があるとは思ってなかったから、不思議な気分になるよ。制作してた当時は、それまでの作品と何か大きく違うことをやってる感覚は全然なかったから。「またつくろう。よし、今回もやろう」って、ほんとにいつも通りの気持ちだったんだよね。

——「Cartwheel」が転機となった背景には、ジャック・ホワイトの〈Third Man〉からリリースされたことも大きかったと思います。

ウィル：〈Third Man〉って、確かに豊かな歴史を持ってるレーベルなんだけど、ただ、「今、どれだけ新しいバンドを積極的に世に送り出しているか？」という意味では、そこまでアクティブじゃない印象もあったんだ。むしろジャック・ホワイト周辺の作品やリイシューに特化してるレーベル、というイメージが強かったから。もちろん僕たちもジャックの音楽にはすごくリスペクトがある。でも、その〈Third Man〉から新しいバンドとして出るっていうことが、世間的にどう受け取られるのか……それは少し読めなかったところがあるんだよね。クールだと思ってもらえるのか、それとも何かズレた選択に見えるのか。でも結果的には、クールなコミュニケーションだっていう反応が多くて、安心したよ。

——ジャック本人とやりとりはあったんですか。

ウィル：うん、ナッシュビルで会ったことがあるよ。でも、彼は僕たちのアルバム制作やプロモーションにはあまり深く関与してない。レーベルのトップとして全体を見てはいるけど、現場の細かいところにはあまり口を出さないスタンスなんだと思う。それでも、僕たち全員で〈Third Man〉に行ったときには、ちゃんと会ってあいさつできたし、とてもクールだった。僕たちの音楽を応援してくれてるっていうのは、そのときの雰囲気からも伝わってきた。実際、ライブにも来てくれたしね。彼はレーベルそのものをすごく誇りに思っているし、アーティストにも“自分の声”を持って、自分のやり方でプロジェクトを進めてほしいと思ってるタイプなんだと思う。あんまり干渉しすぎず、信頼して任せるっていうか。

ラッキー：僕は車の話をしたよ。彼、「フォード」の“ブロンコ”の、90年代の古いモデルを持ってるんだって。それを聞いてテンション上がっちゃってさ（笑）。僕は車が好きで、同じ色のブロンコを買ったんだ。2025年の新しいモデルをね。

ウィル：実はその時、僕の母もたまたまナッシュビルに来てて、〈Third Man〉の見学ツアーに行ってたんだ。僕たちが着く前に、母はジャックと15分くらいお喋りしてたらしくて。で、僕たちがスタジオに着いたら、ジャックが「ああ、君たちか。お母さんから話は聞いたよ」みたいな感じで（笑）。「お母さんに教えてもらえばいいよ。いろいろ知ってるから」って（笑）。

ニュー・アルバム「Raspberry Moon」での新たな試み

——ニュー・アルバムの「Raspberry Moon」ですが、音像がとてもリッチで、“録音芸術”とでも呼びたくなる没入感の深いサウンドスケープに驚かされました。

ラッキー：今回は、スタジオで曲を実験的に仕上げていく準備をして臨んだ。構成をあらかじめざっくり決めていた曲もあれば、スタジオでゼロから書いた曲もあって、その場でどんどんつくり上げていった。ウィル1人で完結していた以前の制作とは違って、今はバンド全体がしっかり機能していて、フル・バンド体制になった強みを活かそうっていう意識があったと思う。普段ならアコースティック・ギターを入れないような曲にも試してみたり、何時間もかけてシンセサイザーやパーカッションを掘り下げてみたりして、バンドのサウンドをどうやって広げていけるかをみんなで模索したんだ。コアな部分はブレさせずに、もっとダイナミックなバンドとしての側面を見せたいっていう意識もあったね。

マイク：サウンド面では、制作環境の影響もすごく大きかったと思う。今回レコーディングしたのは（プロデューサーの）エイモス・ピッチのスタジオなんだけど、彼はもう一生かけて集めてきたような機材や楽器を大量に持っていて、普通のスタジオじゃ絶対に見ないようなものもたくさんあった。そういう環境に身を置いて、曲を書きながらレコーディングもできる自由な空間の中で、目に入るものをどんどん使って曲をつくっていく。そんなオーガニックな流れの中で、自然に音楽が形になっていった感じがするよ。

——曲づくりやサウンド・プロダクションの上でヒントをくれたようなものはありましたか。

マイク：僕のドラムについて言うと、実はエイモスの存在がすごく影響してるんだよね。レコーディング前に、彼が「Cartwheel」のドラムの音について「ちょっとヒップホップっぽくて、ミッドレンジ寄りだね」ってコメントしてくれて、その会話がきっかけでドラムのチューニングを特別に調整したんだ。それに、ライブで使うよりも小さいスティックを使って、もっとナチュラルなトーンが出るように演奏方法も変えた。だから、このレコードにおける自分のプレイは、かなりエイモスの影響を受けてると思う。

ウィル：影響を受けたものを挙げ始めたらキリがないけど、アルバム・タイトルに込めたニュアンスだけでも、いろんな影響が入り交じってるんだ――全部を明かすつもりはないけどね。今回の楽曲に直接関係ないものも含めて、もっと大きな文脈の影響に対するオマージュ的な意味合いもある。

ラッキー：たぶん、メンバーそれぞれが全く違う影響源を持ってるんだと思う。マイクはエイモスやヒップホップ寄りのドラムのアプローチが大きいし、ウィルはティーンエイジ・ファンクラブやメロディックなものの影響を強く受けていると思う。みんな違った引き出しを持ち寄っていて、影響を挙げたら本当に無限に出てくるから、一つに絞るのは難しいね。

——ドラムの話が出ましたが、今回のアルバムでは初めてライブ・ドラムが使われているのもポイントですね。

ウィル：前作の「Cartwheel」やそれ以前の作品は全てプログラムされたコンピューター・ドラムだった。でも、今回は初めて生ドラムでレコーディングしたアルバムで、だからファンにとっても自然に感じられるようにどうスムーズに“移行”するか、すごく考えたよ。つまり、ホットラインTNTらしさは残しつつ、リアルな演奏としても成立するようにね。全く別のバンドに聴こえてしまうのは避けたかったから、そのバランスの“ちょうどいい落としどころ＝スウィート・スポット”を見つけたかった。うまくそこにたどりつけていたらうれしいね。

ラッキー：今回のアルバムにはいろんなリズムがある。リズムはすごく重要で、今、同時代で活動してるアーティストたちの中には、すごく“真っすぐ”なリズム・アプローチをとってる人たちが多いと思うんだけど、今回のアルバムではもっとそのあたりを掘り下げてみたかった。楽曲によってはスウィング感があったり、他のシューゲイズ系のバンドとはちょっと違うリズム感が出せたんじゃないかなって思うよ。

——今回のリズムやビートに関して、具体的なリファレンスはありましたか。

マイク：特定のアーティストっていうより、“ドラムに対する考え方”そのものに影響を受けた感じかな。ロック・バンドって、「とにかくデカい音」「派手なフィル」「ソロ」「爆音」みたいなイメージがつきがちだけど、自分はもっとダイナミクスの幅を意識していて、フィルもあまり多用しないようにしてる。あくまで曲に溶け込ませるように叩くことを心がけたつもりんだよね。

それと、たぶんジャズっぽい感覚もどこかにあると思う。ジャズとヒップホップはつながってる部分があるし、そういう感覚も自然と反映されてるかもしれない。エイモスがレコード屋をやってて、彼からジャズのレコード——例えばブロッサム・ディアリーとか――を何枚か買ったことがあるんだけど、そういう会話の流れが演奏の感覚にも影響してる気がする。「これを意識しよう」とかじゃなくて、ただ“感じながら”演奏してたっていうかね。音と音の間の取り方とか、リズムの流れにあるフィーリング。要するに、シンプルに言うなら「グルーヴ」が核になっている。

——一方、ホットラインTNTの持ち味として、アメリカーナと呼ばれるような音楽にも通じるフォーキーでメロディアスなテイストが挙げられると思います。プロデューサーのエイモス・ピッチは、同じウィスコンシン出身のジャスティン・ヴァーノン（ボン・イヴェール）とも関わりがありますが、今回のアルバムではそうした趣向が色濃く増しているようにも感じられます。

ウィル：言われた通り、アメリカーナの影響がこのバンドの大きな部分を占めているのは間違いないと思う。実際、僕たちは全員、アメリカ中西部のウィスコンシン出身の“アメリカン・ボーイズ”だし（笑）、今回のアルバムもそのウィスコンシンで録ったしね。ジェイホークスみたいなバンドとか、クラシックなアメリカーナやオルタナ・カントリーの美学――そのあたりは参考にしたところがあったし、間違いなく反映されてると思うよ。

マイク：アメリカには多くの問題があるけれど、音楽は最良のものの一つだと思うんだ。ブルースやジャズから、ザ・バンドみたいなアーティストに至るまでね。そういう音楽はやっぱり素晴らしいし、誇りに思えるんだよね。で、そういう音楽は全部どこかでつながってる。例えばリヴォン・ヘルム（ザ・バンド）のドラムの叩き方なんて、あのスウィング感とかフィーリングは、今聴くと“ヒップホップっぽい”って言ってもいいくらいなんじゃないかな。

ラッキー：僕たちの国には、そうした豊かな音楽の財産がある。それを活かさないなんて、もったいないよね。テネシーの音楽も、〈Third Man〉も、ビッグ・スターも、全部が“物語”の一部なとしてつながっているんだよ。

アンビエント・ミュージックの影響

——併せて、今回のアルバムでも際立つホットラインTNTのサウンドスケープには、いわゆるアンビエントやニューエイジ系のエレクトロニック・ミュージックとのつながりや影響も感じられます。

ラッキー：自分にとって、アンビエント・ミュージックは日々の生活に欠かせない存在なんだよね。ブライアン・イーノやノース・アメリカンズ、ミック・ターナーとか、いろんなアンビエント系の音楽を聴いてるよ。それに「Music for Nine Post Cards」とか、ああいう日本のアンビエント／環境音楽も大好きで。特に吉村弘は自分にとって特別な存在だよ。

ウイル：そういうアンビエント・ミュージックって、僕にとってもほとんど“デフォルトの音楽”みたいなところがあるんだよね。仕事をしているときも自然とそうした音楽を流してるし、そういう日常がそのままレコーディングにもにじみ出てる部分もあるんじゃないかな。

ラッキー：僕はレコード屋でも働いてるんだけど、店でよくかけるのがharuka nakamuraなんだ。彼のレコードには、椅子のきしむ音や、誰かがピアノの蓋を開け閉めする音とかが録音されていて、そういう“部屋の音”が聴こえるのがすごくいいなって思う。実際に、今回のレコーディングでも、椅子のきしむ音が録れてるテイクがあって、「ああ、これって“空間の音”まで録れてるんだな」ってちょっとうれしくなったり（笑）。

ウィル：「Letter to Heaven」の最後のコードは、個人的にアルバムのハイライトの一つだと思ってる。あとは「Transition Lens」もそうだね。あの曲のシンセのレイヤーは制作中に何度も試行錯誤したポイントで、エレクトロニック・ミュージックやヒップホップからの影響が確実にあると思う。アルバム全体を通して聴いてもらえば、そうした音の層や構成の工夫がきっと感じられると思うよ。

PHOTOS:MICHI NAKANO

◾️Hotline TNT サードアルバム「Raspberry Moon」
2025年6月20日に輸入盤・配信リリース
Tracklist
1. Was I Wrong?
2. Transition Lens
3. The Scene
4. Julia’s War
5. Letter to Heaven
6. Break Right
7. If Time Flies
8. Candle
9. Dance the Night Away
10. Lawnmower
11. Where U Been?
https://ffm.to/hotlinetntraspberrymoon

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アメリカ・カリフォルニア州サクラメント出身のスコット・ハンセン（Scott Hansen）によるプロジェクト、ティコ（Tycho）。2020年には５作目「Weather」（2019年）がグラミー賞のノミネーションも受けた、すでに20年以上のキャリアを誇るエレクトロニック・ミュージック界の第一人者の1人だが、彼にはもう一つ知られた顔がある。それが映像クリエイター／グラフィック・デザイナーとしての活動で、近年は主にティコ周りのビジュアル制作を通じて、音楽とともに彼のクリエイションの重要な柱を担ってきた。その仕事は、作品のアートワークからツアー用のポスター作成、さらにはライブで使用する映像監修やステージ演出にまで及ぶ。ニュー・アルバム「Infinite Health」（24年）を携えて行われた今年1月の来日公演は、そんな彼が手掛けるビジュアル・ワークの最新の発表の場でもあったわけだ。

スコットいわく「没入型オーディオ・ビジュアル体験のプラットフォーム」と定義される現在のティコ。音楽制作に先駆けたグラフィック・デザイナーとしての原点。映像と音楽の関係性をめぐる哲学。そして、AIとクリエイションの問題、新たに立ち上げたプロジェクト「Tycho Open Source」について。来月の「フジロック」への出演（7月25日＠RED MARQUEE）も控えるスコットに話を聞いた。

音楽と映像による
没入感のあるライブ

——先日のライブですが、非常に没入感のあるステージングで素晴らしかったです。

スコット・ハンセン（以下、スコット）：しばらくライブをしない期間があって、その間に「どうすればこれまでとは違った形にできるか？」「どう進化させたり変化させたりできるか？」とずっと考えていたんだ。特に意識したのはビジュアル面のアップデートで、よりダイナミックに、音楽と視覚が結びついたステージにしたいと思っていた。それに、パフォーマンス自体もメンバー全員がもっと楽しめるような環境にしたかったんだ。以前は機材のセッティングがちょっと複雑で、ステージに立つこと自体がストレスになることもあったから、今回は思い切ってシステム全体を再設計した。今では純粋に“演奏すること”に集中できるし、ステージに立つのが心から楽しいと思えるようになったよ。

——映像演出については、どんなコンセプトがありましたか。

スコット：僕はいつも、音楽と映像のあいだに何かしらストーリーや映画的なつながりを持たせるようなアプローチを心がけているんだ。例えば「Devices」の映像——東京で撮影したんだけど、普段はMVを切り貼りしてライブ用に再構成するところを、今回はほとんどそのまま使ってる。いくつか色味を調整したくらいでね。それから、今回初めて取り入れたのが「i/MAG」っていう手法で、ステージ上に小型カメラを設置して、ライブ中のパフォーマンスをリアルタイムで撮影・投影してるんだ。僕のキーボードの上とか、観客からは見えないアングルを映して、そこにエフェクトをかけて加工しながら他のビジュアルと組み合わせていくんだけど、それがすごく楽しかった。自分たちが演奏してる“今”の瞬間が、そのまま視覚的な物語として重なっていく感覚があってね。

——スコットさんはティコについて、「没入型オーディオ・ビジュアル体験のプラットフォーム」とみずから謳（うた）われています。その意味するところを教えていただけますか。

スコット：僕にとって、音楽とビジュアルってすごく近いところから生まれているものなんだ。同じ感情やアイデアを別のかたちで表現してるだけでね。自分の音楽でも他の人の音楽でも、聴くときはいつも視覚的なイメージが頭に浮かぶし、僕にとってそれは自然なことなんだ。音楽と映像の両方を手がけてるのが同じ自分自身だから、それらが自然と統合されて、一体感のあるものになっているんだと思う。特にインストゥルメンタル・ミュージックには、聴く人の心の中に広がる“風景”のようなものがあると思っていて。聴いていると、まるで海や山が見えるかのように、心が自然とさまよっていく。その感覚って、すごく自由で瞑想的な体験だと思う。

一方で、ボーカル・ミュージックはもっと感情や言葉に根ざしたもので、コミュニケーションや人間のつながりについて考えるきっかけになる。だからこそ僕は、音楽とビジュアルをつなぐことで、その両方の感覚を横断できるような体験をつくりたいと思っている。ビジュアルが音楽に“意味”を押しつけるものにはしたくないんだよね。ビジュアルが音楽にもう一つの奥行きや余白を与えて、見る人がそれぞれに“別の次元”を感じられるようなライブにしたい。それが、僕が考える“没入体験”なんだ。

ボーズ・オブ・カナダからの影響

——そうした音楽とビジュアルを横断するアプローチは、これまで作品を重ねる中でどのように進化・変化してきたという手応えがありますか。

スコット：僕にとってこのプロジェクトの大きなモチベーションの一つが、エンジニアリングやプロダクションといった技術的な側面にあるんだ。音も映像も、制作において“どうつくるか”という部分にすごく刺激を受けるし、それを探求することが自分の創作意欲につながってる。

音に関しても、以前よりもずっと効率的に、少ない要素で多くを語れるようになってきたと感じてる。ソングライティングやアレンジの構造もより洗練されたものにしたいし、何より“伝えたいことをいかにシンプルに表現できるか”っていう点に今は強く意識が向いてる。結果として、全体としての表現もどんどん削ぎ落とされて、より凝縮されたものになってきているんじゃないかなって思うよ。

——スコットさんの考える「没入体験」という視点から、例えばラスベガスの「Sphere」のような施設はどのように映るのでしょうか。

スコット：すごく魅力的に思えるよね。実際に行ったことはないけど映像では見たことがあって、本当にすごいなって感じたよ。ああいうコンセプトは大好きだよ。

「Meow Wolf」っていうアートスペースがあって、いくつか拠点があるんだけど、たしかデンバーにある会場だったかな。立方体のような構造で、「Sphere」より規模は全然小さいけど、壁が全部スクリーンになっていて、たしか天井にも何か映っていたと思う。中に入ると、完全に包み込まれるような空間なんだ。そこで一度DJをしたことがあって、すごくクールだったよ。自分としては「Sphere」の中にいるという感覚に最も近い体験だったと思う。「Meow Wolf」って、ちょっと奇妙な場所なんだよね。最近のツアーでも、たしかニューメキシコの別の施設で演奏したんだけど、そこもまた全然違う空間だった。確か今は５カ所以上あると思うけど、どこも独自の美学を持っていて、すごくインスピレーションを受けるよ。

——“没入型のショー”というと、個人的に印象深いのはビョークやワンオートリックス・ポイント・ネヴァーだったりするのですが、スコットさんにとってそういうアーティストとなると誰になりますか。

スコット：例えばボーズ・オブ・カナダ（Boards of Canada）は、ずっと僕にとって大きな存在だった。あの独特な美学はいつも際立っていたし、たしか彼らには映像やビジュアル制作を手がけるコレクティブみたいなチームがいたんじゃないかな。初期の作品には特に強くそれを感じた。タイトルは忘れちゃったけど、あのころのビデオなんかは本当にすごくて、音楽とビジュアルが完全に一体になってたんだ。まるで音楽にぴったり寄り添う完璧なパートナーみたいに感じられて。だから彼らには、音楽面でもビジュアル面でも、本当にたくさんのインスピレーションをもらってきたと思うよ。

グラフィック・デザイナーとしてのキャリア

——ティコのビジュアル・ワークにまつわる話として、スコットさんが「ISO50」名義で活動されたグラフィック・デザイナーとしてのキャリアについて教えてください。

スコット：たぶん1990年代後半から2012年くらいまでの話かな。当時の僕の本業は、インターフェース・アーキテクチャ、つまりソフトウェアやウェブのUXデザインだったんだ。生活のための仕事としてはずっとウェブ・デザインをやっていて、音楽はあくまで趣味というか、サイド・プロジェクトとしてちょこちょこ触っていたくらいだった。

転機が訪れたのは06年ごろで、「ISO50」っていう名前でビジュアルの活動をしていたんだけど、その名前でブログを始めたんだ。最初は主にデザイン中心のブログだったんだけど、次第に音楽も紹介するようになって、それが思いのほか注目されるようになった。そのブログを、自分の音楽プロジェクトの発信の場としてもうまく活用していて、好きなグラフィックや音楽を紹介する合間に“これも聴いてみて”って、自分の曲をさりげなく載せたりしてたんだよね。結果的にそれが大きなきっかけになって、ティコの名前がより多くの人に知られるようになったと思う。当時は広告業界のアート・ディレクターやマーケターなんかもよく見てくれてて、ブログで聴いた曲をCMやキャンペーンに使ってくれたりもしてね。

でも、10年には「Dive」の制作が終わりに近づいて、翌年リリースされるタイミングでツアーを始めたんだ。ライブ・バンドも結成して、本格的に音楽に注力するようになった。そうなると、ブログやデザインに使える時間がどんどんなくなっていって……気づけば、あのブログも自然と終わってしまった。というのも、それまでの15年くらいをデザインにささげてきたから、次の10年は音楽にささげてみようって思ったんだよね。でも、気づいたらもう14年経ってた（笑）。ただ、今もティコのポスターやカバーアート、映像作品の多くは自分で手がけているし、グラフィックの仕事も完全には手放してない。忙しいけど、充実した日々を送れてると思うよ。

——スコットさんの中で、ティコと「ISO50」はどういう関係性にあるのでしょうか。

スコット：僕にとっては完全に一体化してる。同じプロジェクトの異なる側面という感じでね。「ISO50」という名前は、もともと写真にハマっていた時期に使い始めたもので、富士フイルムの「Velvia」っていうポジフィルムの感度に由来しているんだ。そのころはTシャツのデザインとかもやっていて、そのロゴとして「ISO50」を使ったりしてね。でも、結局どっちも自分のプロジェクトで、プロとしての側面を見せるときに名前を分けていただけで、今では全部一つの「ティコ」というプロジェクトの中に統合されている。音楽とビジュアルが完全に一体となった、オーディオ・ビジュアル・プロジェクトとしてね。

——「ISO50」としては、ティコ以外でどんなデザインの仕事をしていたんですか。

スコット：主にやっていたのはウェブのインターフェース・デザインだった。例えばスキューモーフィック（skeuomorphic）な、現実の物体を模したようなウェブサイトをつくることが多かったね。紙っぽく見えるインターフェースとか、本のページをめくるような操作感とか、そういう質感重視のデザインが得意だった。Flash全盛の時代で、リアルなテクスチャや立体感をデジタルで再現するのがクールだったんだ。

でも僕の夢は、いつか音楽の世界とつながって、コンサート・ポスターやアルバムのカバーを手がけることだったんだ。ティコの活動を通じて徐々にそういう機会も増えていって、それがすごくうれしかったよ。ただ、仕事の大半はクライアント・ワークじゃなくて、自分の作品を売ることだった。Tシャツやアート・プリントをつくって、自分で販売してたんだ。大判のエプソンの44インチ・プリンターでジークレープリントを刷って、サイトで直接販売するような形でね。そういう個人制作の発表と流通の場として機能してたんだよ。

——ちなみに、ファッション関係の仕事ってありましたか。

スコット：一度だけ、「ディーゼル（DIESEL）」のキャンペーンでポスターをつくったことがあるよ。たしか20周年か何かの記念企画だったと思う。でも、グラフィックをTシャツにプリントしたりはしてたけど、服そのものをデザインするってことはしていない。服飾って三次元で考えなきゃいけないし、構造も複雑だし、本当に難しい分野だと思うんだよね。だから、そういうことができる人たちにはすごく尊敬の念があるよ。

影響を受けたグラフィック・デザイナー

——新作の「Infinite Health」のアートワークですが、自然の中に人工物が同居したシュールな構図が、マイク・オールドフィールドの「Tubular Bells」や、ヒプノシスが手がけたピンク・フロイドなどのジャケットを連想させるところがありました。サウンドとビジュアルとのつながりという観点で、スコットさんが影響を受けたり好きなデザイナーがいたら教えてください。

スコット：うん、今回は、70年代のアートワーク──ストーム・ソーガソンとか、ピンク・フロイドのジャケットみたいなやつ──そういう感じのものを参考にしたいって思ってて。あの時代の、でっかいプログレのアルバム・カバーを見て育ったんだよね。で、当時のアートワークでクールだと思っていたのは、写真ベースなんだけど、どこかイラストみたいに見えるやつで。コラージュ的に構成されているのに、仕上がりは曖昧で、絵なのか写真なのかよく分からない。そういう中間的な感じが面白いなと思って。それから、有機的なものと人工的なものを対比する構成も意識していた。それって70年代のサイケデリック・アートによく見られるテーマで、そういった感覚を取り入れたかったんだ。

——デザインや映像の道に進む上で、大きな影響を受けた人物はいますか。

スコット：一番影響を受けたのは、アルノー・メルシエ（Arnaud Mercier）というグラフィック・デザイナーだね。フランス系カナダ人で、富士フイルムの「Velvia」を使って写真を撮ってたんだけど、その上にものすごくシンプルなグラフィックを重ねてて、それがとにかく美しかった。今回のジャパン・ツアーのポスターも、実は彼へのオマージュなんだよ。十字のモチーフや、ミニマルな構成なんかは、まさに彼がよく使っていたスタイルなんだ。

僕が本格的にアートやデザインをやり始めるずっと前から彼の作品には惹かれていて、いつかこういうのを自分もつくれたらってずっと思っていて。それで思い切って彼にメールを送ってみたんだ。いろいろ質問してみたら、彼は本当に親切で、丁寧に答えてくれた。それから少しずつやりとりが続くようになって、何年も連絡を取り合ってた。彼が使ってた「Velvia」についても詳しく教えてくれて、そこから自分の「ISO50」っていう名前も生まれたんだ。彼はすごくインスピレーションをくれる存在で、デザインに関する多くのことを教えてくれた。５年くらい前に亡くなってしまったんだけど、今でも彼のデザインが僕の中には残っているよ。

「健康」と音楽

——今回の新作はタイトルにもある通り「健康」がテーマということで、背景にはパンデミックの影響があったと伺っています。サウンドはとてもダンス・フィールに溢れた仕上がりですが、スコットさんにとって今作はヒーリング的な意味合いもあったりしたのでしょうか。

スコット：音楽ってやっぱり、根本的に癒やしの力があるものだと思う。つくるっていう行為自体もそうだし、聴くこともそう。どっちのプロセスにもある種の瞑想的な側面があるし、本当に強い力を持ってる。でも同時に、自分にとって音楽は“仕事”でもある。ハードワークだし、正直ストレスも大きい。放っておくとその波にどんどんとのまれてしまう。しかも、自分はそのストレスを割と許容しすぎてしまうタイプで、だから今回の作品では、改めて自分に「もっとバランスを取らなきゃいけない」と言い聞かせるような気持ちがあった。

今は子どももいるし、家族もいて、人生のいろんな局面を持続可能にしていくフェーズに入ったなと感じてるんだ。全ての要素をより健康的に、よりサステナブルな視点から捉え直していく必要がある。たぶん、それが今回の作品に込めた大きなテーマだったと思う。もちろん、パンデミックの影響もある。あの時期を通じて、誰もが「自分の健康」ってことを改めて考えさせられたと思う。だからこの作品には、自分がこれからも音楽を続けていく上で、それがちゃんと健やかで充実した営みであるように……という願いも込められてるんだ。

——パンデミックの経験が、その後の人生設計やキャリアの計画を見直すきっかけになった、と話すミュージシャンは多いですよね。

スコット：うん、まさにそうだね。あの時間がなければ、たぶん今みたいな形で家族を持つこともできなかったと思う。というのも、それまではツアーとアルバム制作の繰り返しで、とにかく立ち止まる余裕が一切なかったんだ。気がつけば10年くらい一瞬で過ぎてて、「自分は今まで何をしてきたんだろう？」って、ふと我に返る瞬間があった。

だから、一度立ち止まって「これから何を大事にしたいのか」「どう生きていきたいのか」っていうのを考える時間が持てたのは、本当に大きかった。ただ、あの期間も創作自体はずっと続けていて、自分に課していたのは“毎日1曲、もしくは何かしらのアイデアを必ず残す”っていうルールだった。ほんの小さなメロディーの断片でもいいから、とにかく“種”をまいておくという感覚で。その蓄積が今回の作品につながってる。あのときに書いた曲の多くは当時の空気感そのものをまとってて、自分にとってもすごく手応えがあった。4年分のストックの中からじっくり選んで構築していくことができたし、こんなふうに余裕を持って作品をつくる経験は初めてだったから、自分の中でもかなり特別なアルバムになったと思うよ。それに、実はもう一枚分のアルバムがすでにできていて、それも近いうちにリリースしたいと思ってるんだ。

——これは以前ジョン・ホプキンスにインタビューした際にも話題に出たのですが、近年、アンビエントなどのエレクトロニック・ミュージックにおいてAIによる自動生成が大きな話題となっています。それこそセラピーやヒーリングなどさまざまな効果を謳ったプレイリストがストリーミング・サービスでは溢れかえり、莫大な再生数を記録している現状は、音楽における芸術性や作者の独創性の概念に問いを投げかけ、新たな議論を巻き起こしています。スコットさんはこうした状況をどのように捉えていますか。

スコット：その分野については正直、そこまで詳しいわけじゃないから断言はできないんだけど……もし本当に機械が人間からアートを奪うようなことになるなら、それって本当に悲しいことだと思う。一番影響を受けるのは、これから出てこようとしてる若いアーティストたちなんじゃないかな。すでに確立されてる人ならある程度は耐えられるかもしれないけど、それでも今はとにかく飽和状態で、音楽で生計を立てていくことがますます難しくなってきてるし。

僕自身はAIに関して深く調べたわけじゃないけど、ただ、今のところ「これはすごい！」って思えるような音楽には出会ったことがなくて。“曲っぽいもの”はあるけど、それはどちらかというとチープなポップ・ソングのシミュレーションみたいなもので、それ以上のものではなかった。例外として、人間が素材を与えてAIが構成したビジュアル作品で、ちょっと面白いものは見たことはある。でも、完全にAIだけでつくられたもので、心を動かされた経験はまだない。

AIがジョン・ホプキンスみたいな個性的なサウンドを再現できるようになる——って話も、理屈では面白いけど、現実的にはまだ信じられないかな。本当にそんな時代が来たら、そのときに改めて判断すればいいと思ってる。今の段階では、どこか「手品」っぽく見えるんだよね。AIに投資してる人たちは「もうすぐすごいことになるぞ！」って煽ってるけど、実際はまだそこまでじゃない。まぁ、こういうことを言うと、ラッダイト（新しいテクノロジーや機械、作業方法に反対する人）っぽく聞こえるのかもしれないけど（笑）、少なくとも今の自分にとっては、“AIの音楽”がすぐに深刻な脅威になるとは感じていない。もちろん、この先どうなるかは分からないけどね。

——逆に、スコットさん自身が心を落ち着けたいときに自然と手が伸びる音楽って、ありますか。

スコット：その時々の状況によるかな。というのも、僕ってそもそも音楽を“リラックスのため”に聴くタイプじゃないんだ。制作中の音楽は別だけど、普段何かを聴くときは、むしろ“ワクワク感”とか“エネルギー”が欲しいときで。

例えばインターポールは自分の大好きなバンドの一つで、特にデザインとか映像の仕事をしてるときにいつも流している。集中力を保ちたいときとか、細かいデザイン作業をしてるときにぴったりなんだよね。実際、自分たちのアルバムのジャケットもインターポールをループ再生しながらつくったんだ。「Turn on the Bright Lights」なんて、永遠にリピートできると思う（笑）。

それと、今はダンス・ミュージックばっかり聴いてて。DJセットのためのリサーチ目的でね。“この曲はクラブでどう機能するか”とか、そういう視点で聴いてるんだ。だから結局、音楽を制作したりDJセットの準備で音楽を聴く時間が増えるほど、純粋に楽しむためだけに音楽を聴く時間ってどんどん少なくなってきてる気がするよ。

——ところで、3年ほど前に「Tycho Open Source」というプラットフォームを新たに立ち上げられましたね。これはどういった目的で始められたものなのでしょうか。

スコット：もともとのきっかけは、自分がブログをやってたころに遡るんだけど、当時はちゃんと“コミュニティー”と呼べるものが存在していて、そこにいる人たちとも直接つながれてたし、誰がどんなことをしてるのかも見えていた。ちゃんと人と人との感覚があったんだよね。でもSNSが主流になると、それがだんだん失われていった。最初はSNSもその延長線上にあると思ってたんだけど、気づけばアルゴリズムに支配されて、投稿しても届かない、リーチできない。いわば“ゲートキーピング”されてしまった感覚がある。例えば、フォロワーがたくさんいても、実際にはその多くに何も届いていない。1000人が見たって表示されても、それが誰なのかも分からないし、結局ファンとのコミュニケーションの手段が失われてるっていう実感があるんだよね。

だから、今やってる“オープンソース”的な取り組みは、ある意味でファンクラブ的でもあるけど、もっと直接的で、双方向な関係をつくるための実験でもある。参加してる人にとっても“受け身”じゃない体験になるし、互いに交流できる場にもなる。もっと実用的なことを言えば、そこでライブの先行予約ができたり、特典が用意されていたり、アーティストとより深くつながれる手段としても機能する。単に音楽を届けるっていうだけじゃなくて、そこに関わる人たちにちゃんと“場”を提供したいっていう気持ちが大きいかな。

——「没入型オーディオ・ビジュアル体験のプラットフォーム」としてのティコの展望については、どんなことを思い描いていますか。

スコット：僕は常にライブのビジュアル面を進化させていきたいと思ってる。今回のショーでは、ようやく自分がずっと描いていたビジョンにかなり近づけた気がしてるんだ。例えば、いろんな角度に配置したスクリーンやスクリム（半透明の幕、紗幕）を使ったり、ステージ上に複数のパーツを組み込んだりしてね。ただ、残念ながらそういう装置はすごく大きくて、日本公演には持ち込めなかった。アメリカのショーでは、各ステーションに真っ白なプラットフォームやファサード（前面の装飾）を設置して、それら全てにプロジェクションマッピングを施してるんだ。とくに気に入ってるのは、白く塗装したアンプやオブジェクトをステージ上に置いて、それぞれに別々の映像をマッピングしていく方法で。そうすることで、平面のスクリーンに投影するだけじゃなく、映像が空間の中に立体的に“入り込んでいく”ような体験をつくれると思ってる。もっと没入感のある、3D的なビジュアル空間をつくりたいんだ。そういう体験型のプロジェクトとして、ティコをさらに進化させていきたいと思ってるよ。

PHOTOS：TAKUROH TOYAMA
TRANSLATION：EMI AOKI

◾️Tycho「Infinite Health」
2024年8月30日リリース
Label: BEAT RECORDS / Ninja Tune

TRACK LIST:
01. Consciousness Felt
02. Phantom
03. Restraint
04. Devices
05. Infinite Health
06. Green
07. DX Odyssey
08. Totem
09. Epilogue
10. Phantom Prologue *Bonus Track
https://www.beatink.com/products/detail.php?product_id=14204

配信リンク:
https://tycho.lnk.to/infinite-healthPR

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フリーアナウンサーの平井理央は昨年10月、チョコレートブランド「ビビッドカカオ（VIVID CACAO）」をフジテレビ時代の同期である錦織まゆとともに立ち上げた。薬剤師・予防医学士の監修のもと、乳酸菌やチョコレートとしては珍しいビタミンを配合した、栄養といおいしさのバランスを追求し、タイ・ランパン産のカカオ豆を使用し、東京・奥沢の工場で手作業で加工しているこだわりのハイカカオチョコレートだ。

チョコレートはタブレットタイプをメーンに展開し、3つのタイプ全てに約1000億個の乳酸菌を配合。カカオ70％のダークチョコレートのベーシックな“001 リラックス”（2160円）、同じく70％のダークチョコレートにレモン42個分のビタミンCを配合した“002 リフレッシュ”（2376円）、カカオ50％のオーツミルクチョコレートにマルチビタミンを加えた“003 ビューティ”（2376円）をそろえる。

なぜチョコレートに挑戦したのか、共に認定予防医学士の資格を取得し、2人にブランド立ち上げた背景とこだわりのチョコレートについて聞いた。

WWD：チョコレートブランドを立ち上げたきっかけを教えてほしい

平井理央（以下、平井）：大学時代に家族でベルギーのブルージュを旅行したとき、チョコレート工場の隣にある直売所で作りたてのチョコレートを食べたんです。そのおいしさが衝撃的で、平井家一同「チョコレートってこんなにおいしいの!?」と感動で震えたのを覚えています。それから、チョコレートは私にとって特別な存在になりました。

その後フジテレビに入社して、当時はまだ働き方改革前で、今では「うそでしょ」というぐらい激務でした。私は夜の番組を担当していたので、1時間しか寝ずに朝から沖縄に日帰りで取材に行くような生活。そんなとき、コンビニで買ったチョコレートをポケットに入れてこっそり食べて、また現場に戻るみたいなことをしていて、自分の日常を少しチョコレートに支えてもらっていました。

でも、どんなにチョコレートが好きでも「肌荒れしないかな」「太るかも」と気になって、毎日は食べられなかった。だからむしろ「毎日食べた方がいい」って言えるぐらいの健康や美容に良いチョコレートがあったらいいなと思ってその話を同期入社でもあり、20年来の友人でもある錦織に話したら、錦織もちょうどチョコレートが大好きで作ってみようとなりました。

錦織まゆ（以下、錦織）：いつだかの新年会のときに平井から急に「チョコレートを作ってみたいんだよね」と言われて（笑）。「それなら私も！」って言ったのがきっかけです。

グーグル検索から始めた、手探りのチョコ作り

WWD：そこからすぐ行動に？

平井：私たちはチョコレートは好きなものの、専門的な知識は全くなかったので、とにかく勉強しました。ショコラティエさんが開いている講座に参加してみたり、工場を探したり。パッケージやデザインは誰にお願いすればいいのか探したりしました。だんだんやっているうちに、これはもう個人的にやるっていうより、会社にしないと難しいという話になっていきました。

錦織：最初は「ただ仲のいい友だち同士で盛り上がってるだけなんじゃない？」という目で見られていたと思います。もちろん、みなさん優しかったんですけど、どこかに「本当に実現するの？」という空気もあって。だからこそ、「ちゃんと考えてますよ」という姿勢を見せたくて、会社アンジェルス（angeles）を設立することにしました。

WWD：会社の設立後、どのように開発に向かって動き始めたのか？

平井：最初から「ビーントゥーバー」というカカオ豆から板チョコを作る製法で、豆の味を最大限に生かしたチョコレートを作ろうと決めていました。

錦織：とはいえ、私たちは専門家でもなければ製造の経験もゼロ。だからOEM先を探すことから始めて、「ビーントゥーバー OEM」でグーグルで検索して、一番最初に出てきた世田谷区の奥沢にあるフーズカカオさんに電話してみたんです。

平井：一番最初に検索でヒットした工場に、まさかアポイントを取れてその方とパートナーシップを結んでいただけるとは、われわれも思っていなかったです。

錦織：そこからはとにかく足を運びました。工場の社長がつかまらないと聞けば、「じゃあ今から行きます」と（笑）。報道記者時代の突撃精神が生きましたね（笑）。

平井：そしてもう1つ大切にしているのが「誰も嫌な思いをしないチョコレートを届けたい」という想いです。チョコレート業界には、フェアトレードや児童労働など、さまざまな課題があります。だからこそ、生産の最初から最後まで、関わる全ての人にとってフェアであることを大事にしたいと考えました。だからこそ、私たちは実際にカカオ豆の産地にも自分たちの足で訪れることにしたんです。

錦織：ちょうどフーズカカオさんがタイ・ランパンのカカオ農園と直接取引されていたので、現地に連れて行っていただくことができました。

平井：タイの農園でカカオの収穫から発酵、乾燥までの工程を見させていただきました。現地の農園の方も私たちのチョコレートのコンセプトを気に入ってくれて、とても協力してくださっています。デビューのポップアップにもタイからいらしてくれました。

錦織：タイでも最近チョコレートの人気が高まっていて、カカオ豆の取り合いのような状況になってきているそうなんです。市場全体としても流通量が減ってきていて。でも、顔が見える関係だからこそ、「うちのカカオ豆はなんとかお願いします」とお伝えしていて、無理を聞いていただいています。

平井：今振り返るとグーグル検索から始まった手探りのスタートでしたが、素敵なご縁に恵まれて、本当にいい巡り合わせだったなと思います。

カカオのカラフルな色をブランド名とパッケージに

WWD：「ビビッド カカオ」というブランド名の由来は？

平井：タイにカカオ豆の視察に行ったとき、木になっているカカオポッドを初めて見ました。カカオポッドの中には、白くてみずみずしい果肉“パルプ”が詰まっていて、その中のタネがチョコレートになるんです。黄色だったり赤だったりすごくカラフルで、カカオってもともとはこんなに力強くて色鮮やかな南国のフルーツだったんだなと実感して、帰り道の飛行機の中で、“ビビッド”という言葉が浮かびました。

WWD：スタイリッシュなパッケージだがデザインのこだわりは？

平井：デザイナーさんにお願いして、発光するようなネオンカラーのビビッドな色を使ってもらいました。食べた人が内側から輝くような、そんなイメージを込めて制作しました。

WWD：パッケージにチャックがついているのが珍しい

錦織：そうなんです。板チョコって、2口くらい食べて残しておくとボロボロになったり、風味が飛んでしまったりするんですよね。銀紙や箱入りだと、カバンにも入れにくいし。そういう煩わしさをなるべく減らしたくてチャックをつけました。

カップヨーグルト10個分、約1000億個の乳酸菌を1枚のチョコレートに

WWD： 中身のこだわりについても聞きたい。特に「乳酸菌」と「ビタミンC」が入ったチョコレートは珍しいと思うが、どのようにたどり着いたのか？

平井：「毎日食べたほうがいいチョコレート」を目指す中で、薬剤師で予防医学士の坂田武士さんと出会いました。坂田さんに「おいしくて、肌もキレイになるようなチョコレートってできますか？」と聞いたら、「できますよ」と即答されて（笑）。

具体的にどういう成分が適しているのかを知りたくて、坂田さんからいろんな栄養素の話を聞く中で、特に私たちがピンときたのが乳酸菌でした。最近は“腸活”という言葉もよく聞きますが、腸内環境を整えると、脳の状態も良くなるという研究結果も出てきています。もともと私自身、緊張するとお腹を壊すタイプだったので、腸と脳がつながっているという感覚は体験としても分かる部分がありました。

錦織：実はチョコレートそのものが、食物繊維が豊富で腸に良いだけでなく、発酵食品でもあるんです。現地タイの農園で、カカオパルプをバナナの葉で包んで発酵させている工程を見て、「腸活にぴったりかも」と思いました。腸活って、発酵食品を取る、食物繊維を取る、乳酸菌を取る、みたいな要素がありますが、チョコレートはそれら全てを備えているんです。だから乳酸菌を加えることで、より理にかなったチョコレートになると思いました。

WWD：実際どれぐらいの量の乳酸菌が入っているのか？

乳酸菌は全ての製品に配合しています。ただ“入ってます”とうたうだけではなく、しっかり体に届く量を入れたくて、1枚の板チョコに含まれる乳酸菌は約1000億個。カップヨーグルト10個分に相当します。そのうえで、おいしさとのバランスもしっかりとれるように、配合や味の調整にも時間をかけました。

ほとんど前例がないビタミンの配合に挑戦「突き抜けるような酸味」を実現

WWD：では、ビタミンの配合はどうやって実現したのか

平井：ビタミンCは水溶性で体内に蓄積できないので、少量ずつこまめに摂取するのが理想的。そういう意味でも、チョコレートとの相性が良いと思ったんです。ですが、ビタミンの配合は大きな挑戦でした。乳酸菌を入れることはできても、ビタミンをチョコレートに加えるというのは、チョコレート業界でも前例がほとんどなかったんです。また最初は「本当にビタミン入るの？」と懐疑的な声もありました。ですが工場に確認すると、粒子の大きさ的にも製造温度的にも可能だと。ただし、味とのバランスを取るのは試行錯誤の連続でした。

WWD：ビタミンの酸味のある味が印象的だった

平井：タイのランパン産のカカオ豆はもともと酸味があって、その自然な酸味との相乗効果で「突き抜けるような酸味のある味」を目指しました。

錦織：当初は「酸っぱすぎるかな？」と不安もありましたが、好評でうれしかったです。

ヘッドスパサロンとの異色のコラボ

WWD：頭ほぐし専門店「悟空のきもち」とのユニークなコラボレーションも行っている

平井：「悟空のきもち」さんとは、日本橋三越本店で、施術を受けながらチョコレートを楽しむコラボレーションを行いました。施術前には、オーツミルクとマルチビタミンを配合した甘めの“003 ビューティ”を、施術後には、ビタミンCを加えた酸味のある“002 リフレッシュ”を提供する取り組みです。

WWD：今後はどのような場所で展開していきたいか？

錦織：メーンはオンラインストアでの販売ですが、期間限定のポップアップストアやイベントで、実際に手に取っていただける機会を増やしていけたらと思っています。正直、大量生産がまだ難しい状況なので、スーパーマーケットなどに広く展開することはできません。だからこそ、健康や美容に意識のある方々が、忙しい日常の中でふと手に取れるような場所に置けたら理想だと思っています。

WWD：今後挑戦していきたいことは？

平井：まずはチョコレートという形で、マルチタスクを頑張る人たちの日常を支えられるようなものを届けたいという思いがあって、チョコレートをリリースしました。今後も、そうした人たちの背中を少しでも支えられるようなプロダクトや健康に関する情報などを、誠実に届けていけたらと思っています。

錦織：やっぱり、目の前の人が幸せになってくれることが、私たちにとって一番うれしいです。自分たちが学んできた知識をもっともっと伝えていけたらと思いますし、それを実践してもらえたらなおうれしいです。平井にはもっと広い場で発信できる力があると思っているので、目の前の人だけじゃなく、より大きな影響を与えられるようになってくれたらいいなと思っています。

撮影協力：GARDE

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アーティスト、俳優として活動する北山宏光の2ndアルバム「波紋-HAMON-」が6月16日にリリースされた。本作は自分自身との対話と覚醒をテーマに、鋭くもエモーショナルなリリックが印象的なリード曲「波紋-HAMON-」をはじめ、先行配信された「Just Like That」や「OMG!!!」など、全方位型の音楽性とジャンルレスな13曲で構成されている。

前作「ZOO」から約10カ月ぶりとなる本作では、内面の葛藤や情熱、そして社会へのメッセージが、多彩なサウンドとともに描かれており、シンガーとしてだけでなく表現者としての北山の進化を感じさせる内容となっている。

今回、アルバム「波紋-HAMON-」に込めた思いや藤家和依との共作、衣装とパフォーマンスの関係、今後についてなど、幅広いテーマで話を聞いた。

波紋を広げ、ジャンルレスに挑戦し続ける

——セカンドアルバム「波紋-HAMON-」の完成、おめでとうございます。今の心境は？

北山宏光（以下、北山）：ありがとうございます。今作は、前作（「ZOO」）からほとんど間隔を空けずに短期間で制作しました。その中でしっかりと、自分のメッセージが色濃く伝わる内容になっていると思います。

——アルバムの全体的なコンセプトやテーマを教えてください。

北山：アルバムタイトルでもあり、リード曲でもある「波紋-HAMON-」という言葉はそのままテーマにもなっています。自分が紡いだ言葉や行動が一石となり、それによって波紋が広がるように、聴いてくださる方々に何かが伝わっていくといいなという思いで仕上げました。

——アルバムを通して聴くと、エレクトロ、ロック、ヒップホップ……と非常に幅広いジャンルの楽曲が収録されていると感じました。これは北山さんがやりたいこと全部を詰め込んだ形で作られたのでしょうか？

北山：そうですね。ただ、さまざまなジャンルに挑戦した理由は、普段だったら自分の音楽が届いていない方々に聴いてもらえる可能性を考えたからでもあります。だからこそ、僕のイメージを固定しない楽曲もちりばめました。もちろん僕がやりたいことの中の枠組みで制作していますが、いろんな曲を入り口にして僕の音楽に触れてくれたらいいなと思っています。今作は13曲（※通常盤は14曲）あるので、いろいろとトライができました。

——ファーストアルバムから進化させた部分はありますか？

北山：よりロックサウンドが印象に残るアルバムになってほしいなという漠然とした縦軸がありました。だからアレンジ面でもロックに寄せることが多かったです。

旧知の仲である藤家和依との共作

——リード曲の「波紋-HAMON-」自体が、かなりロックを体現したものだと感じました。

北山：そうですね。そもそもこの楽曲ができたことで、アルバムのコンセプトが固まったところがあります。まずこの曲ができ、それをそのままアルバム名にも採用したんです。アルバム全体の方向性を定めてくれたのが「波紋-HAMON-」です。

——「波紋-HAMON-」は北山さんご自身で作詞されていますが、どういう思いを込められたのでしょうか。

北山：良いニュースも悪いニュースも、世の中いろいろありますよね。誰かが正論を言ったとして、それはもちろん正しいことなんだろうけど、どんな正論にもちゃんと表と裏があると思うんです。裏側でしか成立しない正論もあるだろうし、正論ばかりを振りかざしていると、物事がおかしくなる場合もあるでしょう。ただ、こういう考えは公で言い過ぎると誤解を招く可能性もあります。だから歌にすることで、理解してくれる人に伝わればいいと思って書き始めたのがこの曲です。そうした“届いてほしい”という思いも「波紋」という言葉につながっていきました。自分が抱えるつらさは、なるべくエンタメに昇華しようと努めています。そしてこの曲が誰かに刺さってくれたとしたら、それは同じ気持ちを共有できているということ。歌から何かを読み取ってもらえたらうれしいです。

——この曲の作曲には、旧知の仲である藤家和依さんが参加されています。

北山：藤家君とは、芸能界に入るきっかけになったオーディションが偶然同じ日だったことから仲良くなりました。いつしかそれぞれの歩みは全然違うところに行っていて、またこうして一緒に作っているというのは不思議な縁だと感じています。出会ってからもう23年。同じステージに彼も昔立っていたからこそ、2人で話しているとアイデア出しの段階からすでに、ステージ上での絵を共有できるんですよ。曲のイメージから飛躍して、どんなライブになっているか、その時のファンの皆さんの歓声はどうかとイメージまで膨らむので、話が早くて驚きました。

——今作についてはお2人でどういう話をされましたか？

北山：歌詞の中にもある言葉なのですが、「やってんな！」の曲を作ろうって（笑）。これは嫉妬のようなネガティブな使い方もできるし、羨望のようなポジティブな使い方もできる、汎用性のあるキャッチーな言葉だと感じています。だからこそ、思わず言いたくなるというか。ライブでファンの方々に「やってんな！」と思ってもらえたら成功だなと思っています。これからライブで歌っていくことで、この曲がさらにどう進化していくかが自分でも楽しみなところではあります。

——他の曲についても教えていただけますか。

北山：「アマテラスヒカリ」はかなり歌詞を書き直しましたね。これもライブシーンをイメージしてできた楽曲です。後ろから光が差して、シルエットとして僕が登場して歌えたらカッコいいなと妄想していく中で、「アマテラスヒカリ」という言葉が浮かびました。ちょっと神聖な響きのある言葉ですよね。
　
「OMG!!!」は、もともと自分がメモしていたフレーズをベースに歌詞にしました。結構メモ癖があるんですよ。友達と集まったら、楽しすぎてもうこのあと仕事はできないなと思うことがあるじゃないですか。その思いがメモに残っていて、そこから着想を膨らませました。MVはAIで製作している点も特徴的です。日本の都市文化や宇宙といったまったく違う要素が融合している面白みがあると思っています。

衣装とパフォーマンスの関係

——「波紋-HAMON-」のMV撮影はどうでしたか？

北山：撮影はカメラに向かう動きが多く、わざとブレを入れて躍動感を出したりしているんです。観ている人が圧を感じるくらい、メッセージの波動を伝えることを意識した作品になっています。5つの台を使用している場面では、全てダンサーたちがマンパワーでそれを持ち上げてくれているのですが、そこからも暑苦しいほどの熱量を感じていただきたいですね。演出としても、飽きないものになっているのではないかなと思います。

——MVで着用されている、ボリュームのあるファーとレザーパンツの衣装も印象的です。

北山：「波紋-HAMON-」は「to HEROes ～TOBE 2nd Super Live～」の東京ドーム公演の時が初お披露目で、そのライブでも着用した衣装でした。衣装込みで世界観を作り上げていたので、同じものをMVでも着用しています。裏テーマとして、「赤」をポイントにしています。やはり僕自身の波紋としては、青の水色の波紋ではなく、赤い大きな波紋のイメージがあったので。

——波紋と聞くと静寂なイメージもありますが、熱量みたいなものに変換されているのが面白いと感じました。

北山：そうですね。エネルギー体が落ちた時の広がりを表現する方が、僕が生み出す波紋らしいなと思って。それをどんどん絵に落とし込んでいきました。

——衣装がパフォーマンスに与える影響も考えられていると思ったのですが、パフォーマンス時の衣装について意識していることはありますか？

北山：意識はかなりしています。ただこれは演出によって決める部分が大きいですね。ダンスをするなら動きやすさも必要だし、どれくらいの時間で早替えするのかによっても変わってくる。その計算の中にさらにトレンドも入れたくなってしまうので、衣装は最も悩ましいところですね。実際、踊る曲だったらジャージが一番踊りやすいので、本当はリハ着が一番いいんですよ（笑）。リハ着だと一番、自分が踊れていると感じますから。

——重たいファーだと動きは大変ですよね。

北山：ただ、ステージに立っていると、あれくらいボリュームがある方が存在感があるし、極端な話、そんなに動かなくても絵として成立するという側面もある。本当に衣装の選択は難しいし、面白いなと思います。

——普段はどのようなファッションがお好きですか？

北山：ブランドだと「「セント マイケル（©SAINT MXXXXXX）」などはよく着ます。小物だと「クロムハーツ（CHROME HEARTS）」なども好きです。ですが、テイストは固定していなくて、かなりいろんな服装を楽しんでいるタイプだと思います。行く場所やお店によって変えたりもしますから。ちょっとやんちゃな感じの時もあれば、本当に無地のセーターとデニムという時もあるし。

——最近の気分はなんですか？

北山：シャツをあまり着ないので、シャツが似合う人になりたいなと思っています。夏に麻素材のさらっとした素材のシャツを羽織れるような人って、カッコよくないですか？

ジャンルにとらわれず
さまざまなことに挑戦

——これから新しいアルバムとともに、ライブツアーもスタート。構想はすでに出来上がっていますか？

北山：まだ打ち合わせをしている段階ですが、セットはあまり見たことない形になっているかもしれません。アリーナサイズとホールサイズではできることが異なるのですが、今回はホールサイズの中で最大限に何ができるかを考えているところです。ロックサウンドが多めのアルバムなので、それを会場全体に轟かせられたらいいなと思っています。盛り上がれる楽曲が多いので、男性の方にもぜひ観にきていただきたいです。

——全国各地を回られるのも楽しみですね。

北山：京都、岡山は今回初めて訪れます。全国を回ることで、自分のことを知ってくれる人が増えていくといいなと思います。あとはグルメも楽しみですね。ツアーのメイキングとは別に、各地でグルメの撮影もできたらいいなと思っています。

——これからさらに挑戦してみたいことはありますか？

北山：これは引き続きですが、役者としても活動していきたいですね。さまざまな活動をすることが相乗効果になりますから。僕が今までやってきたことって、そうだと思うんです。これまでもジャンルにとらわれず、いろんなことに取り組んできたわけだから。だから、何かを制限することをせず、求められるところには行こうと思っています。映像作品を観た人からは役者と認識されればいいし、役者の人が歌を歌っているという見方があってもいいし、アイドルという見方だった人がアーティストという見方になってもいいし。見る人が変わるだけで、僕の役職が変わっていくということが、面白いと感じているので。

——最近のマイブームもお伺いしたいです。休みの日は何をされていますか？

北山：休みの日は友達とバーベキューをよくします。今まではただ肉に塩を振って味付けをしていましたが、最近は塩ダレを作るようになりました。最初は後輩が作ってくれたんですけど、食べたらおいしくて驚きました。ちょっとひと手間かけるだけでこんなにおいしくなるなんて、発見でしたね。本当にその場にある材料を混ぜて手早く作るだけなんですけど、それを使って焼くだけでみんな一気に盛り上がるんですよ。今はちゃんと振る舞えるように、レシピを改良中です。

——最後に「WWDJAPAN」の読者にメッセージをお願いします。

北山：「波紋-HAMON-」はタイトルからは想像しづらいアルバムかもしれませんが、曲を聴いたらちょっと驚くような、メッセージの強い楽曲が詰まっています。ぜひ歌詞も読んでいただいて、歌詞に込められたメッセージとともに聴いてくれるとうれしいです。

PHOTOS:TAKAHIRO OTSUJI
STYLING：KEI SHIBATA
HAIR&MAKEUP：CHIEMI OSHIMA

^{Tシャツ 2万5300円／032c、ジャケット 20万6800円／ALEXANDER DIGENOVA、パンツ 3万8500円／ENTIRE TUDIOS（全てNUBIAN HARAJUKU 03-6447-0207）、その他、スタイリスト私物}

北山宏光 2ndアルバム「波紋-HAMON-」

■北山宏光 2ndアルバム「波紋-HAMON-」
6月16日リリース
初回生産限定盤A・B、通常盤の3形態をリリース
収録曲
1.Drippin' Overture
2.波紋-HAMON-
3.ADrenaline
4.Flores STEP
5.EYE Shadow
6.奪還メラメラ
7.アマテラスヒカリ
8.OMG!!!
9.Never Say
10.小さな春
11.Selfish
12.Just Like That
13.Drippin'
ボーナストラック（通常盤のみ）：THE BEAST REMIX (to HEROes 2nd ver.)
https://tobe-official.jp/artists/hiromitsukitayama

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アーティスト、俳優として活動する北山宏光の2ndアルバム「波紋-HAMON-」が6月16日にリリースされた。本作は自分自身との対話と覚醒をテーマに、鋭くもエモーショナルなリリックが印象的なリード曲「波紋-HAMON-」をはじめ、先行配信された「Just Like That」や「OMG!!!」など、全方位型の音楽性とジャンルレスな13曲で構成されている。

前作「ZOO」から約10カ月ぶりとなる本作では、内面の葛藤や情熱、そして社会へのメッセージが、多彩なサウンドとともに描かれており、シンガーとしてだけでなく表現者としての北山の進化を感じさせる内容となっている。

今回、アルバム「波紋-HAMON-」に込めた思いや藤家和依との共作、衣装とパフォーマンスの関係、今後についてなど、幅広いテーマで話を聞いた。

波紋を広げ、ジャンルレスに挑戦し続ける

——セカンドアルバム「波紋-HAMON-」の完成、おめでとうございます。今の心境は？

北山宏光（以下、北山）：ありがとうございます。今作は、前作（「ZOO」）からほとんど間隔を空けずに短期間で制作しました。その中でしっかりと、自分のメッセージが色濃く伝わる内容になっていると思います。

——アルバムの全体的なコンセプトやテーマを教えてください。

北山：アルバムタイトルでもあり、リード曲でもある「波紋-HAMON-」という言葉はそのままテーマにもなっています。自分が紡いだ言葉や行動が一石となり、それによって波紋が広がるように、聴いてくださる方々に何かが伝わっていくといいなという思いで仕上げました。

——アルバムを通して聴くと、エレクトロ、ロック、ヒップホップ……と非常に幅広いジャンルの楽曲が収録されていると感じました。これは北山さんがやりたいこと全部を詰め込んだ形で作られたのでしょうか？

北山：そうですね。ただ、さまざまなジャンルに挑戦した理由は、普段だったら自分の音楽が届いていない方々に聴いてもらえる可能性を考えたからでもあります。だからこそ、僕のイメージを固定しない楽曲もちりばめました。もちろん僕がやりたいことの中の枠組みで制作していますが、いろんな曲を入り口にして僕の音楽に触れてくれたらいいなと思っています。今作は13曲（※通常盤は14曲）あるので、いろいろとトライができました。

——ファーストアルバムから進化させた部分はありますか？

北山：よりロックサウンドが印象に残るアルバムになってほしいなという漠然とした縦軸がありました。だからアレンジ面でもロックに寄せることが多かったです。

旧知の仲である藤家和依との共作

——リード曲の「波紋-HAMON-」自体が、かなりロックを体現したものだと感じました。

北山：そうですね。そもそもこの楽曲ができたことで、アルバムのコンセプトが固まったところがあります。まずこの曲ができ、それをそのままアルバム名にも採用したんです。アルバム全体の方向性を定めてくれたのが「波紋-HAMON-」です。

——「波紋-HAMON-」は北山さんご自身で作詞されていますが、どういう思いを込められたのでしょうか。

北山：良いニュースも悪いニュースも、世の中いろいろありますよね。誰かが正論を言ったとして、それはもちろん正しいことなんだろうけど、どんな正論にもちゃんと表と裏があると思うんです。裏側でしか成立しない正論もあるだろうし、正論ばかりを振りかざしていると、物事がおかしくなる場合もあるでしょう。ただ、こういう考えは公で言い過ぎると誤解を招く可能性もあります。だから歌にすることで、理解してくれる人に伝わればいいと思って書き始めたのがこの曲です。そうした“届いてほしい”という思いも「波紋」という言葉につながっていきました。自分が抱えるつらさは、なるべくエンタメに昇華しようと努めています。そしてこの曲が誰かに刺さってくれたとしたら、それは同じ気持ちを共有できているということ。歌から何かを読み取ってもらえたらうれしいです。

——この曲の作曲には、旧知の仲である藤家和依さんが参加されています。

北山：藤家君とは、芸能界に入るきっかけになったオーディションが偶然同じ日だったことから仲良くなりました。いつしかそれぞれの歩みは全然違うところに行っていて、またこうして一緒に作っているというのは不思議な縁だと感じています。出会ってからもう23年。同じステージに彼も昔立っていたからこそ、2人で話しているとアイデア出しの段階からすでに、ステージ上での絵を共有できるんですよ。曲のイメージから飛躍して、どんなライブになっているか、その時のファンの皆さんの歓声はどうかとイメージまで膨らむので、話が早くて驚きました。

——今作についてはお2人でどういう話をされましたか？

北山：歌詞の中にもある言葉なのですが、「やってんな！」の曲を作ろうって（笑）。これは嫉妬のようなネガティブな使い方もできるし、羨望のようなポジティブな使い方もできる、汎用性のあるキャッチーな言葉だと感じています。だからこそ、思わず言いたくなるというか。ライブでファンの方々に「やってんな！」と思ってもらえたら成功だなと思っています。これからライブで歌っていくことで、この曲がさらにどう進化していくかが自分でも楽しみなところではあります。

——他の曲についても教えていただけますか。

北山：「アマテラスヒカリ」はかなり歌詞を書き直しましたね。これもライブシーンをイメージしてできた楽曲です。後ろから光が差して、シルエットとして僕が登場して歌えたらカッコいいなと妄想していく中で、「アマテラスヒカリ」という言葉が浮かびました。ちょっと神聖な響きのある言葉ですよね。
　
「OMG!!!」は、もともと自分がメモしていたフレーズをベースに歌詞にしました。結構メモ癖があるんですよ。友達と集まったら、楽しすぎてもうこのあと仕事はできないなと思うことがあるじゃないですか。その思いがメモに残っていて、そこから着想を膨らませました。MVはAIで製作している点も特徴的です。日本の都市文化や宇宙といったまったく違う要素が融合している面白みがあると思っています。

衣装とパフォーマンスの関係

——「波紋-HAMON-」のMV撮影はどうでしたか？

北山：撮影はカメラに向かう動きが多く、わざとブレを入れて躍動感を出したりしているんです。観ている人が圧を感じるくらい、メッセージの波動を伝えることを意識した作品になっています。5つの台を使用している場面では、全てダンサーたちがマンパワーでそれを持ち上げてくれているのですが、そこからも暑苦しいほどの熱量を感じていただきたいですね。演出としても、飽きないものになっているのではないかなと思います。

——MVで着用されている、ボリュームのあるファーとレザーパンツの衣装も印象的です。

北山：「波紋-HAMON-」は「to HEROes ～TOBE 2nd Super Live～」の東京ドーム公演の時が初お披露目で、そのライブでも着用した衣装でした。衣装込みで世界観を作り上げていたので、同じものをMVでも着用しています。裏テーマとして、「赤」をポイントにしています。やはり僕自身の波紋としては、青の水色の波紋ではなく、赤い大きな波紋のイメージがあったので。

——波紋と聞くと静寂なイメージもありますが、熱量みたいなものに変換されているのが面白いと感じました。

北山：そうですね。エネルギー体が落ちた時の広がりを表現する方が、僕が生み出す波紋らしいなと思って。それをどんどん絵に落とし込んでいきました。

——衣装がパフォーマンスに与える影響も考えられていると思ったのですが、パフォーマンス時の衣装について意識していることはありますか？

北山：意識はかなりしています。ただこれは演出によって決める部分が大きいですね。ダンスをするなら動きやすさも必要だし、どれくらいの時間で早替えするのかによっても変わってくる。その計算の中にさらにトレンドも入れたくなってしまうので、衣装は最も悩ましいところですね。実際、踊る曲だったらジャージが一番踊りやすいので、本当はリハ着が一番いいんですよ（笑）。リハ着だと一番、自分が踊れていると感じますから。

——重たいファーだと動きは大変ですよね。

北山：ただ、ステージに立っていると、あれくらいボリュームがある方が存在感があるし、極端な話、そんなに動かなくても絵として成立するという側面もある。本当に衣装の選択は難しいし、面白いなと思います。

——普段はどのようなファッションがお好きですか？

北山：ブランドだと「「セント マイケル（©SAINT MXXXXXX）」などはよく着ます。小物だと「クロムハーツ（CHROME HEARTS）」なども好きです。ですが、テイストは固定していなくて、かなりいろんな服装を楽しんでいるタイプだと思います。行く場所やお店によって変えたりもしますから。ちょっとやんちゃな感じの時もあれば、本当に無地のセーターとデニムという時もあるし。

——最近の気分はなんですか？

北山：シャツをあまり着ないので、シャツが似合う人になりたいなと思っています。夏に麻素材のさらっとした素材のシャツを羽織れるような人って、カッコよくないですか？

ジャンルにとらわれず
さまざまなことに挑戦

——これから新しいアルバムとともに、ライブツアーもスタート。構想はすでに出来上がっていますか？

北山：まだ打ち合わせをしている段階ですが、セットはあまり見たことない形になっているかもしれません。アリーナサイズとホールサイズではできることが異なるのですが、今回はホールサイズの中で最大限に何ができるかを考えているところです。ロックサウンドが多めのアルバムなので、それを会場全体に轟かせられたらいいなと思っています。盛り上がれる楽曲が多いので、男性の方にもぜひ観にきていただきたいです。

——全国各地を回られるのも楽しみですね。

北山：京都、岡山は今回初めて訪れます。全国を回ることで、自分のことを知ってくれる人が増えていくといいなと思います。あとはグルメも楽しみですね。ツアーのメイキングとは別に、各地でグルメの撮影もできたらいいなと思っています。

——これからさらに挑戦してみたいことはありますか？

北山：これは引き続きですが、役者としても活動していきたいですね。さまざまな活動をすることが相乗効果になりますから。僕が今までやってきたことって、そうだと思うんです。これまでもジャンルにとらわれず、いろんなことに取り組んできたわけだから。だから、何かを制限することをせず、求められるところには行こうと思っています。映像作品を観た人からは役者と認識されればいいし、役者の人が歌を歌っているという見方があってもいいし、アイドルという見方だった人がアーティストという見方になってもいいし。見る人が変わるだけで、僕の役職が変わっていくということが、面白いと感じているので。

——最近のマイブームもお伺いしたいです。休みの日は何をされていますか？

北山：休みの日は友達とバーベキューをよくします。今まではただ肉に塩を振って味付けをしていましたが、最近は塩ダレを作るようになりました。最初は後輩が作ってくれたんですけど、食べたらおいしくて驚きました。ちょっとひと手間かけるだけでこんなにおいしくなるなんて、発見でしたね。本当にその場にある材料を混ぜて手早く作るだけなんですけど、それを使って焼くだけでみんな一気に盛り上がるんですよ。今はちゃんと振る舞えるように、レシピを改良中です。

——最後に「WWDJAPAN」の読者にメッセージをお願いします。

北山：「波紋-HAMON-」はタイトルからは想像しづらいアルバムかもしれませんが、曲を聴いたらちょっと驚くような、メッセージの強い楽曲が詰まっています。ぜひ歌詞も読んでいただいて、歌詞に込められたメッセージとともに聴いてくれるとうれしいです。

PHOTOS:TAKAHIRO OTSUJI
STYLING：KEI SHIBATA
HAIR&MAKEUP：CHIEMI OSHIMA

^{Tシャツ 2万5300円／032c、ジャケット 20万6800円／ALEXANDER DIGENOVA、パンツ 3万8500円／ENTIRE TUDIOS（全てNUBIAN HARAJUKU 03-6447-0207）、その他、スタイリスト私物}

北山宏光 2ndアルバム「波紋-HAMON-」

■北山宏光 2ndアルバム「波紋-HAMON-」
6月16日リリース
初回生産限定盤A・B、通常盤の3形態をリリース
収録曲
1.Drippin' Overture
2.波紋-HAMON-
3.ADrenaline
4.Flores STEP
5.EYE Shadow
6.奪還メラメラ
7.アマテラスヒカリ
8.OMG!!!
9.Never Say
10.小さな春
11.Selfish
12.Just Like That
13.Drippin'
ボーナストラック（通常盤のみ）：THE BEAST REMIX (to HEROes 2nd ver.)
https://tobe-official.jp/artists/hiromitsukitayama

The post アーティスト・北山宏光が2ndアルバム「波紋-HAMON-」で見せる表現者としての進化 appeared first on WWDJAPAN.

2016年、当時21歳だった林陸也デザイナーが立ち上げたブランド「シュガーヒル（SUGARHILL）」の洋服には、単なるスタイルを超えた文脈が息づいている。その背景には、古着やモーターカルチャーといった無骨なアメリカ由来の価値観と、インディペンデントな音楽シーンをはじめとした日本的な感性や美意識が潜む。さらに素材の質感や色味の探求、シルエットや再構築した独自の構造が重なり、唯一無二のビジュアル言語を生み出してきた。

26年、10周年という節目を迎えた同ブランドは、アニバーサリーランウエイショーを6月17日に東京で開催する。イベント前に「シュガーヒル」の現在地をおさらいすべく、筆者はブランドと林デザイナーの成長を間近で見守ってきた5人にインタビューを敢行した。林デザイナーが文化学園大学、ここのがっこう、ニューヨーク・ファッション工科大学（FIT）を経て入学した武蔵野美術大学で出会った恩師・津村耕佑。公私で支え合うバンド、「踊ってばかりの国」のフロントマン・下津光史。海外セールスを担うパリのエージェンシー、アンタイトルド（Untitled）のトーマス・ティストゥネ（Thomas Tistounet）。ミックスメディア「カーサービス（CarService）」でディレクターを務めるなどマルチに活躍し、同世代で切磋琢磨し続ける関係の Kei Hashimoto。「シュガーヒル」ファンの1人であり、ビームス（BEAMS）の長塚淳。それぞれの視点から語られる言葉を通して、「シュガーヒル」を立体的に探る。

津村耕佑

ーー「シュガーヒル」および林デザイナーとの出会いを教えてください。

津村耕佑（以下、津村）：彼が私のゼミに参加したのがきっかけで出会いました。ファッション専門学校を卒業していたこともあり、洋服の基本スキルが備わっている学生という印象でした。というのも、私は空間演出デザイン学科の教授なので、洋服を作ることを最終ゴールにするのではなく、演出や写真、グラフィック、ウェブデザインをメーンに学ぶゼミ生がほとんどでした。彼は当時、すでに「シュガーヒル」を立ち上げていて、学校の課題とブランドの仕事を完全に別物として分けていた。大学の課題は完成度の高さが求められず自由に取り組めるので、アート寄りのブリコラージュ作品を多く制作していた記憶です。

ーー学生時代の林デザイナーの印象的な思い出やエピソードはありますか？

津村：卒業コレクションのファッションショーは印象的でしたね。武蔵美のファッションショーは、過剰な演出やコスチューム要素が強くて世界観が全面に出がちなのですが、彼はモデルがウォーキングする、オーソドックスなショーを披露したんです。余計な演出をせずとも歩くだけで洋服が魅力的に見え、ウォーキングもスピード感があり、音楽は他の美大生が使わないようなロックテイストで、違う風を感じましたね。

ーー「シュガーヒル」はどんなブランドと認識していましたか？

津村：正直なところ、在学中は本気でやっていると認識していませんでした。美大生のブランドの多くは全てが手仕事で労力と値段が見合わず作るほどに赤字だったり、アーティスティックなクリエイションだったりで、ビジネス以前の課題が目立つもの。ですが、卒業後に開いていた展示会に伺うと、すでに量産体制が整い、ビジネス化の準備ができていましたし、奇抜ではなくリアリティーのある洋服が並んでいたので驚きましたね。また、デニムをメイン素材に使用していたのはクレバーなチョイスだと思いました。その頃の美大では「デニムはダサい」という感覚を引きずる人が少なくなかったのですが、彼はタフで人と共に育つ素材であるデニムの魅力を理解しているように感じて。日本にはデニム産業が根付くうえに、労働着というハイソサエティに対するカウンター的な位置付けや工芸的な要素もある。

ーー「シュガーヒル」および林デザイナーの魅力とは？

津村：私の世代は、アバンギャルドだったり、無理して派手なことをしたりなど、地に足が付かないスターデザイナーを目指す風潮が強く、ビジネスを考えずに2～3シーズンでダメになるブランドが多い時代でした。私が考えるに、デザイナーが前に出すぎると熱狂が生まれやすい分冷めやすい。デザインは本質的にはアノニマスであるべきで、モノがあれば十分だ。その点、「シュガーヒル」はランウエイショーを不定期にしか開催せず、メディアなどに取り扱われる回数が少ないため、そもそも日本のブランドと認識していない人も多いはず。狙っているのかどうか分かりませんが、世間との適度な距離の取り方が器用ですよね。加えて、ライフスタイルに根差すブランドとして成長している点もいい。例えば、街のパン屋は毎日同じパンしか売らずとも、それを目当てに毎日人が通う。「シュガーヒル」もそれと同様に、一定の固定ファンが生まれていますよね。

下津光史

ーー「シュガーヒル」および林デザイナーとの出会いを教えてください。

下津光史（以下、下津）：僕が6年ほど前に東京のとある場所に引っ越した時、突然「近所に住んでます」とインスタグラムでDMをもらったのが始まりです。もともと共通の知り合いは多く、風の噂で存在は知っていたのですが「シュガーヒル」のことは全く知らず。だから最初は、“音楽やバイクのセンスが良い若い男の子”みたいな認識しか持っていなかった。しばらく遊ぶようになってから徐々にデザイナーであると分かっていったほどです。第一印象は、人懐っこい。「僕が知らなくて、あなたが知ってることを教えてください！」と真っ直ぐにぶつかれるのは才能だと思いますし、いつも何言ってるか分からないであろう関西人と付き合ってくれて感謝しています（笑）。

ーーその後、2022-23年秋冬コレクションのショーでランウエイBGMを担当するなど深い関係になっています。どういった部分で2人は共感していったのでしょうか？

下津：彼は服で、僕は詩が専門。「マス受けのやり方ってどうなの？」と世間を疑う基本スタンスが共鳴していて、彼のことはもはやデザイナーではなくアーティストとして捉えていますね。僕含めてバンドマンは感覚派な分、他分野の方々と関わりを持った際にビジネス的な側面が強いと離れてしまうこともあるんですが、陸也とは友だちとして始まった関係だからこそ、変にビジネス的な空気感もなくて。缶コーヒーとタバコで話が済んでしまうんですよ。22-23年秋冬コレクションの際には、彼からブランドを運営する中で気付いたことやしんどい経験をいろいろと聞いていたので、その話をもとにショーの尺に合わせて作った「知る由もない」という楽曲を演奏しました。「シュガーヒル」の洋服自体も、よくステージ衣装として着ています。

ーー下津さんから見て、「シュガーヒル」の5年、10年を振り返るとどう変化したと感じますか？

下津：悩んでは次の課題に取り組み、また悩んでブランドの世界観を強固にしていく作業の繰り返しだったと思います。シーズンごとにシルエットやディテールが変わったとしても、1つひとつのデザインに潜む“陸也節”が一貫してブレていない。この10年、その意思の強さが世界から信頼されていったことで本人も自信がついたと思います。「自分のやり方は間違っていなかった」と自覚するのが表現者としての飛躍の第一歩ですし、これは誰しもが成し遂げられることではありませんから。

ーー「シュガーヒル」および林デザイナーの魅力とは？

下津：今、ちゃんと着られる洋服を貫き続けているブランドは本当に少ないし、良い意味でアパレル業界へのビートニクからのアンサーになっていると思う。洋服自体がロック精神を忘れていないんです。

トーマス・ティストゥネ

ーー「シュガーヒル」の印象を教えてください。

トーマス・ティストゥネ（以下、トーマス）：日本的な感性とアメリカ文化への理解、そこに音楽的影響をユニークに融合したことで、他に類を見ない力強いビジュアル・アイデンティティーを形成しています。さらに優れたクラフツマンシップとコレクション構成へのこだわりが、一線を画す存在にしている。また、的確なクリエイティブアプローチとディテールへの気配り、日本製ならではのクオリティーといったファッション美学を持ち合わせているため、国外での成功の可能性を存分に秘めています。

ーー「シュガーヒル」との契約の決め手は？

トーマス：以前から「シュガーヒル」の歩みに注目しており、もっと深く知りたいと好奇心がわいていました。そんな中、リクヤさんと直接話してブランドの本質とビジョンの明確さを知る機会があり、深く心を動かされたんです。パートナーシップの必要性を確信させる重要な転機となりましたね。リクヤさんは、感性と芸術的な思考にあふれた先見の名を持つ人で、常に自身の決断と在り方を問い続け、最も洗練された成果を追求する完璧主義者。彼のようなクリエイティブに突き動かされている人と働けることは、私自身にとっても刺激的です。

ーー今後、「シュガーヒル」に期待することは？

トーマス：今まさに、「シュガーヒル」を取り巻く勢いと高揚感は高まっていて、パリを中心とした海外のバイヤーらが強い関心と投資欲を示しています。今回の設立10周年を記念したランウエイショーは、国際的なプレゼンスをさらに高める絶好の機会であり、極めて重要な節目となるに違いありません。今後はパリ・ファッション・ウイーク（Paris Fashion Week）でのプレゼンテーションやランウエイショーの開催も視野に入れながら、われわれはリクヤさんをサポートし、共に成長していければと思います。

Kei Hashimoto

ーー「シュガーヒル」および林デザイナーとの出会いを教えてください。

Kei Hashimoto（以下、Hashimoto）：コロナ禍以前にPR会社の4Kへ入社した際、ちょうどクライアントが「シュガーヒル」で、それが初対面でした。会社として30〜40ブランドを取り扱っている中で、同世代のデザイナーはあまりいなかったから新鮮で。ただしばらくして、2〜3年ほど前に実は出会ってることにお互い気付いて（笑）。そんな巡り合わせもあって話すようになったら、土臭いものが共通の好みであると発覚。僕が「カーサービス」の展示会を開く際には相談に乗りつつ洋服も見てくれて、グッと距離が近づきました。とはいえ、ヒップホップやブラックカルチャー好きが多い俺の界隈とは全く違う人。リクちゃんの周りに俺みたいな人間はいないだろうし、俺の周りにリクちゃんみたいな子はいない。でも、俺自身はアメカジや古着、乗り物など西海岸のカルチャーも好きだから超B-boyってわけでもなく、そこが良い感じにマッチングしたと思います。

ーー「シュガーヒル」のお気に入りのアイテムや印象的な思い出はありますか？

Hashimoto：東京オペラシティで開催された24年春夏コレクションのランウエイショーですね。PRとして人生で初めてランウエイショーに携わらせてもらったので苦戦したことも多かったですが、ゼロから洋服を作っているデザイナーを側で見ながらショーの準備ができたのは、本当に良い経験でしたし、自分も成長できた気がします。何より、リクちゃんの「シュガーヒル」に対する気持ちが一層強く感じ取れて、一生忘れられない思い出です。

ーー「シュガーヒル」および林デザイナーの魅力とは？

Hashimoto：誰に対してもウェルカムな空気を醸し出しているけど、本気で洋服が好きな人に向けて作っている。全員に洋服を着てほしくてブランドをやっているわけではないのが伝わってきます。この反骨精神がきれいでカッコ良くて、それがリクちゃんのスタイルにも、「シュガーヒル」の洋服にも、全てに反映されている気がします。他ブランドがシーズンごとにランウエイショーを開いたり、モデルに著名人を起用したりする中で、焦らず自分のペースとスタンスを守ってきたからこそ、わずか10年でブランドのイメージをバッチリ固められたのが本当にすごい。僕も周りにいろいろと言われながら、本当にやりたいことや方向性をブラさずに「カーサービス」を10年続けてきました。そういったスタンスをお互いにリスペクトし合えるから友だちになれたし、一緒に仕事もできているんじゃないですかね。

ーーこの先、「シュガーヒル」はどうなると思いますか？

Hashimoto：これまでの10年と全く変わらないと思います。リクちゃんのペースで、リクちゃんがやりたいことを、ちょっとずつ具現化していくことで、「シュガーヒル」はデカくなるというよりも渋みを増す。デニムの色落ちと一緒で、良い味が出てくる。これは俺たちの周りの同世代にも言えることで、有名になるよりもカッコ良さを突き詰めていきたい人が多い気がするんですよ。ひとまず、「シュガーヒル」もカーサービスも10周年を迎えるので、初コラボができたら嬉しいですね。

長塚淳

ーー「シュガーヒル」および林デザイナーとの出会いを教えてください。

長塚淳（以下、長塚）：19年頃にブランドを知り、ルックを見てレザーの風合いが素敵だと思い気になっていたのですが、実は僕の知人がそのライダースジャケット制作に関わっていたんです。当時、僕は原宿店のショップマネジャーを務めていて、ちょうど「シュガーヒル」を取り扱うことが決まったタイミングだった。展示会に伺い、そこで陸也くんと直接出会いましたね。

ーー当時の印象はいかがでしたか？

長塚：僕は陸也くんよりも少し上の世代なのですが、実直かつベージックなデザインや繊細さ、こだわりの強い加工と生地選びなどから、直接会うまでは古着などに精通する同年代の洋服好きが手掛けるブランドかと思っていました。それが、いざデザイナーに会ってみたら24歳だった。センスも才能も感覚も衝撃的で、「シュガーヒル」は同世代のブランドの中では生き残ると確信していましたね。売れる売れないのレベルではなく、同世代のブランドとやろうとしていることが違い過ぎて、敵がいない印象です。

ーー特に印象に残っているアイテムやコレクションはありますか？

長塚：初めて展示会に伺った時から毎シーズン欠かさず洋服を買っており、特に気に入っているのはフレアデニムですね。5〜6本は持っていて、仕事中でも、休日に街中でも、日常的に着ています。

ーー「シュガーヒル」および林デザイナーの魅力とは？

長塚：若い感性を持った陸也くんが普遍的な洋服を作るからこそ、焼き直しではない“新しさ”が見える。コレクションブランドの意思が宿っていると感じます。店では「シュガーヒル」のことを全く知らずに購入するお客さまも多く、具現化も言語化できないけど感じ取れる何かが洋服に現れているのではないでしょうか。

ーーどういった方々に「シュガーヒル」を着て欲しいですか？

長塚：ファッションに精通していない方にも、トレンド好きの若い子にも、洋服好きの同年代にも、海外からのお客様にも、「これがカッコいい洋服です」と心から勧められます。ビームスで取り扱っていることが僕の中では誇らしい。自分の店舗には絶対に置きたい、日本を代表するブランドだと思います。

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愛する娘を事故で亡くして悲しみにくれる夫婦。ある日、骨董市で手に入れた、娘によく似た人形を娘同然にかわいがるが、次第に奇妙な出来事が起こり始める。謎めいた人形をめぐる物語、「ドールハウス」はノンストップでゾクゾクさせられる“ドール・ミステリー”だ。脚本・監督を手掛けたのは意外にもコメディーの名手、矢口史靖。そして、ヒロインの鈴木佳恵を演じたのは、脚本を読んで出演を熱望したという長澤まさみ。「WOOD JOB!～神去なあなあ日常～」（2014年）以来の顔合わせとなった2人が、それぞれの新境地を開いた「ドールハウス」の舞台裏について語ってくれた。

最後までドキドキさせられる映画

——監督がこういう“ゾクゾク”する映画を撮られるのは今回が初めてですが、いつか挑戦したいと思われていたのでしょうか。

矢口史靖（以下、矢口）：そうなんです。もともとゾクゾク映画は大好きで、サスペンス、ホラー、スプラッターなど、これまでいろいろ観てきて、自分でも作ってみたいと思っていたんですけど、なかなかアイデアがまとまらなくて。そんな中、ドールセラピーというものがあることを知ったんです。本来は人形を通して心のケアをするんですけど、いわくつきの人形を買ってしまった夫婦が恐ろしい体験をする、というアイデアを思いついたら、すぐにストーリーができて脚本を書き上げました。

——長澤さんは脚本を読んで、どんな感想を持たれました？

長澤まさみ（以下、長澤）：どんどん物語に引き込まれて、そこから抜け出せなくなってしまいました。子どもの頃に観たゾクゾクする映画って、緊張感から解放される瞬間があるじゃないですか。ホッとさせてくれるような。この映画にはそういうのがなくて、最後までドキドキさせられっぱなし。その容赦ないところがすごいと思いました。

矢口：長澤さんがそういうところを気に入っているのは初めて知りました。

人形ならではの魅力

——監督は人形のどんなところに興味を持たれたのでしょうか。

矢口：大学の頃に山岸凉子さんの「わたしの人形は良い人形」という漫画を読んで、人形というのは見せ方次第で面白い話ができると思ったんです。まず、人と似ているところが気になりますよね。リカちゃんとかバービーくらいのサイズだったらまだしも、この映画に出てくる人形のアヤちゃんは子どもと同じサイズなのがポイントです。このサイズの人形はあまり買わないとは思いますが。

——存在感がありすぎますからね。

矢口：でも、映画に登場する人形は「生き人形」と呼ばれて江戸時代から現在に至るまで作られてきたんです。生き人形が家の椅子に座っていたら人間なのか人形なのか分からない。すごく不気味だし、映画になると思ったんです。

長澤：アヤちゃん、毎日表情が違うんですよ。

——えっ？　どういうことですか。

長澤：照明がどう当たるかで表情が変わってくるんです。だからアヤちゃんもお芝居をする。ちゃんと私たちと共演していたんです。現場で一番大御所感がありましたよ。

矢口：アヤちゃんはハードワークだったので、メイク直しも入れてたんです。それで表情が変わることもありました。

——人形は無表情ですけど、だからこそ見る人の気持ち次第でかわいく見えたり怖く見えたりすることもありますよね。

矢口：今回はまず、誰もが愛したくなるようなかわいい人形として撮りました。主人公の夫婦が自分の子どものようにアヤちゃんをかわいがっていたのに、子どもができてからはアヤちゃんへの愛情は薄らいでゆく。そこにもゾクゾクしほしかったんです。夫婦が立ち直っていくのを応援したい気持ちと、アヤちゃんがかわいそうだと思う気持ち。その両方を観客に感じてもらうことで、アヤちゃんが一人のキャラクターとして映画の中で動き始めるので。

——長澤さんはアヤちゃんと共演してみていかがでした？

長澤：佳恵はアヤちゃんのおかげで元気になっていく一方で、アヤちゃんの世界に翻弄されていく。佳恵が体験したことのどこまでが現実で、どこからが非現実なのかが分からないところが難しかったですね。佳恵が自分で選択したつもりでいるだけで、全部アヤちゃんの手の内の物語だったのかもしれない。観客の方々は、私の演技をどんな風に受け止めるんだろうって撮影中に考えたりもしました。

観客の心をつかむ
ファースト・シーン

——確かに気が付いたら異様な世界に入っていますからね。しかも今回、佳恵は鬱になったりハイになったり、感情の起伏が激しい役柄だったのでメンタル的に大変そうですね。

矢口：毎日、撮影に入る前に「今日は一番病んでる日です」とか「健康な日です」とか、長澤さんに伝えていたんです。撮影に入ってからも、もっと病んでください！ってお願いしたり。

長澤：そうでしたね（笑）。

矢口：順撮りではなかったので、今日は暗い日。明日は明るい日。でも、明後日は一番暗い日、という風にアップダウンが激しかったので、日々、（佳恵のテンションに）気をつけるようにしていました

——そんな中で、長澤さんの絶叫シーンがインパクトがあって、長澤さんがこれまで見せたことがないような表情と演技でした。

矢口：長澤さんのゾクゾク演技は100点でした。怖いものを見せることより、それを見てしまった人がどんなリアクションをするかが映画では大切なんです。観客は長澤さんの顔を見ただけで背筋が凍る思いができるんです。特にファースト・シーン。タイトルが出る前なので、あそこでお客さんの心をつかまないとダメなんですよ。お客さんに「この映画は最後まで絶対見逃さないぞ！」っていう気持ちになってもらわないといけないのですが、あのシーンの長澤さんの絶叫顔があるおかげで、誰も映画館から出られなくなるんです。

長澤：うまくいって良かったです（笑）。あそこは重要なシーンだと分かっていたので。

——思えば、長澤さんがこういうゾクゾクする映画に出られたことはあまりなかったですよね。

矢口：以前、長澤さんに「WOOD JOB!～神去なあなあ日常～」という映画に出ていただいたんです。青春コメディーなので軽やかに演じつつ、田舎に住んでいる女性のリアリティも出してください、というこちらのリクエストに見事に応えてくれたんです。その時は出てもらったシーンが多くなかったので、いつか主演で出てほしいなと思っていたんですよね。それで、この映画の台本ができて「誰に出てほしいのか」という話になった時に、僕の方から「長澤さんがいいです」と言ったんです。僕が作るミステリー映画なんで難しいだろうな、と思いつつも、1回、脚本に目を通してもらえたら良いな、ぐらいの感じだったんです。そしたら、結構すぐに「やりたいです」という返事をいただいて、それで企画が一気に進みました。

——長澤さんは、こういうゾクゾクする映画には興味はあったのでしょうか。

長澤：あまり観ていませんでした。お友達は観ていて「面白いよ！」って力説されていたんですけど、まだ踏み込めていなかったんです。でも、「ドールハウス」の撮影に入る前に何作か観たので、これからは大丈夫かもしれないです。

矢口：免疫ができた？

長澤：こういうゾクゾクする作品を観る時は、「全部作り物だから」というのを頭の中に入れておいて見るのがミソだと思ったんです。その上で物語のスリルを楽しむ、ということを、こういう映画が好きな皆さんは大切にされているような気がして。だから、怖いシーンを大爆笑して観ている方もいる。私もそういう感覚で観よう、と思って作品に接していたら、だんだん大丈夫になってきました。

矢口：でも、防衛本能を働かせていたら楽しさが減っちゃうよ。

長澤：監督はどんな風に楽しむんですか？

矢口：全身全霊で物語に浸りきります。死ぬつもりで観る。もう、バラバラにしてもらおうと思って（笑）。

長澤：すごい！　心臓が強いんですね。監督は。

矢口：というより、マゾっ気があるんです。痛めつけられたい（笑）。

長澤：そうなんですか。でも、この仕事は、そういう人が多いかも（笑）。

矢口：「この仕事」って監督のこと？

長澤：監督だけじゃなく、俳優もスタッフもですね。

矢口：現場はいろいろと大変だからね。

——今回の現場も大変でした？

長澤：砂浜で撮影するシーンがあったんですけど、暴風警報が出るくらい風が強くて。機材が止まってしまうんじゃないかって思うような天気の中で撮影して、全員砂まみれになったんです。

矢口：あれはつらかったね。

人形との思い出

——お疲れさまです。ちなみに長澤さんは子どもの頃に人形遊びはされていました？

長澤：大好きでした。でも、子どもなのでかわいくしてあげようと思って髪の毛をグシャグシャにしてしまったりして……今から思うと人形がかわいそうですね。

——今でも捨てられない人形があったりしますか？

長澤：あります。お誕生日にメッセージを添えてもらったぬいぐるみとか。人の思いがこもったものは捨てられませんね。

矢口：僕も捨てられない人形がありますよ。結構大きなアイアンマン。「ロボジー」を撮る時に、参考にしたいからどうしても必要なんだ、とカミさんを説得して買ったんです。それが結構高くて……。自宅に飾ってあるんですけど、横にはメカゴジラとかレギオンもいます。人形というよりフィギュアですけど。

長澤：フィギュアだったら、うちに綾波レイがいますよ。

矢口：えっ!? プラグスーツですか。

長澤：そうです。本広（克行）監督に頂きました。その頃、「エヴァンゲリオン」にはまっていて、本広さんにそういう話をしたら「ウチに綾波の人形があるからあげるよ」って。それで「シン・ウルトラマン」の共演者の皆さんと順番に映像を配信するという企画の時に、その綾波と共演したんです。

矢口：そうなんだ。じゃあ、僕も何かあげなきゃね。アイアンマンはダメだけど（笑）。

——そういえばアヤちゃんは映画公開後はどうなるんですか？

矢口：許されるなら我が家に持ち帰りたいですね。

——アイアンマンの横にアヤちゃんが並んでいるというのもシュールな風景ですが、奥様がおびえたりはしませんか？

矢口：頑張って説得します。

長澤：アヤちゃんの実物はかわいいんですよ〜。

——かわいいからこそ、ゾクゾクさせられるんでしょうね。長澤さんは完成した映画をご覧になっていかがでした？

長澤：ゾクゾクするけど次の展開が気になって引き込まれていく。遊園地のアトラクションに乗っているような映画でした。この世界にどっぷり浸ってほしいですし、ゾクゾクするのが苦手な人も楽しめる作品だと思います。

矢口：この映画を撮って、長澤さんはこういうジャンルもいけるな、と思いました。これからゾクゾク映画に “ぞくぞく”オファーが来るんじゃないですか。

——ゾクゾク尽くし（笑）。

長澤：監督がまたこういう映画を撮られるのであれば、ゾクゾク担当で出演させていただきます（笑）。

PHOTOS：TAKAHIRO OTSUJI
STYLIST：[MASAMI NAGASAWA]MEGUMI YOSHIDA
HAIR & MAKEUP：[MASAMI NAGASAWA]MINAKO SUZUKI

^{[MASAMI NAGASAWA] ノースリーブトップ 7万7800円、スカート 16万8350円／ともにラバンヌ、ネックレス 7万2600円、イヤカフ・右 3万5200円、左 3万5120円、リング・右手 5万600円・左手 10万9040円（全てオール ブルース／全てエドストローム オフィス 03-6427-5901）、シューズ 12万4300円／ジミー チュウ（ジミー チュウ 0120-013-700）}

映画ドールハウス

■映画「ドールハウス」
6月13日公開
出演：長澤まさみ　瀬戸康史
田中哲司
池村碧彩　本田都々花　今野浩喜　西田尚美　品川徹
安田顕　風吹ジュン
原案・脚本・監督：矢口史靖
主題歌：ずっと真夜中でいいのに。「形」（ユニバーサル ミュージック）
配給：東宝
©2025 TOHO CO.,LTD.
https://dollhouse-movie.toho.co.jp/

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森川マサノリが2021年3月に始動した「ベイシックス（BASICKS）」が、新たな局面を迎えている。6月9日にANAPが同ブランドを買収すると発表したのだ。取得総額は1億5000万円を予定しており、7月末までに完了するという。東京デザイナーズブランドのプチプラ衣料品メーカーへの合流は以外にも思えるが、森川はどんな考えから今回の決断に踏み切ったのか。「想像以上に反響が大きくて驚いている」と意外そうな本人に真意を聞いた。

WWD：なぜ売却を？

森川マサノリ「ベイシックス」デザイナー（以下、森川）：リテールをさらに強化して利益率を伸ばす必要があるからだ。現在、国内の卸先は約55で、日本での卸販売をやり切った感覚でいる。海外に5ほどある卸先は「クリスチャン ダダ（CHRISTIAN DADA）」時代に付き合いがあった相手がほとんどだから、今後は海外の販路も広げたいし、直販にも着手したい。3カ年計画を立てており、数億円規模の売り上げを十数億円にまで成長させる目標だ。「ベイシックス」を運営しているAtoZは社員が自分を含めて数人しかいない。ブランドを共に成長させてくれるパートナーが必要だった。

WWD：そもそもANAPとの関係はどのように生まれた？

森川：僕はもともと経営者らとのつながりが多い。ANAPからも自分のファッションブランドを営むデザイナーとしてのアドバイスを求められることがあり、MDを調整するために知人を紹介するなど業務提携をしてきた。ANAPも23年10月に事業再生ADR手続きを申請して受理された後に経営陣がガラリと変わり、さまざまな事業を新たに始めながら再生を図ってきた。互いに成長できるシナジーを作りたいとの提案から、タッグを組むことになった。僕はブランドの「アナップ」に関わることはないが、会社が新ブランドを立ち上げる場合、監修という立場で関わることはあり得る。

昨年10月から「ベイシックス」事業譲渡に向けて動いてきた。とはいえ、インディペンデントなクリエイションを最大限尊重してくれるという前提だし、もしもブランドが成長した場合にもバイバック（買い戻し）の話し合いができる関係性でもある。僕はブランドを手放したというより、戦略的パートナーシップを結んだつもりでいる。

WWD：3月には「楽天 ファッション ウィーク東京（Rakuten Fasnion Week TOKYO））で25-26年秋冬コレクションを発表した。この時はすでにANAPとの連携が進んでいた？

森川：ANAPはそのクリエイションには全く関わっていない。ブランド5周年のタイミングだったから、以前から実施することは決めていた。実は、7月に東京で初の直営店をオープンするのだが、ANAPに本格的に資本注入してもらうのはここからだ。EC強化に当たっても、すでに何人かの担当者を採用済み。また、26年2月にはパリで展示会を開く予定であり、それに向けて韓国向けのPR担当者も新たに契約している。パリでコレクションを披露することで、アジア太平洋地域にアピールする流れを作りたい。

3月のショーを節目に、モノ作りの方向性には一旦区切りをつけた。これまではトレンドを汲んでマーケットに広がりやすい洋服を多く発表してきたが、今後はそのようなアイテムと、パリで展示するアイテムの趣向を変える。前者はリテール用で、後者は価格帯を変えずに、「『ベイシックス』はこういうことをやりたいブランドだ」ということを示すコンセプチュアルなものを見せるつもりだ。

WWD：今後のビジョンは？

森川：現在の「ベイシックス」のファンは20代女性が多めだが、特にターゲットの年齢層を限定しているわけでもないから、幅広い層に広げていきたい。海外で僕らのブランドの洋服が知名度をさらに獲得して、街中でも当たり前に「ベイシックス」を着た人を見られる状況を作れたらと思っている。

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一人のクリエイターが独学で制作を始め、7年もの歳月をかけて作り上げたSFストップモーション・アニメ映画「JUNK HEAD」。その執念の一作はアカデミー賞監督ギレルモ・デル・トロから絶賛され、北米最大のジャンル映画祭と称されるファンタジア国際映画祭で最優秀長編アニメーション賞を獲得するという偉業を達成。

2021年、逆輸入的に日本で公開されると瞬く間に話題を呼び、その唯一無二の世界観とユニークな物語に大勢が夢中になった。そして6月13日には、その待望の続編となる「JUNK WORLD」が公開された。全3部作として構成された「JUNK」シリーズの2作目であるが、位置付けは「JUNK HEAD」の前日譚。前作から1042年前の地下世界を舞台に、人類と人工生命体「マリガン」が協力して大冒険を繰り広げる。

メガホンを取るのはもちろん前作に続き堀貴秀監督。「JUNK WORLD」では脚本、照明、撮影、編集、声優なども手掛けているという。本作の特徴はその緻密で複雑な構成であるが、堀監督はどのように「JUNK HEAD」から話を膨らませ、物語として作り上げていったのか。「JUNK HEAD」公開時の体験からクリエイターとしてのこだわり、制作体制の変化から今後の構想まで、堀監督にたっぷり語ってもらった。

前作「JUNK HEAD」の反響

——40歳を目前に衝動に突き動かされ、映画制作経験もないまま作り始めた「JUNK HEAD」が世界中で大旋風を巻き起こす、というとんでもない体験をされたわけですが、今改めて「JUNK HEAD」の反響を振り返ってみていかがですか？

堀貴秀（以下、堀）：何の経験もなしにいきなり作り始めた1本の映画がこんなことになるんだ……という驚きはもちろんありましたが、作っている最中は「これが完成すれば世の中が変わるぞ」という謎の自信があったんですよね。ただB級っぽい作品だし好きな人は限られているだろうなと思っていましたが、想像以上に広がって評価されたことは意外でした。

ただ、いざ公開となったときにはコロナ禍の真っ最中で、話題にはなったけど全然儲けにはならなくて……。最初から3部作を謳っていたものの、これで果たして続編は作れるのかという不安もありましたが、クラウドファンディングでも皆さんが応援してくれて、運良く作ることができました。以前は芸術家を目指しながらも日雇いのペンキ屋バイトや内装業で生活していたんですが、今は映画だけで食えるようになったので本当にうれしいし良かったなと思います。

——「JUNK HEAD」を機に、フィル・ティペット監督やギレルモ・デル・トロ監督、ヒグチユウコさんといった一流のクリエイターと関わる機会があったと思います。そのことは堀監督の制作スタイルや考え方に何かしらの影響を与えましたか？

堀：皆さんと交流する中で、それぞれが制作の苦しみを感じていると知って安心感を覚えました。「この苦悩を分かってくれる同志がいた！」というような感覚で（笑）。

「JUNK WORLD」での新たな取り組み

——「JUNK HEAD」公開時には既に「JUNK WORLD」の絵コンテができているというお話をされていたかと思います。前作とは制作環境や規模感、制作機器にも変化があったかと思いますが、想定していたストーリーや展開に変化はありましたか？

堀：基本的にはそのままですね。「時間もの」というセットを使い回せる設定を選んだのは、続編も予算は少ないということを前提としていたから。「JUNK HEAD」もそうですが、「JUNK WORLD」も予算感を見越して逆算して話を組み立てたので、そこはブレずに作っていきました。

——「JUNK HEAD」は脚本なしで、いきなり絵コンテから描き始めたと伺いました。「JUNK WORLD」は非常に複雑なストーリー展開が特徴的ですが、同じく脚本を書かずに進めていったのですか？

堀：確かに前作はいきなり絵コンテから始めたんですが、それは最初に作った30分の短編ありきで構成したからなんです。一方で今回は最初から長編として作ったので、脚本もちゃんとあります。だからこそ構成的な部分は前作より進化しているかなと思います。

——視点や時間軸を自由に行き交い、さまざまなツイストが加えられた全4部の複雑な構成となっていますが、この設定や構成のアイデアはどのように生まれたのでしょうか？

堀：「時間もの」ってSFの中でも定番のアイデアですし、セットも使い回しができるということで挑戦したいジャンルではあったんです。ただよくある単純なタイムループにしたくないなと思って、時間移動にパラドックスと並行世界という要素を組み合わせることにしました。

難解な物語ではあるんですが、流れを理解したときに「そうか！」という発見のような感覚が生まれると思うんです。ぜひ何度でも観て、その感覚を味わってほしいと思いますね。あと自主制作したパンフレットで説明を尽くしているので、ぜひそれも読んでもらえたらうれしいです（笑）。

——登場人物が日本語を話す、というのは前作との大きな違いですよね。

堀：台詞の内容量が「JUNK HEAD」の倍くらいあったので、字幕じゃ追いつかないなと思ったんです。でも声優さんを雇う予算もないので、自分を含むスタッフ3人でアフレコをやってみたらそれっぽくなりました。

——そこも自分たちで⁉︎ 日本語吹替版と同時に、前作同様のゴニョゴニョ版（日本語字幕）も公開されると聞きました。

堀：僕は日本語版のみでいいと思ったんですが、アニプレックスさんから「人気だから」とゴニョゴニョ版も作るように言われたんです。それほど面白くなるとは思えなかったのですが、完成品を観たらめちゃくちゃ面白くって（笑）。ゴニョゴニョと言ってる言葉に遊び心も盛り込まれていて思いもよらぬシーンで笑えたりするんですよ。下手したらそっちの方が面白いかもしれないので、ぜひどちらも観てほしいですね。

——ストップモーションでありながら、カメラが実写映画的なアクション性のある動きをすることも特徴的ですよね。

堀：自分の中に「実写のような画が撮りたい」ということがまず大前提としてあるんです。自分はゼロから自己流で「コマ撮りを実写のように表現するならこうかな」って試行錯誤していった結果こういう表現になりました。コマ撮りで人形を長時間動かそうと思うと歩かせるだけでも大変なんですが、それをできる限り格好良い構図からたくさんカット割りしたことも実写っぽくなった理由の一つかと思います。

——本作での新たな取り組みとして3Dプリンターを導入したことがあります。複製がいくつも作れるというメリットを語っていましたが、実際3Dプリンターを使用して制作を終えた今、表現的・制作的に変わったことを教えてください。

堀：本当に作り方がガラッと変わりました。「JUNK HEAD」のときは3Dプリンターもなく、粘土をこねて1個ずつ人形を作っていったんですが、今回は代理店が安く3Dプリンターを売ってくれたりしてかなり楽に人形を作ることができました。全部で20台くらい購入したんですが、造形における革命的なアイテムでしたね。

3Dプリンターで作った人形は細部まできれいなので、カメラがパッと寄っても画になるんです。同じ人形を作れるので、別の場所で同時に撮影もできるし、あるとないではまったく別物でした。ただ細かいところを作り込もうと思えば際限がないので、時間やストレスは逆に前より増えたかもしれません（笑）。

自動化できない
人形の色付け

——エンドロールでは撮影風景のほかに、人形の動きを決めるために監督が動きをシュミレーションする様子も映りますよね。

堀：それは「JUNK HEAD」からやっていて、基本的にコマ撮りするときはまず動画で人の動きを撮影するんです。その動画をコマ撮りソフトに入れて、同じ動きを人形で再現していくんですよね。

——今回はどれくらいのセットと人形を作成・使用したんですか？

堀：正式な数はまだ算出していないんですが、セット数は20〜30くらいで、人形は動かせるものだけで200体くらいですね。動かない小さなものなどを含めると倍以上あると思います。

——人形の制作は3Dプリンターの導入で楽になったと思うんですが、セットに関しては手作業ですよね。セットの制作風景がエンドロールに流れますが、改めてものすごく手間がかかっているなと。

堀：赤いグニュグニュに覆われた街が一番大きなセットなんですが、それをメインにしたいなと思ったのでスタジオの一部屋まるまる使って作りました。大工のような仕事ができるスタッフがほぼ1人で、4〜5カ月をかけて完成させてくれたんです。

——カット数はトータルで約2750カットと、前作よりも大幅に増えているそうですね。その分手間も増えたと思いますが、その中で特に苦労したことは何でしょうか？

堀：まず苦労したのは導入した3Dプリンターの使い方も覚えること。「JUNK HEAD」のときも映像作りの勉強から始めたんですが、初めのうちは勉強したことがなかなか結果につながらなくて。前回も今回もそういった時期は焦りがすごくて大変でしたが、その経験は3作目に活きてくると思います。

あと作業的に一番大変だったのが人形の色付けです。そこは自動化できないので、ずっと手作業でした。劇中に別の次元からたくさん出てくるキャラクターがいるんですが、実は画面上で複製しているだけで本当は1体しかいないんです。できれば人形を10体くらい作って撮りたかったんですが、色を塗る作業が大変すぎてそこは楽をさせてもらいました。

——3Dプリンター以外に制作面で大きく変わったことはありますか？

堀：今回から明確に変わったのはフル3DCGのシーンが入っているということ。実は造形物がまったくないカットも何カ所かあります。今回は6人くらいのチームだったんですが、CG経験者も特にいなかったので撮影を進めながらスタッフにCGの使い方を勉強してもらって実践していきました。なのでどアップでもリアルなCGを作れるほどの技術はなかったんですが、人形が少し歩く引きのシーンなどは自然なCGに置き換えることができたかなと。コマ撮りせずに済んだので、時間が短縮できましたし、表現の幅がかなり広がりましたね。

「あるのは妥協する苦しみばかり」

——確かにエンドロールでもグリーンバックが使われている様子が出てきますね。それにしても3、4人で作った前作に続き、今作も6人ほどの少ないチーム編成で作られたことに驚きました。

堀：少なすぎますよね（笑）。以前よりかは少し増えたとはいえ、なんとかやりくりしてギリギリ完成させた感じです。たださすがに今回までですね。身体の負担もすごいので、何とか今回稼いで次はもっと人数を増やしてできればなと。

——ただ少人数だからこそイメージが共有しやすく小回りが利くというメリットもありますよね。今回は以前より少し人数が増えたことで、監督として全体を統率する大変さは以前よりもあったのでは？

堀：その大変さはありましたが、そこはもう諦めるしかない。自分が思い描いた通りにいくことなんて絶対にないから、どこまで妥協してそれっぽく近づけるかというストレスとの戦いです。どこまでこだわるか、どこで妥協するかというせめぎ合いは自分の中ではずっとあるんですが、いずれは克服しなきゃいけないことなので。完璧にイメージ通りにしようと思うと全部自分一人でやるしかないけど、そんなことは無理ですから。だからできることは自分と似た感性のスタッフを集めて、みんなでレベルアップしながらベストを尽くすこと。それはこれからも変わらないと思います。

——本作を観ていると妥協があったとは全然感じないのですが……。

堀：基本的に本作の制作過程ですることは全て妥協なんですよ。というのも自分の頭の中には、何百億円レベルの製作費をかけて作るような「JUNK WORLD」のイメージが明確にあるんです。でもそれをいかに少ない予算の中コマ撮りで再現して、どこまでの表現であれば許容できるかと常に葛藤していて。だから映画制作中に「何かを作り出す喜び」は自分にはほとんどないんです。あるのは妥協する苦しみばかりなので（笑）。

——監督の脳内には、それこそ「スター・ウォーズ」並に壮大な“JUNK”シリーズの世界があるということですね。その壮大な世界観のイメージは初期段階から出来上がっていたのですか？

堀：3部作構成自体は頭にありましたが、「JUNK WORLD」の詳細が浮かんだのは「JUNK HEAD」が完成してからですね。完成してからもしばらく公開できなくて、このままでは3部作として作れないかもと思っていた時期がありまして。なら続編は前日譚として作って、それだけでも成り立つ物語にしようと思ったんです。

——ちなみに前作のカメラはCanonのkiss X4を使用していたかと思います。そこは変化なしですか？

堀：モデル名は忘れましたが今回はSonyのカメラを使用しました。前作は初めての映画制作ということもあり、映画の撮影としては比較的安価なカメラを使ったんです。それでも上手くできたのはコマ撮りだからこそですね。

——例えばギレルモ・デル・トロ監督は、ストップモーションについて「アニメーターと人形の絆を感じる最も美しいアニメーション。制作の過程が分かる不完全さこそ魅力」と語っていました。唯一無二の質感と動きを見せるストップモーションの魅力について、監督はどのように考えていますか？

堀：僕の場合、「どうしても映画を作りたい」と考えて手段を探した結果、コマ撮りを選んだので好きというわけではないんですよね。楽しいですけど、たまに「なんでこんな面倒くさいことを……」と思うときもありますし（笑）。ただ、置いてあるだけだとモノにしか見えない人形を、触り動かすことで命が宿る瞬間というのはやはり良いですよね。人形が感情を持ったと感じると、愛着が湧いてもうほっとけなくなっちゃいますから。実は「JUNK WORLD」で制作した人形はほぼほぼオークションで売る予定なんですよ。それも作品の売りにしようかなと思っています（笑）。

SF的な物語に惹かれる理由

——監督は前作に影響を与えた作品を質問された際に「不思議惑星キン・ザ・ザ」と答えていましたが、「JUNK WORLD」ではより色濃くその影響を感じました。それ以外にも、映画に限らずインスピレーション源となった作品はあるんですか？

堀：「不思議惑星キン・ザ・ザ」のシュールなクスッとくる笑いが好きなんですよね。その辺りはクリエイティブ面で影響を受けていると思いますし、映画だと「エイリアン」や「ヘルレイザー」などにも影響を受けたと思います。漫画であれば弐瓶勉さんの「BLAME!」とか。だけど一番大きいのは夢枕獏さんの作品をはじめとする小説だと思います。基本的にあまり文字が読めない体質なんですが、すごく読みやすいと感じる小説がたまにあって。それを読んでいるときに頭の中に浮かんでくる風景が、映画作りをする上で何よりのインスピレーション源になっていると思います。

——本作も最初から鮮明なイメージがあったと仰っていましたが、そうやって頭の中に鮮明な映像が浮かぶのは昔からなんですか？

堀：そうですね。例えば小さくなってこの机にある溝の上を飛んだり、アリ目線で自分を見上げたらどう見えるのか……といった風景をイメージすることは昔からやっています。

——監督がとりわけSF的な物語に惹かれる理由はなんなのでしょうか？

堀：映画はジャンルに限らず好きですが、SFは見たことがないものを見られる興奮があって惹かれるんですよね。ただほとんどが変わった設定やビジュアル頼りで、ヒューマンドラマなどに比べると物語的に面白いとか揺さぶられたと感じるSFはなかなかなくて。だから自分で作る映画では、登場人物に魅力がある物語的にも面白い作品にしたいと思っていますね。あと笑いを交えたSFが少ないので、あえて自分はユーモアを積極的に入れるようにしています。

——前作に続き今作もアクションシーンにこだわりを感じますが、アクション映画も好きなんですか？

堀：先ほどジャンルに限らず好き……と言いましたが、実はアクション映画は嫌いなんですよ。アクションそのものは映画の味付けとして必要だと思いますし好きなんですが、アクション映画ってひたすらアクションしているじゃないですか。それを観てると「いつ終わるんだろう……」となっちゃって（笑）。みんなアクションが好きなのは知っているので動きの参考として観ることはありますが、ジャンルとしては好きになれないんですよね。

——監督自身が面白いと感じた映画を、制作スタッフのみんなで観る会を毎週していると発信されていましたね。

堀：最初の方はやっていたんですが、やはり制作が忙しくなると同時に開催されなくなりました。映画を選ぶのにも時間がかかるしその時間で勉強した方が良いなと思いまして。でも作品のイメージや目指す面白さを共有できたし、「スカーフェイス」や「バグダッド・カフェ」など自分が昔観て影響を受けた作品をみんなで観られたのは良かったですね。

——「JUNK」シリーズ最終章の「JUNK END」の制作はどの段階なのでしょうか？

堀：あらすじはできているんですが、脚本や絵コンテはこれからですね。それを作るために九州の実家にこもってしばらく集中しようかなと思っています。ただキャラのデザインはおおよそできているので、スタジオのスタッフにはそれを基に先行して造形物を進めてもらう予定です。数年後の公開予定で進めているのでご期待ください。

——Xの投稿によれば、実写作品の構想もあるそうですね。

堀：はい。紹介文で「アニメーション監督」って書かれるのが嫌なので、実写映画はなんとしてもやりたいなと思っています。いくつかアイデアはあって、ヒグチユウコさんのキャラクターを登場させる映画や、これまでなかったゾンビ映画なんかを構想中です。あと実家が九州の山奥にあるんですが、そういう山奥で作れる映画もないかなと考えたり。

——「JUNK」シリーズのみならず、監督が作品を作る上で心掛けていることを教えてもらえますか？

堀：映画作りをする上で根源にあるのが「観たことがないものを観たい」という欲求なので、重視しているのは新しい価値観や世界観を描くことですね。さらに観た人には感動もしてほしいので、プラスで魅力的なキャラクターや展開を作っていきたいなと。あと映画は当然ビジネスなので、何回も観たくなるような映画にもしなきゃいけない。でも結局一番大事なのは、自分が観て面白い作品かどうかということですね。だから今後も自分が観て楽しめる映画を作っていきたいと思います。

PHOTOS：HIRONORI SAKUNAGA

「JUNK WORLD」

■「JUNK WORLD」
監督・脚本・撮影・照明・編集：堀貴秀
全国公開中
配給：アニプレックス
©YAMIKEN
https://junkworld-movie.com/

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一人のクリエイターが独学で制作を始め、7年もの歳月をかけて作り上げたSFストップモーション・アニメ映画「JUNK HEAD」。その執念の一作はアカデミー賞監督ギレルモ・デル・トロから絶賛され、北米最大のジャンル映画祭と称されるファンタジア国際映画祭で最優秀長編アニメーション賞を獲得するという偉業を達成。

2021年、逆輸入的に日本で公開されると瞬く間に話題を呼び、その唯一無二の世界観とユニークな物語に大勢が夢中になった。そして6月13日には、その待望の続編となる「JUNK WORLD」が公開された。全3部作として構成された「JUNK」シリーズの2作目であるが、位置付けは「JUNK HEAD」の前日譚。前作から1042年前の地下世界を舞台に、人類と人工生命体「マリガン」が協力して大冒険を繰り広げる。

メガホンを取るのはもちろん前作に続き堀貴秀監督。「JUNK WORLD」では脚本、照明、撮影、編集、声優なども手掛けているという。本作の特徴はその緻密で複雑な構成であるが、堀監督はどのように「JUNK HEAD」から話を膨らませ、物語として作り上げていったのか。「JUNK HEAD」公開時の体験からクリエイターとしてのこだわり、制作体制の変化から今後の構想まで、堀監督にたっぷり語ってもらった。

前作「JUNK HEAD」の反響

——40歳を目前に衝動に突き動かされ、映画制作経験もないまま作り始めた「JUNK HEAD」が世界中で大旋風を巻き起こす、というとんでもない体験をされたわけですが、今改めて「JUNK HEAD」の反響を振り返ってみていかがですか？

堀貴秀（以下、堀）：何の経験もなしにいきなり作り始めた1本の映画がこんなことになるんだ……という驚きはもちろんありましたが、作っている最中は「これが完成すれば世の中が変わるぞ」という謎の自信があったんですよね。ただB級っぽい作品だし好きな人は限られているだろうなと思っていましたが、想像以上に広がって評価されたことは意外でした。

ただ、いざ公開となったときにはコロナ禍の真っ最中で、話題にはなったけど全然儲けにはならなくて……。最初から3部作を謳っていたものの、これで果たして続編は作れるのかという不安もありましたが、クラウドファンディングでも皆さんが応援してくれて、運良く作ることができました。以前は芸術家を目指しながらも日雇いのペンキ屋バイトや内装業で生活していたんですが、今は映画だけで食えるようになったので本当にうれしいし良かったなと思います。

——「JUNK HEAD」を機に、フィル・ティペット監督やギレルモ・デル・トロ監督、ヒグチユウコさんといった一流のクリエイターと関わる機会があったと思います。そのことは堀監督の制作スタイルや考え方に何かしらの影響を与えましたか？

堀：皆さんと交流する中で、それぞれが制作の苦しみを感じていると知って安心感を覚えました。「この苦悩を分かってくれる同志がいた！」というような感覚で（笑）。

「JUNK WORLD」での新たな取り組み

——「JUNK HEAD」公開時には既に「JUNK WORLD」の絵コンテができているというお話をされていたかと思います。前作とは制作環境や規模感、制作機器にも変化があったかと思いますが、想定していたストーリーや展開に変化はありましたか？

堀：基本的にはそのままですね。「時間もの」というセットを使い回せる設定を選んだのは、続編も予算は少ないということを前提としていたから。「JUNK HEAD」もそうですが、「JUNK WORLD」も予算感を見越して逆算して話を組み立てたので、そこはブレずに作っていきました。

——「JUNK HEAD」は脚本なしで、いきなり絵コンテから描き始めたと伺いました。「JUNK WORLD」は非常に複雑なストーリー展開が特徴的ですが、同じく脚本を書かずに進めていったのですか？

堀：確かに前作はいきなり絵コンテから始めたんですが、それは最初に作った30分の短編ありきで構成したからなんです。一方で今回は最初から長編として作ったので、脚本もちゃんとあります。だからこそ構成的な部分は前作より進化しているかなと思います。

——視点や時間軸を自由に行き交い、さまざまなツイストが加えられた全4部の複雑な構成となっていますが、この設定や構成のアイデアはどのように生まれたのでしょうか？

堀：「時間もの」ってSFの中でも定番のアイデアですし、セットも使い回しができるということで挑戦したいジャンルではあったんです。ただよくある単純なタイムループにしたくないなと思って、時間移動にパラドックスと並行世界という要素を組み合わせることにしました。

難解な物語ではあるんですが、流れを理解したときに「そうか！」という発見のような感覚が生まれると思うんです。ぜひ何度でも観て、その感覚を味わってほしいと思いますね。あと自主制作したパンフレットで説明を尽くしているので、ぜひそれも読んでもらえたらうれしいです（笑）。

——登場人物が日本語を話す、というのは前作との大きな違いですよね。

堀：台詞の内容量が「JUNK HEAD」の倍くらいあったので、字幕じゃ追いつかないなと思ったんです。でも声優さんを雇う予算もないので、自分を含むスタッフ3人でアフレコをやってみたらそれっぽくなりました。

——そこも自分たちで⁉︎ 日本語吹替版と同時に、前作同様のゴニョゴニョ版（日本語字幕）も公開されると聞きました。

堀：僕は日本語版のみでいいと思ったんですが、アニプレックスさんから「人気だから」とゴニョゴニョ版も作るように言われたんです。それほど面白くなるとは思えなかったのですが、完成品を観たらめちゃくちゃ面白くって（笑）。ゴニョゴニョと言ってる言葉に遊び心も盛り込まれていて思いもよらぬシーンで笑えたりするんですよ。下手したらそっちの方が面白いかもしれないので、ぜひどちらも観てほしいですね。

——ストップモーションでありながら、カメラが実写映画的なアクション性のある動きをすることも特徴的ですよね。

堀：自分の中に「実写のような画が撮りたい」ということがまず大前提としてあるんです。自分はゼロから自己流で「コマ撮りを実写のように表現するならこうかな」って試行錯誤していった結果こういう表現になりました。コマ撮りで人形を長時間動かそうと思うと歩かせるだけでも大変なんですが、それをできる限り格好良い構図からたくさんカット割りしたことも実写っぽくなった理由の一つかと思います。

——本作での新たな取り組みとして3Dプリンターを導入したことがあります。複製がいくつも作れるというメリットを語っていましたが、実際3Dプリンターを使用して制作を終えた今、表現的・制作的に変わったことを教えてください。

堀：本当に作り方がガラッと変わりました。「JUNK HEAD」のときは3Dプリンターもなく、粘土をこねて1個ずつ人形を作っていったんですが、今回は代理店が安く3Dプリンターを売ってくれたりしてかなり楽に人形を作ることができました。全部で20台くらい購入したんですが、造形における革命的なアイテムでしたね。

3Dプリンターで作った人形は細部まできれいなので、カメラがパッと寄っても画になるんです。同じ人形を作れるので、別の場所で同時に撮影もできるし、あるとないではまったく別物でした。ただ細かいところを作り込もうと思えば際限がないので、時間やストレスは逆に前より増えたかもしれません（笑）。

自動化できない
人形の色付け

——エンドロールでは撮影風景のほかに、人形の動きを決めるために監督が動きをシュミレーションする様子も映りますよね。

堀：それは「JUNK HEAD」からやっていて、基本的にコマ撮りするときはまず動画で人の動きを撮影するんです。その動画をコマ撮りソフトに入れて、同じ動きを人形で再現していくんですよね。

——今回はどれくらいのセットと人形を作成・使用したんですか？

堀：正式な数はまだ算出していないんですが、セット数は20〜30くらいで、人形は動かせるものだけで200体くらいですね。動かない小さなものなどを含めると倍以上あると思います。

——人形の制作は3Dプリンターの導入で楽になったと思うんですが、セットに関しては手作業ですよね。セットの制作風景がエンドロールに流れますが、改めてものすごく手間がかかっているなと。

堀：赤いグニュグニュに覆われた街が一番大きなセットなんですが、それをメインにしたいなと思ったのでスタジオの一部屋まるまる使って作りました。大工のような仕事ができるスタッフがほぼ1人で、4〜5カ月をかけて完成させてくれたんです。

——カット数はトータルで約2750カットと、前作よりも大幅に増えているそうですね。その分手間も増えたと思いますが、その中で特に苦労したことは何でしょうか？

堀：まず苦労したのは導入した3Dプリンターの使い方も覚えること。「JUNK HEAD」のときも映像作りの勉強から始めたんですが、初めのうちは勉強したことがなかなか結果につながらなくて。前回も今回もそういった時期は焦りがすごくて大変でしたが、その経験は3作目に活きてくると思います。

あと作業的に一番大変だったのが人形の色付けです。そこは自動化できないので、ずっと手作業でした。劇中に別の次元からたくさん出てくるキャラクターがいるんですが、実は画面上で複製しているだけで本当は1体しかいないんです。できれば人形を10体くらい作って撮りたかったんですが、色を塗る作業が大変すぎてそこは楽をさせてもらいました。

——3Dプリンター以外に制作面で大きく変わったことはありますか？

堀：今回から明確に変わったのはフル3DCGのシーンが入っているということ。実は造形物がまったくないカットも何カ所かあります。今回は6人くらいのチームだったんですが、CG経験者も特にいなかったので撮影を進めながらスタッフにCGの使い方を勉強してもらって実践していきました。なのでどアップでもリアルなCGを作れるほどの技術はなかったんですが、人形が少し歩く引きのシーンなどは自然なCGに置き換えることができたかなと。コマ撮りせずに済んだので、時間が短縮できましたし、表現の幅がかなり広がりましたね。

「あるのは妥協する苦しみばかり」

——確かにエンドロールでもグリーンバックが使われている様子が出てきますね。それにしても3、4人で作った前作に続き、今作も6人ほどの少ないチーム編成で作られたことに驚きました。

堀：少なすぎますよね（笑）。以前よりかは少し増えたとはいえ、なんとかやりくりしてギリギリ完成させた感じです。たださすがに今回までですね。身体の負担もすごいので、何とか今回稼いで次はもっと人数を増やしてできればなと。

——ただ少人数だからこそイメージが共有しやすく小回りが利くというメリットもありますよね。今回は以前より少し人数が増えたことで、監督として全体を統率する大変さは以前よりもあったのでは？

堀：その大変さはありましたが、そこはもう諦めるしかない。自分が思い描いた通りにいくことなんて絶対にないから、どこまで妥協してそれっぽく近づけるかというストレスとの戦いです。どこまでこだわるか、どこで妥協するかというせめぎ合いは自分の中ではずっとあるんですが、いずれは克服しなきゃいけないことなので。完璧にイメージ通りにしようと思うと全部自分一人でやるしかないけど、そんなことは無理ですから。だからできることは自分と似た感性のスタッフを集めて、みんなでレベルアップしながらベストを尽くすこと。それはこれからも変わらないと思います。

——本作を観ていると妥協があったとは全然感じないのですが……。

堀：基本的に本作の制作過程ですることは全て妥協なんですよ。というのも自分の頭の中には、何百億円レベルの製作費をかけて作るような「JUNK WORLD」のイメージが明確にあるんです。でもそれをいかに少ない予算の中コマ撮りで再現して、どこまでの表現であれば許容できるかと常に葛藤していて。だから映画制作中に「何かを作り出す喜び」は自分にはほとんどないんです。あるのは妥協する苦しみばかりなので（笑）。

——監督の脳内には、それこそ「スター・ウォーズ」並に壮大な“JUNK”シリーズの世界があるということですね。その壮大な世界観のイメージは初期段階から出来上がっていたのですか？

堀：3部作構成自体は頭にありましたが、「JUNK WORLD」の詳細が浮かんだのは「JUNK HEAD」が完成してからですね。完成してからもしばらく公開できなくて、このままでは3部作として作れないかもと思っていた時期がありまして。なら続編は前日譚として作って、それだけでも成り立つ物語にしようと思ったんです。

——ちなみに前作のカメラはCanonのkiss X4を使用していたかと思います。そこは変化なしですか？

堀：モデル名は忘れましたが今回はSonyのカメラを使用しました。前作は初めての映画制作ということもあり、映画の撮影としては比較的安価なカメラを使ったんです。それでも上手くできたのはコマ撮りだからこそですね。

——例えばギレルモ・デル・トロ監督は、ストップモーションについて「アニメーターと人形の絆を感じる最も美しいアニメーション。制作の過程が分かる不完全さこそ魅力」と語っていました。唯一無二の質感と動きを見せるストップモーションの魅力について、監督はどのように考えていますか？

堀：僕の場合、「どうしても映画を作りたい」と考えて手段を探した結果、コマ撮りを選んだので好きというわけではないんですよね。楽しいですけど、たまに「なんでこんな面倒くさいことを……」と思うときもありますし（笑）。ただ、置いてあるだけだとモノにしか見えない人形を、触り動かすことで命が宿る瞬間というのはやはり良いですよね。人形が感情を持ったと感じると、愛着が湧いてもうほっとけなくなっちゃいますから。実は「JUNK WORLD」で制作した人形はほぼほぼオークションで売る予定なんですよ。それも作品の売りにしようかなと思っています（笑）。

SF的な物語に惹かれる理由

——監督は前作に影響を与えた作品を質問された際に「不思議惑星キン・ザ・ザ」と答えていましたが、「JUNK WORLD」ではより色濃くその影響を感じました。それ以外にも、映画に限らずインスピレーション源となった作品はあるんですか？

堀：「不思議惑星キン・ザ・ザ」のシュールなクスッとくる笑いが好きなんですよね。その辺りはクリエイティブ面で影響を受けていると思いますし、映画だと「エイリアン」や「ヘルレイザー」などにも影響を受けたと思います。漫画であれば弐瓶勉さんの「BLAME!」とか。だけど一番大きいのは夢枕獏さんの作品をはじめとする小説だと思います。基本的にあまり文字が読めない体質なんですが、すごく読みやすいと感じる小説がたまにあって。それを読んでいるときに頭の中に浮かんでくる風景が、映画作りをする上で何よりのインスピレーション源になっていると思います。

——本作も最初から鮮明なイメージがあったと仰っていましたが、そうやって頭の中に鮮明な映像が浮かぶのは昔からなんですか？

堀：そうですね。例えば小さくなってこの机にある溝の上を飛んだり、アリ目線で自分を見上げたらどう見えるのか……といった風景をイメージすることは昔からやっています。

——監督がとりわけSF的な物語に惹かれる理由はなんなのでしょうか？

堀：映画はジャンルに限らず好きですが、SFは見たことがないものを見られる興奮があって惹かれるんですよね。ただほとんどが変わった設定やビジュアル頼りで、ヒューマンドラマなどに比べると物語的に面白いとか揺さぶられたと感じるSFはなかなかなくて。だから自分で作る映画では、登場人物に魅力がある物語的にも面白い作品にしたいと思っていますね。あと笑いを交えたSFが少ないので、あえて自分はユーモアを積極的に入れるようにしています。

——前作に続き今作もアクションシーンにこだわりを感じますが、アクション映画も好きなんですか？

堀：先ほどジャンルに限らず好き……と言いましたが、実はアクション映画は嫌いなんですよ。アクションそのものは映画の味付けとして必要だと思いますし好きなんですが、アクション映画ってひたすらアクションしているじゃないですか。それを観てると「いつ終わるんだろう……」となっちゃって（笑）。みんなアクションが好きなのは知っているので動きの参考として観ることはありますが、ジャンルとしては好きになれないんですよね。

——監督自身が面白いと感じた映画を、制作スタッフのみんなで観る会を毎週していると発信されていましたね。

堀：最初の方はやっていたんですが、やはり制作が忙しくなると同時に開催されなくなりました。映画を選ぶのにも時間がかかるしその時間で勉強した方が良いなと思いまして。でも作品のイメージや目指す面白さを共有できたし、「スカーフェイス」や「バグダッド・カフェ」など自分が昔観て影響を受けた作品をみんなで観られたのは良かったですね。

——「JUNK」シリーズ最終章の「JUNK END」の制作はどの段階なのでしょうか？

堀：あらすじはできているんですが、脚本や絵コンテはこれからですね。それを作るために九州の実家にこもってしばらく集中しようかなと思っています。ただキャラのデザインはおおよそできているので、スタジオのスタッフにはそれを基に先行して造形物を進めてもらう予定です。数年後の公開予定で進めているのでご期待ください。

——Xの投稿によれば、実写作品の構想もあるそうですね。

堀：はい。紹介文で「アニメーション監督」って書かれるのが嫌なので、実写映画はなんとしてもやりたいなと思っています。いくつかアイデアはあって、ヒグチユウコさんのキャラクターを登場させる映画や、これまでなかったゾンビ映画なんかを構想中です。あと実家が九州の山奥にあるんですが、そういう山奥で作れる映画もないかなと考えたり。

——「JUNK」シリーズのみならず、監督が作品を作る上で心掛けていることを教えてもらえますか？

堀：映画作りをする上で根源にあるのが「観たことがないものを観たい」という欲求なので、重視しているのは新しい価値観や世界観を描くことですね。さらに観た人には感動もしてほしいので、プラスで魅力的なキャラクターや展開を作っていきたいなと。あと映画は当然ビジネスなので、何回も観たくなるような映画にもしなきゃいけない。でも結局一番大事なのは、自分が観て面白い作品かどうかということですね。だから今後も自分が観て楽しめる映画を作っていきたいと思います。

PHOTOS：HIRONORI SAKUNAGA

「JUNK WORLD」

■「JUNK WORLD」
監督・脚本・撮影・照明・編集：堀貴秀
全国公開中
配給：アニプレックス
©YAMIKEN
https://junkworld-movie.com/

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モデル、タレントの梨花が手掛けるトータルセルフケアブランド「アクニー（AKN/R）」から7月24日、新たにスキンケアラインを発売する。ハリ、艶、潤いの効果実感を追求するため、美容医療や科学研究に基づいたアイデアを植物由来成分と融合し開発した。

6月10日に行われた商品発表会では、ファウンダーの梨花が登場。今年11月で迎えるブランド設立3周年を前に、「アクニー」立ち上げ時を振り返る。「年齢を重ねる中で、だんだん美しさから逆行していくような気持ちになり、鏡を見るのが嫌になってしまった40代。今の時代、いろいろな捉え方ができると思いますが、それでも“老いる”ということはネガティブ。人前に出る仕事をしている私にとって、本当に最悪なことなんです。もうすぐ50代になるというタイミングで“そんな自分を払拭したい”“一生懸命ポジティブになれる要素を見つけ出して楽しく生きていきたい”と思い、行き着いたのがセルフケアでした」。

2022年11月のブランド立ち上げ時、第1弾商品として発売したのはヘアケア。1人の女性として抱える悩みに向き合った結果、“薬用ヘアスカルプセラム”（80mL、7800円）にはエキス化したバラ酵母を日本で初めて（リンカーンから採取・抽出したバラ酵母エキスを配合した育毛剤として）育毛剤に配合。持ち前のセンスでパッケージもスタイリッシュに仕上げ、女性でも手に取りやすい育毛剤として消費者の心をつかんだ。

新たに登場するスキンケアラインについて、「元々アパレル業に携わることが多かったこともあり、スキンケアラインを出すことにすごく緊張しています」と語る。「これまでに手掛けた商品は、割といつも“自分軸”で商品開発をしてきましたが、今回のスキンケアに関しては、世の中の声にたくさん耳を傾けてきたつもりです。だからこそちょっと新鮮な気持ち。“植物と科学の力の融合”って、ありがちな言葉に聞こえるかもしれませんが、使ってみると本当に良さを実感できます」。

ラインアップは、肌を守りながらメイクを落とすオリーブ油ベースのクレンジング“バランシングクレンジングオイル”（120mL、4950円）、植物由来成分の独自カプセルが肌の上で弾けるジェル洗顔“バランシングフェイスジェルウォッシュ”（80g、4400円）、皮膚構造に近い分子構造で肌にすっとなじむ化粧水“バランシングブーストオイルローション”（110mL、4950円）、レチノールとパンテノールを配合した夜用集中美容液“バランシングリポナノセラム”（25mL、8690円）、肌補正をかなえるジェルと潤いをキープするクリームを格納した“バランシンググロウデュオクリーム”（60g、5940円）。

「“バランシングブーストオイルローション”はとろみのあるブースター化粧水。とにかくぐんぐん肌に入っていく感じを実感していただけると思います。その後にレチノール入りの美容液“バランシングリポナノセラム”を使うことで、より効果を実感できるはず。仕上げの“バランシングデュオクリーム”は、年齢や肌質によってジェルとクリームを調整しながら使うことができます。使うことで得られる効果実感も大事ですが、“見て”わかりやすく、気分が上がることも大切。発光感があるジェルを使うことで、寝る前にもキラキラするような艶肌に。ちなみに私は毎晩、ジェル→クリーム→ジェル→クリームの後、最後はジェルとクリームを混ぜて肌に塗ってから眠ります」。

期待が高まる新ラインの発売。最後に、今後のブランドの展望を尋ねた。「インナーケアの開発にも興味がありますが、その時の時代の流れでも商品展開は変わってくると思います。それ以前に、もっとブランディングを強化していきたい。『アクニー』はウェブから始まったブランド。さまざまなウェブ広告があふれているからこそ、信用とのバランスはとても難しいと思います。そんな中で『このブランドだったら大丈夫！』と言ってもらえるような絶対的な存在になれるよう、アプローチしていきたいと思います」。

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モデル、タレントの梨花が手掛けるトータルセルフケアブランド「アクニー（AKN/R）」から7月24日、新たにスキンケアラインを発売する。ハリ、艶、潤いの効果実感を追求するため、美容医療や科学研究に基づいたアイデアを植物由来成分と融合し開発した。

6月10日に行われた商品発表会では、ファウンダーの梨花が登場。今年11月で迎えるブランド設立3周年を前に、「アクニー」立ち上げ時を振り返る。「年齢を重ねる中で、だんだん美しさから逆行していくような気持ちになり、鏡を見るのが嫌になってしまった40代。今の時代、いろいろな捉え方ができると思いますが、それでも“老いる”ということはネガティブ。人前に出る仕事をしている私にとって、本当に最悪なことなんです。もうすぐ50代になるというタイミングで“そんな自分を払拭したい”“一生懸命ポジティブになれる要素を見つけ出して楽しく生きていきたい”と思い、行き着いたのがセルフケアでした」。

2022年11月のブランド立ち上げ時、第1弾商品として発売したのはヘアケア。1人の女性として抱える悩みに向き合った結果、“薬用ヘアスカルプセラム”（80mL、7800円）にはエキス化したバラ酵母を日本で初めて（リンカーンから採取・抽出したバラ酵母エキスを配合した育毛剤として）育毛剤に配合。持ち前のセンスでパッケージもスタイリッシュに仕上げ、女性でも手に取りやすい育毛剤として消費者の心をつかんだ。

新たに登場するスキンケアラインについて、「元々アパレル業に携わることが多かったこともあり、スキンケアラインを出すことにすごく緊張しています」と語る。「これまでに手掛けた商品は、割といつも“自分軸”で商品開発をしてきましたが、今回のスキンケアに関しては、世の中の声にたくさん耳を傾けてきたつもりです。だからこそちょっと新鮮な気持ち。“植物と科学の力の融合”って、ありがちな言葉に聞こえるかもしれませんが、使ってみると本当に良さを実感できます」。

ラインアップは、肌を守りながらメイクを落とすオリーブ油ベースのクレンジング“バランシングクレンジングオイル”（120mL、4950円）、植物由来成分の独自カプセルが肌の上で弾けるジェル洗顔“バランシングフェイスジェルウォッシュ”（80g、4400円）、皮膚構造に近い分子構造で肌にすっとなじむ化粧水“バランシングブーストオイルローション”（110mL、4950円）、レチノールとパンテノールを配合した夜用集中美容液“バランシングリポナノセラム”（25mL、8690円）、肌補正をかなえるジェルと潤いをキープするクリームを格納した“バランシンググロウデュオクリーム”（60g、5940円）。

「“バランシングブーストオイルローション”はとろみのあるブースター化粧水。とにかくぐんぐん肌に入っていく感じを実感していただけると思います。その後にレチノール入りの美容液“バランシングリポナノセラム”を使うことで、より効果を実感できるはず。仕上げの“バランシングデュオクリーム”は、年齢や肌質によってジェルとクリームを調整しながら使うことができます。使うことで得られる効果実感も大事ですが、“見て”わかりやすく、気分が上がることも大切。発光感があるジェルを使うことで、寝る前にもキラキラするような艶肌に。ちなみに私は毎晩、ジェル→クリーム→ジェル→クリームの後、最後はジェルとクリームを混ぜて肌に塗ってから眠ります」。

期待が高まる新ラインの発売。最後に、今後のブランドの展望を尋ねた。「インナーケアの開発にも興味がありますが、その時の時代の流れでも商品展開は変わってくると思います。それ以前に、もっとブランディングを強化していきたい。『アクニー』はウェブから始まったブランド。さまざまなウェブ広告があふれているからこそ、信用とのバランスはとても難しいと思います。そんな中で『このブランドだったら大丈夫！』と言ってもらえるような絶対的な存在になれるよう、アプローチしていきたいと思います」。

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現在、東京・銀座のグッチ銀座ギャラリーで開催している、横尾忠則の個展「横尾忠則 未完の自画像―私への旅」で展示中の真っ赤な足場のインスタレーション《未完の足場》と一部作品が香川・豊島と大阪のグッチ大阪、心斎橋大丸 グッチ ショップ、心斎橋大丸 グッチ サテライトショップに新たな作品として登場した。
豊島では「グッチ」と横尾のコラボレーション第2弾として、鉄工所を改修したカフェレストラン「Teshima Factory」の向かい側にある倉庫に真っ赤な足場が組まれ、銀座で開催中の個展から新作「椅子だらけの自画像」「赤坂御苑」と、数ある作品の中でも人気の高いY字路のシリーズから「Y字路を描く」「夜の足音」「バルビゾンへ」が、それぞれ圧倒的な存在感を放つスケールのアートウォールとして展示されている。同作は、「Teshima Factory」のメイン入口から見える壁面と家浦港に向いた壁面の２面に展示されていて、赤い足場の上には作業服に身を包んだ赤い人物も見られる。

また、グッチ大阪と心斎橋大丸 グッチショップ、心斎橋大丸 グッチ サテライトショップのポップインでは《未完の足場》が各店内に再現され、今回新たに制作した《キャベツの女》をモチーフにしたグラフィックが展示されている。心斎橋大丸 グッチ サテライト ショップでは、「グッチ」のロゴにカタカナの“グッチ“の文字を大胆に重ねた作品も登場した。銀座と豊島、大阪を《未完の足場》によって結ぶようなイメージで構成された複合的な展示は、展覧会のタイトルにある“旅”を想起させ、“未完“は単なる進行中の作品状態を意味するのではなく、むしろ芸術観そのものに深く根差した、永遠に完成しない“横尾“の創作の基本理念を示しているようでもある。

グッチ銀座で公開されているインタビューで横尾が、建築の観点から足場について「完成がゴールではなく、プロセスの時間のみが建築の生存期間であり創造」と言及しているように、1970年の大阪万博でも注目されたインスタレーションの《せんい館》が、現在に再構築され新たに《未完の足場》が発表された。
2020年にグッチ渋谷 ミヤシタパークがオープンした際のコラボレーションがダイナミックに発展した形で実現した展覧会は、対照的な3つの場をまたがる多層的な美術体験を通して、「未完」というテーマがどのように立ち上がってくるのか、それぞれの展示を通じて理解を深めていく試みのようでもあるので、銀座、豊島、大阪の3ヵ所を巡りながら実際に体験してみてはいかがだろうか。

◼️「横尾忠則　未完の自画像―私への旅」
会期：8月24日まで（予定）
時間：11:00〜20:00（最終入場 19:30）
場所：グッチ銀座 ギャラリー
住所：東京都中央区銀座4-4-10 グッチ銀座 7階
入場料：無料（予約優先制）

◼️豊島アートウォールプロジェクト
会期：8月24日まで（予定）
住所：香川県小豆郡土庄町豊島家浦889　→　teshima factoryの住所にしています。

◼️グッチ大阪
住所：大阪府大阪市北区梅田2-2-22 ハービスプラザエント1、2階
営業時間：11:00〜20:00

◼️心斎橋大丸 グッチショップ
住所：大阪市中央区心斎橋筋1-7-1 心斎橋パルコ1、2階
会期：8月24日まで（予定）
営業時間：10:00〜20:00

◼️心斎橋大丸 グッチ サテライトショップ
住所：大阪府大阪市中央区心斎橋筋1-6-6
会期：8月24日まで（予定）
営業時間：10:00〜20:00

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2020年2月3日、横浜港の沖合に停泊していた豪華クルーズ船「ダイヤモンド・プリンセス」の船内で、新型コロナウイルスの感染が明らかになった。未知のウイルスに最前線で対応したDMAT（災害派遣医療チーム）の奮闘を描く映画「フロントライン」が6月13日に公開される。当時、船内で何が起きていたのかを入念にリサーチし、歴史的事実に基づく物語としてオリジナル脚本で映画化した。この意欲的かつ挑戦的な大作に参加したのは、小栗旬、松坂桃李、窪塚洋介、池松壮亮ら主演級の俳優たちだ。監督に抜擢されたのは、映像作家・映画監督として世界的に活躍し、注目を集める関根光才。ドラマ映画とドキュメンタリー映画という2つの領域で創作してきた関根が、骨太ながらも間口の広い社会派のヒューマン作品を完成させた。その創作の視座を探る。

劇映画とドキュメンタリー映画を
自然に行き来する

——映画「フロントライン」の監督は、オファーだったそうですが、やりがいや魅力をどこに感じましたか。

関根光才（以下、関根）：新型コロナウイルスについての話で、しかも端緒になった船の事件の映画化は、いずれ誰かがやらなければいけなかったと思います。それを今の日本で、オリジナルの脚本で、しかも社会的なコンテクストを持った映画をこの規模で作るというのはなかなかないことなので、ぜひやらせてもらいたいと思いました。何より増本淳さんの脚本が素晴らしかったんです。「コード・ブルー -ドクターヘリ緊急救命」（フジテレビ）や「THE DAYS」（Netflix）などの社会派ドラマをプロデュースされた増本さんが、丹念なリサーチをして作った脚本の、事実の説得力に心を奪われました。

——関根さんがこれまで監督してきた映画は、小説が原作の劇映画（生きてるだけで、愛。」「かくしごと」）もドキュメンタリー映画（「太陽の塔」「燃えるドレスを紡いで」）も社会性をはらんでいます。「フロントライン」で2つの領域を融合したいという意識はあったのでしょうか。

関根：そこの行き来は自然にしていたので、今回も特別そういう意識はありませんでした。ただ、ドキュメンタリーはそのトピックに興味を持っている人以外、お客さんの幅が広がらないんです。みんな、そこのトピックに興味を持ってほしくてドキュメンタリーを作るんですけど、その層へのアプローチが難しい。なのでこういうエンターテインメントとしての劇映画を作って、「小栗さんが大好きなんです」という動機で映画を見に来ていただけたらむしろありがたくて、その中で当時を振り返って考える端緒があればそれでいいかなと。そういう意味で、実際に起きた事件を扱いつつ、エンターテインメントのレベルみたいなものは意識していました。

——実際に起きた事件を扱う上で、過去のドキュメンタリー映画の経験は役立ちましたか。

関根：役立ったと思います。僕は映像を撮るという行為自体がかなり攻撃的なアクションだと思っています。特に被写体が何かの被害者であったり、すごく困窮している状況にいたりする場合、その人たちに「何があったのかを教えてください」とカメラを向ける行為自体に加害性がある。しかも被写体の方は、それがどう切り取られてどういう映画になるのかが分からないわけですし。今回も事件からまだ5年しか経っていないので、当時を振り返ることがつらい人が結構いると思います。しかも背景にたくさんの人たちがいる。ダイヤモンド・プリンセス号の乗客やクルー、DMAT、引いて見れば僕たち全員の人生と地続きの事件なので、どこかに傷つく人がいるかもしれない。それを乗り越えてでも作りたいと思えるのか、それならばどういう内容をどう撮るのかを非常に考えました。

——その意識があると、実際の演出の仕方や編集は変わってくるのでしょうか。

関根：もともと僕は過剰な演出が非常に苦手なんです。自分がお客さんとして映画を見るときも、事実に基づいたお話を、派手に、ヒロイックにエンターテインメント化するタイプの映画が苦手だったので、そこはかなり抑制的にやっている意識ではいました。今回も引き算しまくったわけではなく、自然にそうなっていった感覚です。

——「未曾有のパンデミックで人命救助に命をかける人々を描くお仕事ドラマ」として、壮大な音楽をつけてエンターテインメント化する方法もありえましたよね。

関根：そうなりがちですよね。日本映画でもハリウッド映画でも映画の定型文みたいなものとして刷り込まれたものがある。それは一回脇に置いて作りたいと思いました。

——キャスティングには関根さんも関わったのでしょうか。

関根：増本さんと話し合っていく中で、まず、この巨大な、とてつもなくいろいろな人間の背景が伴う話を乗せてくれる船（主人公）は小栗旬さんだなと、すぐに合致しました。脚本を読んだ小栗さんから「やりたい」というお返事をいただいて。その後小栗さんから、「仙道役に窪塚（洋介）さんはどうか」という提案をいただいて、「最高ですね」と返しました。メインキャストの4人（小栗旬、松坂桃李、窪塚洋介、池松壮亮）に関しては全員異論なしでスパッと決まった感覚があります。キャスティングに関して、当時はいろいろあったのかもしれませんが、難儀だったことはすっかり忘れてしまっています（笑）。

——重要な才能です（笑）。それにしてもメインの4人の顔ぶれに驚きました。全員主役級で。

関根：すごいですよね。普段だったら主役を張る立場の松坂桃李さんや池松壮亮さんが、ある種のサブキャラクターとして「やりたいです」と言って参加してくれました。本当にありがたいです。

——個人的に、日本の大作映画に出てくる、メインキャラクターではない外国人キャストの芝居に眉をひそめることが多かったのですが、今回は皆さんのお芝居がとても良かったです。

関根：僕も日本映画に出てくる外国人の芝居がすごく気になっていたんです。日本の映画がインターナショナルに行かない大きな原因の一つだとも思っていました。今回のような大作だと予算が潤沢だと思われそうですが、それでも海外からの招聘はできなかったので、日本にいる方でキャスティングすることになり、探して探して探しまくりました。あまりにも僕がオーディションをするので、プロダクションの人たちからは若干「正気か？」と思われたかもしれません（苦笑）。ブラウン夫妻の奥さん役をやってくださった方は映像初出演でしたし、ノアとジャック役の兄弟はそもそも演技が初めてでした。あの兄弟があまりにも泰然としていたから、松坂さんが「この子たちは本当に初めてなんですか？」と驚いていました。

——あの少年たちはリアル兄弟なんですね！　外国人キャストへの演出は、関根さんが通訳を介さずに直接つけたのでしょうか。

関根：基本的に、ある程度は。英語指導の松崎悠希さんがいろいろな面でサポートをしてくれました。特に森七菜さんは非常に難しい英語のセリフがかなりあったので。池松壮亮さんもたくさんの時間を使い、トレーニングをしてくれました。松崎さんも日本の映画を海外に届けたい、日本の作品をインターナショナル・スタンダードに引き上げたいという思いがすごく強い方でした。

関根監督流「引き算」の演出

——関根さんの監督作の中で、今回は最も規模が大きい作品になったと思います。自分の今までのやり方を変える必要はありましたか。それとも自分のやり方を貫いたのでしょうか。

関根：自分のスタイルというものをあまり意識していないというか、自分の刻印を作品に残すことにそこまで興味がないんです。特に今回は話の内容的に、「自分のもの」という意識が全くないので、脚本や企画に対して最適なアプローチが何かを自分なりに考えるというやり方でした。それでも監督やカメラの刻印や味はどうしても出てしまうものなので、それくらいで十分だと思います。

——関根さんはCM出身ですし、過去2作のドキュメンタリー映画を拝見すると、ビジュアリストという印象を受けます。でも、監督した劇映画3本を拝見して、「演出の人」だと思いました。俳優が演じるキャラクターがちゃんとその人物としての意思を持って物語の中で動いているから、観客が違和感なく物語に乗っていける。だからどの作品もあっという間に感じるのかなと。

関根：それはとてもうれしい感想です。僕はどんな配役であっても、役者と役はどこかでクロスオーバーすると思っています。例えば連続殺人鬼の役だったとしても、全部を掘り下げてみると、「父親にこういうことをされたからこうなったのは、ちょっと分かるかもしれない」という引き出しの開け方があると思うんです。そこを引き出して自分として演じると、その人本人になるから演技に嘘がない。今回もその要素を意識しました。とてつもなく経験値がある方たちばかりなので、今みたいな細かいことを言う必要はもちろんなかったですが。

——おっしゃる通り、俳優が優れているとは思います。でも、それを潰してしまう演出家もいます。それがプラスに機能する作品もありますが。関根さんがどうやって彼らの良さを引き出しつつ、キャラクターとの一体化へと導いているのかが気になります。

関根：環境作り、場所作りはすごく大事にしています。あとは目指しているゴールが同じかどうかという確認もしているかもしれません。

——どのように？

関根：普通にたわいもない話をしていくと、お互いが好きな作品や、実際に何が大事なのかを分かり合っていくと思うんです。正直、言語を超えている部分は相当あると思います。ある芝居を見せてくれた後に、「こうだとどうですか」という返し方をすると、皆さん経験値が高いので、それがどういう意味を持っているかを深いところまで理解してくれます。唯一何かあるとすれば、やはり引き算でしょうか。現場でも、「大丈夫です、そんなやらなくても」と言うことは多いかもしれません。なぜかというと、やはりリアルが一番美しいと思うので。映画を見ていると、生活の中で出会った美しいモーメントの記憶や、人間関係がリコール（想起）されることがある。 そこが映画の面白いところだと思うので、そういうアプローチをしているのかもしれません。

——コンテは描きますか？

関根：CMからこの世界に入ったのでコンテを描く人だと思われがちですが、映画では全く描かないです。コンテは役者を制限することでもあるので。VFXが絡むシーンやアクションシーンは描いた方がいいと思いますし、ビジュアルアート的な映画を撮るのであれば、必要性を感じることもあると思います。それ以外では僕はコンテのメリットを感じません。

——役者の演技を制限しないスタンスもそうですが、関根さんは人間のエネルギーを信じているように感じました。ドキュメンタリー作品も人間を通してテーマに迫るものになっていますし。

関根：「人間のエネルギーを信じている」という表現は、非常に近いと思います。自然現象のようなものも大好きですが、でも結局撮りたいものは人間というトピックだったりするんですよね。

——撮影監督の重森豊太郎さんも「人間」を撮る名手ですよね。「生きてるだけで、愛。」以外でも一緒にやられてきている？

関根：はい。同じチームで長いので、500%の信頼をお互い置きながらやっていると僕は思っています。視点の近いところもあるので。重森さんとは「これはこうじゃない」みたいな感じが一切なく、「あ、そうだよね」と進んでいきます。それでも事前のシミュレーションは入念にします。毎回全シーン全カットをシミュレーションした上で、現場でそれを崩すというやり方です。みんなの芝居の動きを見て、「これはこうなるね」と目配せしてやる感じに近いですね。

映画だからこそできること

——いろいろなメディアで映像作品を作ってきましたが、関根さんにとって映画というメディアだからできることとは。

関根：時間軸として、映画は人間が見るに耐え得る長さなんですよね。1時間半から2時間、作品によっては3時間のパッケージの中で人に見てもらおうとしたときに、「消費してください」という作り方もできると思います。でも、せっかく時間を使って見てもらうのだから、面白さとともに、その人にとって何かいいことが起きたらいいなという願いを込めて作っているところはあると思います。「これはすごく甘い飴なんですけど、中にこんな薬を入れました。勝手にすみません」みたいなこともできるのが、映画の面白さだなと思っています。でも結局のところはシンプルで、自分や自分の仲間が映像を撮ることで、見た人たちに面白いと思ってもらえたら、少しでも世の中が面白くなればいいなと思います。

映画は社会や他の人の人生に、「面白い」「楽しい」「感動した」というポジティブな影響を及ぼすこともあり得る一方で、その反作用として、誰かをこちらにとって都合のいい思想や意識、善悪に誘導することもできてしまう諸刃の剣です。それが映画のすごく大事なところであり危ないところであることを、常々かなり意識するようにしています。

——見た人の人生にプラスの何かがあればいいという思いは崇高ですが、それを目的とした映画はプロパガンダや価値観の押し付けになりかねないということですね。

関根：紙一重ですよね。「社会が良くなったらいいな」という思いでいろいろな社会活動をしましたが、途中で「社会が良くならなければいけない」と思うのは非常に危ないことだなと感じるようになりました。映画を作るときは本気で作りますが、最終的に届けるときは「何かいい影響があったらいいな」とふわっと思うくらいのスタンスがいいかなと思っています。

日本でいいものを作って世界に届けていく

——そもそも、映画監督を目指したきっかけは？

関根：映画監督にならなければいけないという思いはあまりなかったです。どの立場でもいいから映画作りに携わってみたいと思っていました。

——そうだったんですね。観客としてはどういう映画が好きですか？

関根：やはり社会的な映画がすごく好きです。例えば、エミール・クストリッツァ監督の「アンダーグラウンド」（1995年）では、自分が持ったことのない感情を初めて感じました。ユーゴスラビアについての映画なのですが、僕がアメリカに留学していたときに、ユーゴスラビアから来たダンサーの留学生がいたんです。僕が初めて出会った、政情が不安定な国出身の人でした。この映画の、本土から小島が離れていくラストシーンを見て、泣きました。自分には日本という自分が生まれた国があるし、帰る場所がある。でも、ユーゴスラビアからの留学生のように、そうじゃない人たちの感情がこんなにも強烈だということを、映画から教えてもらった体験でした。

——日本の映画作家からの影響はありますか？

関根：昔の日本映画がはらむ「狂気」みたいなものに惹かれます。新藤兼人さん脚本の「しとやかな獣」（1962年）はすごくフィクショナルな密室劇ですが、どこかで「人間ってこういうものかもしれんな」という本質を感じさせてくれる。箱庭に閉じ込められたような表現も面白いなと感じながら見ていました。

——関根さんはユニバーサルな感覚を持っていて、日本という場所で作品を作って、世界に届けようとしている方なのかなという印象を受けていました。

関根：結局、ある種の芸術に関わって何かを表現するときに、「おしゃれ」だとか「かっこいい」だとか、そういう下衆な考えで海外にある面白いものを真似して作っても、すぐにばれるんです。自分でも昔、海外の撮り方を真似して作ったらどうなるのかなという実験をしてみた結果、これは絶対に長く続かないだろうなという実感がありました。

海外に行くと、「あなたは誰ですか」「あなたは何を思い、何を考え、何をどうしたいんですか」と聞かれるんですね。そこを見つめ続けると、最終的に残るのは自分のアイデンティティーなんです。日本人であることや、日本に生まれ育った環境や家族、自然や葉っぱの香りがすごく好きだったなとか、人間なんて結局はそういうことしかないんだなっていう（笑）。どういう環境で生まれた人も、自分のホームグラウンドに立ち返って、そこから自分のルーツを大事にして地に足のついた表現をすることが必要になってくる。僕も、日本でいいものを作って世界に届けていく人間の1人でありたいなと思っています。そのあたりは、岡本太郎の思想に非常に共感しています。

——ドキュメンタリー映画「太陽の塔」で、岡本太郎の「芸術家は世界の全てを知っていなければいけない」という言葉を引用していました。関根さんはご自身を芸術家と思いますか？

関根：自分のやっていることが芸術かどうかはあまり意識していません。というのも、自分の両親がそう（芸術家）だったので、芸術家であることへの憧れがとてつもなく低くて（笑）。中高生ぐらいで「なんで両親とも家に全くいないのか、何をしているのか」と思っていました。両親の周りのアーティストたちは金を借りて逃げるとか、そういう人たちもいる中で、自分はサラリーマンになって堅実に生きたいと思った時期もありましたが、結局は血を争えなくなってきてしまいました。

——映像作家として、関根さんは今の社会をどう見ているのでしょうか。

関根：この映画「フロントライン」がまさにそうですが、事実だけで劇映画ができてしまうぐらい現実が強烈なんです。現実がフィクションを凌駕してしまっている。その時代に、「あなただったらどうしますか」という問いに答えを出すのは非常に難しいですよね。しかも、捏造された真実がたくさんありますし、正直言うと、映像がそこに加担してしまっています。映像を取り巻く環境が非常に難しい時代に、こちらにできることがあるとしたら、いろいろなことをちゃんと疑ってみる。「疑う」という言葉はネガティブに聞こえますが、何が真実か分からない今の時代には、どうしても必要にならざるを得ないような感覚があって。それが自分にとって、みんなにとって大事なものなのかを、ちゃんと見据える目線をそれぞれが持たないといけなくなってしまった。非常に難しい時代に来ていますが、映像を作るなら、そういう本質を共有できたらいいなと思っています。

——「フロントライン」がまさに、多くの人と共有できる映像作品だと思います。これから作るものもやはり社会性のあるものですか？

関根：今、2つほど準備しています。どちらもある種の社会性はありつつ、どこかでエンターテインメントになっているのですが、今回よりもフィクションの要素がずっと強いので「どうなるのかな」と思っていて。何かしら社会的な事柄がどうしても気になってしまい、そういうモチーフを入れたくなるところはあります。たまにはそうではないやつもやりたいとは常々思っていますが、「結局はあれ？　行き着いちゃった」みたいな（笑）。

——それが「関根光才の刻印」なのかもしれませんね。

PHOTOS：MAYUMI HOSOKURA

映画「フロントライン」

■映画「フロントライン」
6⽉13⽇から全国公開
出演者：⼩栗旬
松坂桃李 池松壮亮
森七菜 桜井ユキ
美村⾥江 吹越満 光⽯研 滝藤賢⼀
窪塚洋介
企画・脚本・プロデュース：増本淳
監督：関根光才
製作：「フロントライン」製作委員会
制作プロダクション：リオネス
配給：ワーナー・ブラザース映画
©2025「フロントライン」製作委員会
https://wwws.warnerbros.co.jp/frontline/

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映画「ちょっと思い出しただけ」（2022年）や「不死身ラヴァーズ」（24年）などの映画作品や、テレビドラマ、舞台、小説など、メディアを問わず精力的に表現活動を続ける松居大悟監督。彼が「師匠」と尊敬する、ヨーロッパ企画の上田誠と初タッグを組んだ映画「リライト」が６月13日に劇場公開される。

夏の尾道を舞台に繰り広げられる“タイムリープ×青春ミステリ”で、主人公の美雪を演じているのは池田エライザ。クラスメイトの茂を演じる倉悠貴は、池田の初監督映画「夏、至るころ」（20年）で主人公に抜擢されてスクリーンデビューした関係にある。「リライト」で俳優として初共演を果たした2人の対談から、表現者としてのそれぞれの現在地を探る。

映画「夏、至るころ」から
俳優初共演まで

——「リライト」でクラスメイト役を演じると知ったときの、率直な心境を教えてください。

倉悠貴（以下、倉）：エライザさんは僕が初めて出た映画（2020年「夏、至るころ」）の監督なので、僕にとって「映画といえば池田エライザ」なんです。言ってしまえば恩師というか、師匠のような存在です。あれから5、6年が経った後に俳優として会うのは緊張しましたし、プレッシャーがありました。まるで「現場に監督が２人いる」ような。でも、実際に（現場に）入ったらそんなことはなくて。

池田エライザ（以下、池田）：（俳優で呼ばれた現場で、他の俳優に）演出しないです（笑）。

——倉さんは、松居監督のOKが出ても、つい池田さんの方を見てしまっていたそうですね（笑）。

池田：やりづらいだろうな、かわいそうだな、とは思いました（笑）。でも、こういう形での巡り合わせが不思議だし、いち俳優としても、すてきな形で話題になっている作品に出ている倉君が、「リライト」に出てくれることがうれしかったです。

倉：僕ももちろんうれしかったです。エライザさんは「自由にやりなさい」という感じでいてくれて、すごくやりやすかったです。思い切ってやれました。でも、「成長した姿を見せられるかな」という、役とは別のところでの緊張感がありました。

——池田さんは倉さんの成長を感じましたか？

池田：きっと成長しているだろうなとは感じますけど、私自身が人の成長を語れるほどお芝居が上手じゃないので。（倉に向かって）そもそも、すてきじゃないと抜てきしないから。主演に選ぶって相当な覚悟が必要なことだし。正直、「夏、至るころ」はキャスティングにすごく難航していて。感情の機微や行間を細かく描かなければいけなかったので。きっとみんな上手にやれるだろうけど、誰がハマるだろうかと考えていたときに、倉君の資料を見て。それで、主演にするつもりで倉君を呼んだのに、なぜかオーディションという形になっていて。

倉：はい、そう聞いていました。

池田：そこで初めてお芝居を見させてもらったときから、「やりたいこと」と「やっちゃいけないこと」の判断がすごく上手にできる人だなと思っていました。上手に思われたいけど、素直だから、どうしても素直な表情が出てしまう。そのバランスがすごくよかった。それは素質もあると思うので、最初から「大丈夫っしょ！」と安心していました。

——倉さんにとって「夏、至るころ」はどんな体験でしたか？

倉：初めての映画で、しかも主演ということで、僕の中では「夏、至るころ」の現場が映画なんだな、というのが一つあります。主演だったけど、自分が主演だと思うこともなくやっていました。何も分からなかったので、一生懸命やっていたら、周りの人たちが温かく背中を押してくれて。いい現場だったし、いい作品になりました。俳優として、素直に、真面目に、自分ができることをパーツの一つとしてやる。それを「夏、至るころ」の現場から学びましたし、今でも自分の中で大切にしています。

池田：上手だったよ。倉君は首の関節が柔らかくて、個人的にはそれを見るのがすごく面白かった。首、よく動くよね。

倉：そうなんです。勝手に動いちゃうんです。頷きとかがやたら多くて。今回も松居監督に「不思議な芝居するよね、倉君て」と言われました。同窓会が始まるときのシーンで、茂が盛り上げなきゃというところで、動揺して首が動いちゃってました（苦笑）。

——「夏、至るころ」から今回の再会に至るまで、お互いの動向をどうご覧になっていましたか？

倉：エライザさんは常に第一線で活躍されているので、テレビや映画でお見かけするたびに、「すごい人が監督だったんだな」と思っていました。

池田：私は（倉君が）うらやましかったです。「この子はすぐに波に乗るだろうな」とは思っていたけれど、あまりにも早く海外にドーンと行ったので、「引っ張りだこじゃーん」と思って。私はずっと映画をやってきて、連ドラの勉強もちゃんとしたいなと思って連ドラもやり始めた時期で。でもふと映画畑を振り返ると（映画に出ている俳優が）うらやましくなってしまったり。でも連ドラで勉強になることもたくさんあるし。そういう期間だったので、「いいなあ～」と思っていました。

割と陰キャな2人

——今回の「リライト」の撮影は、2年前の夏に広島県の尾道市で行われました。どのような記憶として残っていますか？

池田：学生（役の俳優）たちがすごくエンジョイしてたよね？　同窓会の2次会の撮影で使ったスナックに飲みに行ったり、自転車を借りたり。その話を聞いて、私と（橋本）愛ちゃんは「いいな～」とうらやましく思っていました。

倉：撮休日にレンタカーを借りて、香川まで行ったりしてました。

池田：そんなに遠出してたの!?

倉：実はしてました（笑）。

池田：でもそうだよね、地方ロケの撮休はどこかへ行くよね。私もアウトレットに行ったし（笑）。

——香川にはどのメンバーで行ったんですか？

倉：僕は香川には行けなかったんですけど、森田想さんと大関れいかさんとよく遊んでいて。尾道の島にみんなでドライブして、夕焼けを見て帰ってきたこともありました。

池田：エモい〜！　私はその頃、旦那（篠原篤）さんとのシーンを撮っていました。旦那と松居さんと私の福岡県民３人で、「福岡あるある」を言い合いながら（笑）。

倉：撮休にシネマ尾道にも行きました。次の主演映画を上映してもらうことになったので、「よろしくお願いします」とあいさつして、てぬぐいを買って帰りました。そうですね、めちゃくちゃエンジョイしました。

池田：それが（映画にとって）よかった。クラスのシーンの段取りが円滑で。多分誰が誰と目を合わせても怖くない状態でした。

倉：そうですね。だからすごくお芝居をやりやすい雰囲気にはなったのかなと思います。チームプレーでした。

——倉さんは茂の役柄に自分を重ねて、クラスメイトの俳優たちを引っ張っていましたか？

倉：初めはそうなろうと思っていました。みんなに積極的に話しかけて、中心人物のようにいたかったんですけど、やっぱり無理でした……。（前田）旺志郎君とかがハイなテンションでくるので、このメンツの中での中心人物はきついです。僕とエライザさんは割と陰キャというか、静かなタイプなので。

池田：私は人がたくさんいる部屋から消えるタイプです。廊下で「今日は風があるね」みたいな（笑）。

倉：（池田が演じた）美雪と同じタイプですよね。

池田：そうそうそう。倉君は頑張ってたね。茂は、倉君のパーソナルとはかけ離れた役だと思うんです。そういう役に対峙するときって、私もそうだけど、「自分は本来そういう人じゃないです」「そんなに体が機敏に動かないし、どうやったらいいんだろう？」と思いがちで。そこで倉くんは「こういう人はこういう動き方をするよね」という偏見も含めて茂という役を理解した上で、役柄に真摯に立ち向かって、自分の役割を全うしようとしていて、相変わらず健気だなと思いました。

——「健気」という表現に愛情を感じます。

池田：そうですね。監督の立場で出会ったから、健気さはずっと感じてしまいます。「頑張ってて偉い！　普段しょんぼりしてるのにね」って。

倉：現場が終わったら反省はします。

池田：いつも反省してるよね。

不定期で、面白い形で会える関係性

——倉さんから見て、池田さんに変化はありましたか？

倉：ないです。

——即答！

池田：（笑）

倉：23歳のときからずっとこうでした。ちょっと浮世離れしている感じ。3つぐらいしか年が離れていないのに、十何個上ぐらいの達観した感じがあって、それが今も続いている感じです。

池田：やっと（自分の年齢に）違和感がなくなってきました。

倉：エライザさんと話すときは、「何を思われてるのかな」とか考えます。

池田：何も考えてないよ。「グミ食べたいな」とかだよ（笑）。私はギャルを目指してるんで。

倉：ギャルですか！

池田：結構ギャルになってきたよ。いいよ、ギャル。

倉：本当ですか。

池田：「ギャルマインド」を心に飼っておくと、正義感が生まれる。全然死なないくせに「死ぬ」とか言ったりするけど、それでいいんだなって。

倉：気持ちがふっと軽くなる感じですか？

池田：考えすぎて苦しくなっちゃう性格だから、そのマインドがあるだけで、すごく人に優しくなれる。だから私は今、ギャルになろうとあがいています（笑）。

——真面目に（笑）。

倉：大切な気がします。「まぁいっか」みたいな心の持ち方。

池田：大切だし、倉君にもおすすめだよ。ギャルマインドか、沖縄の「なんくるないさ」。

倉：ちょっと沖縄行ってきます（笑）。

池田：すっごい楽になる。

——お2人をつなぐものや、共有しているものはありますか？

池田：（倉に）また共演できたらいいね。

倉：はい。

池田：これが、つなぐものだと思います。次はどんな形で会うのかが楽しみ。もしかしたら歌番組に一緒に出ているかもしれないですし。

倉：無理です（笑）。

池田：分かんないじゃん！　バンドマンの役が来て、めっちゃ練習して、歌番組に出ることってあるじゃない？

倉：また池田組に参加させてもらうかもしれないし。

池田：そこで助監督をやってるかもしれない（笑）。

倉：確かに（笑）。もしかしたら倉組が発足してるかもしれないし。

池田：そうやって変化していくことを楽しんでいく。過干渉ではなく、不定期で、面白い形で会える関係というのは、いいなと思います。

倉：確かに。いい距離感ですよね。

俳優以外の創作活動

——池田さんは幼い頃に小説を書きたいと思っていたそうですが、倉さんは俳優業以外での表現活動はしていますか？

倉：陶芸をやっています。すごくつらい時期があって。何もしたくなかったんですけど、友人が「北に行こう」と誘ってくれて、何の目的も決めずにドライブに行きました。旅の途中で「何かやってみる？」「陶芸やってみたい」となって、近くにあった陶芸の工房に連絡したら「いいよ」と言ってくれて。今もそこにちょくちょく通って、コップ、茶碗、ちょっとしたお香立てとか、いろいろ作っています。

——陶芸をするとどんな気持ちになるのでしょうか。

倉：初めて工房に行ったとき、土を見て泣きそうになったんです。粘土をこねていると、土と向き合っているようで向き合っていないというか、無心になれる。すごく気持ちが軽くなるので、僕に合っているなと思います。毎回、仕上がりもすごくいいんですよ。あと、先生が怖くて。おじいちゃんが怒ってくるんです。

池田：へえ～！

倉：「違うって言ってるでしょ！」って。大人になってから怒られることが減ったので、心地いいです。愛があって。

池田：大切だね。

——いつか作品展をやってみたいと思いますか？

倉：全然ないです。趣味なので。

——売ろう、とかもない？

倉：ないです！　自分のものにしておきたいです。

——人に見てもらいたい、人に使ってもらいたいとは限らないんですね。

池田：我々の仕事は、趣味や好きでやっていることを追求していくうちに、発信につながっていくことがありますよね。私も幼い頃、文字を書いていたら止まらなかったんです。ノートの白いところを埋めたくて、罫線のところが埋まったら、余白にも文字を書く。「作文を3枚書いてください」と言われたら、止まらなくて30枚ぐらい書いてしまう。ただただ好きで、衝動で書いていたら、周りから「この子は小説家になるんだろうね」と言われるようになって、「小説家になりたい」と思うようになりました。陶芸もやってくうちに、そんなつもりなくても、いつか何かあるかもしれないよね。

倉：はい。

——本人はやりたいからやっているだけで、「小説家」「陶芸家」と肩書きをつけるのは周りかもしれない。

池田：そうですね。タイミングとご縁だと思います。

——池田さんの小説に対する表現欲求は、現状でどうなっていますか？

池田：文章を書くことに関しては、今は「脚本」という形式の心地良さを楽しんでいます。シナハンに行ってト書きを書くという行為が、あまりにも気持ちが良くて。今もちょっとやりたいことがあるので、今年シナハンに行けたらいいなと思っています。その後、プロットを組み立てて、第一稿に取り掛かりたいです。

倉：エライザさんの作品、見たいです。

池田：でも、作品を作るとなるとお芝居を休まなきゃいけなくなるんですよね。来年30歳というところで、もう少し表でお芝居をやってから作る方に行った方がいいのか、すごく葛藤しています。まあでも、やりたいときにやればいいかなとも思います。そうやって生きてきたじゃんって。

倉：これがギャルマインドですか。

——確かに！　倉さんは映画やドラマなどの映像作品に、俳優以外の形で参加したいですか？

倉：僕、友達と自主映画をやったりするんで、それはあります。最近関わったのは「ROPE」という長編映画です（7月25日公開）。主演（樹）と監督（八木伶音）が友達で。2人が100万円ぐらい貯めて、「よし映画撮ろう」となったので、俳優部で参加しました。技術部や俳優部の友達を集めたんですけど、人が少ないので、僕も照明を持ったりしました。やっぱり好きなんです、僕。そういう映画の現場が。仲間内だけで作ることってなかなかないし、いろいろな部署へのリスペクトもどんどん出てくるので、機会があれば俳優部にこだわらず、何かしらの形でやりたいです。

——皆さん衝動で動いているのでしょうか。「こういうエンタメがあったらいいよね」という理屈や計算ではなく。

倉：僕らは本当に、ただやりたいからやっているだけです。そういう作品には「観たい」と思わせるパワーがある気がします。

池田：松居監督にもそれはすごく感じるよね。

倉：創作意欲があふれているなと思います。

池田：どんどん作るから、待機作が多すぎる（笑）。

日本の映画で海外へ挑戦

——今後、「こういう作品を作っていきたい」というビジョンや理想はありますか？

池田：私は母のカトリックと父の仏教という２つの宗教の間で育ってきて、共通する大切な教えは人助けをすることです。でも、この俳優というお仕事が、人助けにはすごく遠回りだなと思うことも多いんです。（映画やドラマで描く）物語によっては、一度傷つけてから相手に学びを与えようとしているのではないかと思うこともありますし。だったら自分から出向いて、直接話を聞いて、助けた方が早いんじゃないかと、長い期間葛藤していました。でも、自分が何のプロフェッショナルなのか、何を積み上げてきたのかを考えると、やっぱり俳優なんですよね。だったらこの仕事の中で、より手っ取り早く人助けにつながることを模索する方が斬新だし、ぶれていないし、いいんじゃないかなという結論に至りました。直接的な支援をするにもお金を稼がなきゃいけないし、もっともっと人の気持ちが理解できるようにならないといけない。人助けと女優の仕事は、それぞれを突き詰めたら合流すると思ったので、既存のやり方にハマろうとせずに、人助けをしようと思いながらこの仕事の中で動いていきたいと思っています。

——ありがとうございます。倉さんはいかがでしょうか。

倉：海外に行く日本映画が少ない状況を、すごくもったいないなと思っています。韓国映画が海外で賞を獲るけれど、制作費はそんなに変わらなくて。変わる作品ももちろんありますけど、オスカーを獲るような作品でも、インディーズ映画は多分30億、40億円で撮っているので、日本もできなくはないはずなんです。でも日本では、国内だけで映画というものを消費して、外に売り出していかない気がしています。そこにいろいろな事情があるのは分かっているんですけど、すごくもったいないと思います。俳優が海外に挑戦するのは最近よくある話ですけど、日本の作品が海外に出ていって、もっと評価されるようになったらうれしいなと思っています。

——自分が海外で顔と名前を売って、その一助になりたいと思いますか？

倉：それをやっているのが真田広之さんなんですけど、これからは若い世代もやっていくことになると思います。そういう考えの人が集まって作品を撮っていくようになればいいんじゃないかなと、僕は思っています。

池田：飲みながら語るだけ、はやめようね。

倉：だめです。ちゃんと企画書を書かないと。

お気に入りの夏映画は
「アフターサン」と「夏の庭 The Friends」

——「リライト」も「夏、至るころ」も夏の映画です。ということで、お2人の好きな夏映画をお聞きしたいです。

倉：僕は「アフターサン」（22年）という映画がすごく好きです。夏休みの娘と父の話です。昨年観た映画で一番心に来ました。家で、DVDで見たんですけど、最初は「なんか退屈な映画だな」と思っていました。 おしゃれで、映像として格好いいけど、割とぼんやり時間が流れるような映画だと思います。でも、最後の方で、気づいたら泣いていて。あまりない経験でした。20代の自分はこう感じたけれど、子供ができてからまた改めて見たら違う感じ方になるんだろうな、と思える映画でした。

池田：私は「夏の庭 The Friends」（94年）が大好きです。相米慎二監督にはものすごく影響を受けています。どう言えばいいか分からないけれど、子供たちの細かい空気感にものすごくこだわるのに、雨降らしの奥で全然雨が降ってないとか、そういう加減に「あ、人が作ってるんだ」ということを感じます。あと、演出の面倒くささ。夕日を待つとか、朝日を待つとか、私は怖いからできないけれど、相米さんは待つんです。段取りだけで1日終わる日もあるんです。私はそれはできないけれど、なぜそれをしようとしたんだろう？　と気にしながらメイキングも見ました。

——初めて観たときから、そういう視点でしたか？

池田：「夏の庭」はもともと小説が好きで、小学生のときに図書室で読んでいて。おじいちゃんの家でいけないことをしている感じが好きでした。相米さんの映画を見たのは18歳だったと思います。映画を見ることで、自分のDNAになっていくような喜びがありました。

——「いけないこと」で、相米監督の「台風クラブ」（85年）を思い出しました。あれも夏の映画ですよね。

池田：ですね。相米さんの「お引越し」（93年）も大好きです。

PHOTOS：TAMEKI OSHIRO
STYLING：［ERAIZA IKEDA］MISAKI TAKAHASHI（Sadalsuud）、［YUKI KURA］kawase136 (afnormal)
HAIR&MAKEUP：［ERAIZA IKEDA］KEN NAGASAKA、［YUKI KURA］NOBUKIYO

^{［ERAIZA IKEDA］ジレ 18万5900円､デニムパンツ 15万円､ボールチェーンネックレス19万9000円､モチーフ付きネックレス 12万7000円／全て アン ドゥムルメステール（M 03-6721-0406）、リング 11万7700円／シャルロット シェネ（エドストローム オフィス03-6427-5901）、キャミソール／スタイリスト私物 ［YUKI KURA］レザージャケット 35万5300円、パンツ 6万6000円、靴 12万8700円／全てアワー レガシー（エドストローム オフィス 03-6427-5901）、その他／スタイリスト私物}

映画「リライト」

■映画「リライト」
出演：池田エライザ、阿達 慶、久保田紗友、倉 悠貴、山谷花純、大関れいか、森田 想、福永朱梨、若林元太、池田永吉、晃平、八条院蔵人
篠原 篤、前田旺志郎、長田庄平（チョコレートプラネット）、マキタスポーツ、町田マリー、津田寛治、尾美としのり、石田ひかり、橋本 愛
監督：松居大悟
脚本：上田 誠
原作：法条 遥 「リライト」（ハヤカワ文庫）
主題歌：Rin音「scenario」
音楽：森優太
製作・配給：バンダイナムコフィルムワークス
©2025「リライト」製作委員会
https://rewrite-movie.jp

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映画「ちょっと思い出しただけ」（2022年）や「不死身ラヴァーズ」（24年）などの映画作品や、テレビドラマ、舞台、小説など、メディアを問わず精力的に表現活動を続ける松居大悟監督。彼が「師匠」と尊敬する、ヨーロッパ企画の上田誠と初タッグを組んだ映画「リライト」が６月13日に劇場公開される。

夏の尾道を舞台に繰り広げられる“タイムリープ×青春ミステリ”で、主人公の美雪を演じているのは池田エライザ。クラスメイトの茂を演じる倉悠貴は、池田の初監督映画「夏、至るころ」（20年）で主人公に抜擢されてスクリーンデビューした関係にある。「リライト」で俳優として初共演を果たした2人の対談から、表現者としてのそれぞれの現在地を探る。

映画「夏、至るころ」から
俳優初共演まで

——「リライト」でクラスメイト役を演じると知ったときの、率直な心境を教えてください。

倉悠貴（以下、倉）：エライザさんは僕が初めて出た映画（2020年「夏、至るころ」）の監督なので、僕にとって「映画といえば池田エライザ」なんです。言ってしまえば恩師というか、師匠のような存在です。あれから5、6年が経った後に俳優として会うのは緊張しましたし、プレッシャーがありました。まるで「現場に監督が２人いる」ような。でも、実際に（現場に）入ったらそんなことはなくて。

池田エライザ（以下、池田）：（俳優で呼ばれた現場で、他の俳優に）演出しないです（笑）。

——倉さんは、松居監督のOKが出ても、つい池田さんの方を見てしまっていたそうですね（笑）。

池田：やりづらいだろうな、かわいそうだな、とは思いました（笑）。でも、こういう形での巡り合わせが不思議だし、いち俳優としても、すてきな形で話題になっている作品に出ている倉君が、「リライト」に出てくれることがうれしかったです。

倉：僕ももちろんうれしかったです。エライザさんは「自由にやりなさい」という感じでいてくれて、すごくやりやすかったです。思い切ってやれました。でも、「成長した姿を見せられるかな」という、役とは別のところでの緊張感がありました。

——池田さんは倉さんの成長を感じましたか？

池田：きっと成長しているだろうなとは感じますけど、私自身が人の成長を語れるほどお芝居が上手じゃないので。（倉に向かって）そもそも、すてきじゃないと抜てきしないから。主演に選ぶって相当な覚悟が必要なことだし。正直、「夏、至るころ」はキャスティングにすごく難航していて。感情の機微や行間を細かく描かなければいけなかったので。きっとみんな上手にやれるだろうけど、誰がハマるだろうかと考えていたときに、倉君の資料を見て。それで、主演にするつもりで倉君を呼んだのに、なぜかオーディションという形になっていて。

倉：はい、そう聞いていました。

池田：そこで初めてお芝居を見させてもらったときから、「やりたいこと」と「やっちゃいけないこと」の判断がすごく上手にできる人だなと思っていました。上手に思われたいけど、素直だから、どうしても素直な表情が出てしまう。そのバランスがすごくよかった。それは素質もあると思うので、最初から「大丈夫っしょ！」と安心していました。

——倉さんにとって「夏、至るころ」はどんな体験でしたか？

倉：初めての映画で、しかも主演ということで、僕の中では「夏、至るころ」の現場が映画なんだな、というのが一つあります。主演だったけど、自分が主演だと思うこともなくやっていました。何も分からなかったので、一生懸命やっていたら、周りの人たちが温かく背中を押してくれて。いい現場だったし、いい作品になりました。俳優として、素直に、真面目に、自分ができることをパーツの一つとしてやる。それを「夏、至るころ」の現場から学びましたし、今でも自分の中で大切にしています。

池田：上手だったよ。倉君は首の関節が柔らかくて、個人的にはそれを見るのがすごく面白かった。首、よく動くよね。

倉：そうなんです。勝手に動いちゃうんです。頷きとかがやたら多くて。今回も松居監督に「不思議な芝居するよね、倉君て」と言われました。同窓会が始まるときのシーンで、茂が盛り上げなきゃというところで、動揺して首が動いちゃってました（苦笑）。

——「夏、至るころ」から今回の再会に至るまで、お互いの動向をどうご覧になっていましたか？

倉：エライザさんは常に第一線で活躍されているので、テレビや映画でお見かけするたびに、「すごい人が監督だったんだな」と思っていました。

池田：私は（倉君が）うらやましかったです。「この子はすぐに波に乗るだろうな」とは思っていたけれど、あまりにも早く海外にドーンと行ったので、「引っ張りだこじゃーん」と思って。私はずっと映画をやってきて、連ドラの勉強もちゃんとしたいなと思って連ドラもやり始めた時期で。でもふと映画畑を振り返ると（映画に出ている俳優が）うらやましくなってしまったり。でも連ドラで勉強になることもたくさんあるし。そういう期間だったので、「いいなあ～」と思っていました。

割と陰キャな2人

——今回の「リライト」の撮影は、2年前の夏に広島県の尾道市で行われました。どのような記憶として残っていますか？

池田：学生（役の俳優）たちがすごくエンジョイしてたよね？　同窓会の2次会の撮影で使ったスナックに飲みに行ったり、自転車を借りたり。その話を聞いて、私と（橋本）愛ちゃんは「いいな～」とうらやましく思っていました。

倉：撮休日にレンタカーを借りて、香川まで行ったりしてました。

池田：そんなに遠出してたの!?

倉：実はしてました（笑）。

池田：でもそうだよね、地方ロケの撮休はどこかへ行くよね。私もアウトレットに行ったし（笑）。

——香川にはどのメンバーで行ったんですか？

倉：僕は香川には行けなかったんですけど、森田想さんと大関れいかさんとよく遊んでいて。尾道の島にみんなでドライブして、夕焼けを見て帰ってきたこともありました。

池田：エモい〜！　私はその頃、旦那（篠原篤）さんとのシーンを撮っていました。旦那と松居さんと私の福岡県民３人で、「福岡あるある」を言い合いながら（笑）。

倉：撮休にシネマ尾道にも行きました。次の主演映画を上映してもらうことになったので、「よろしくお願いします」とあいさつして、てぬぐいを買って帰りました。そうですね、めちゃくちゃエンジョイしました。

池田：それが（映画にとって）よかった。クラスのシーンの段取りが円滑で。多分誰が誰と目を合わせても怖くない状態でした。

倉：そうですね。だからすごくお芝居をやりやすい雰囲気にはなったのかなと思います。チームプレーでした。

——倉さんは茂の役柄に自分を重ねて、クラスメイトの俳優たちを引っ張っていましたか？

倉：初めはそうなろうと思っていました。みんなに積極的に話しかけて、中心人物のようにいたかったんですけど、やっぱり無理でした……。（前田）旺志郎君とかがハイなテンションでくるので、このメンツの中での中心人物はきついです。僕とエライザさんは割と陰キャというか、静かなタイプなので。

池田：私は人がたくさんいる部屋から消えるタイプです。廊下で「今日は風があるね」みたいな（笑）。

倉：（池田が演じた）美雪と同じタイプですよね。

池田：そうそうそう。倉君は頑張ってたね。茂は、倉君のパーソナルとはかけ離れた役だと思うんです。そういう役に対峙するときって、私もそうだけど、「自分は本来そういう人じゃないです」「そんなに体が機敏に動かないし、どうやったらいいんだろう？」と思いがちで。そこで倉くんは「こういう人はこういう動き方をするよね」という偏見も含めて茂という役を理解した上で、役柄に真摯に立ち向かって、自分の役割を全うしようとしていて、相変わらず健気だなと思いました。

——「健気」という表現に愛情を感じます。

池田：そうですね。監督の立場で出会ったから、健気さはずっと感じてしまいます。「頑張ってて偉い！　普段しょんぼりしてるのにね」って。

倉：現場が終わったら反省はします。

池田：いつも反省してるよね。

不定期で、面白い形で会える関係性

——倉さんから見て、池田さんに変化はありましたか？

倉：ないです。

——即答！

池田：（笑）

倉：23歳のときからずっとこうでした。ちょっと浮世離れしている感じ。3つぐらいしか年が離れていないのに、十何個上ぐらいの達観した感じがあって、それが今も続いている感じです。

池田：やっと（自分の年齢に）違和感がなくなってきました。

倉：エライザさんと話すときは、「何を思われてるのかな」とか考えます。

池田：何も考えてないよ。「グミ食べたいな」とかだよ（笑）。私はギャルを目指してるんで。

倉：ギャルですか！

池田：結構ギャルになってきたよ。いいよ、ギャル。

倉：本当ですか。

池田：「ギャルマインド」を心に飼っておくと、正義感が生まれる。全然死なないくせに「死ぬ」とか言ったりするけど、それでいいんだなって。

倉：気持ちがふっと軽くなる感じですか？

池田：考えすぎて苦しくなっちゃう性格だから、そのマインドがあるだけで、すごく人に優しくなれる。だから私は今、ギャルになろうとあがいています（笑）。

——真面目に（笑）。

倉：大切な気がします。「まぁいっか」みたいな心の持ち方。

池田：大切だし、倉君にもおすすめだよ。ギャルマインドか、沖縄の「なんくるないさ」。

倉：ちょっと沖縄行ってきます（笑）。

池田：すっごい楽になる。

——お2人をつなぐものや、共有しているものはありますか？

池田：（倉に）また共演できたらいいね。

倉：はい。

池田：これが、つなぐものだと思います。次はどんな形で会うのかが楽しみ。もしかしたら歌番組に一緒に出ているかもしれないですし。

倉：無理です（笑）。

池田：分かんないじゃん！　バンドマンの役が来て、めっちゃ練習して、歌番組に出ることってあるじゃない？

倉：また池田組に参加させてもらうかもしれないし。

池田：そこで助監督をやってるかもしれない（笑）。

倉：確かに（笑）。もしかしたら倉組が発足してるかもしれないし。

池田：そうやって変化していくことを楽しんでいく。過干渉ではなく、不定期で、面白い形で会える関係というのは、いいなと思います。

倉：確かに。いい距離感ですよね。

俳優以外の創作活動

——池田さんは幼い頃に小説を書きたいと思っていたそうですが、倉さんは俳優業以外での表現活動はしていますか？

倉：陶芸をやっています。すごくつらい時期があって。何もしたくなかったんですけど、友人が「北に行こう」と誘ってくれて、何の目的も決めずにドライブに行きました。旅の途中で「何かやってみる？」「陶芸やってみたい」となって、近くにあった陶芸の工房に連絡したら「いいよ」と言ってくれて。今もそこにちょくちょく通って、コップ、茶碗、ちょっとしたお香立てとか、いろいろ作っています。

——陶芸をするとどんな気持ちになるのでしょうか。

倉：初めて工房に行ったとき、土を見て泣きそうになったんです。粘土をこねていると、土と向き合っているようで向き合っていないというか、無心になれる。すごく気持ちが軽くなるので、僕に合っているなと思います。毎回、仕上がりもすごくいいんですよ。あと、先生が怖くて。おじいちゃんが怒ってくるんです。

池田：へえ～！

倉：「違うって言ってるでしょ！」って。大人になってから怒られることが減ったので、心地いいです。愛があって。

池田：大切だね。

——いつか作品展をやってみたいと思いますか？

倉：全然ないです。趣味なので。

——売ろう、とかもない？

倉：ないです！　自分のものにしておきたいです。

——人に見てもらいたい、人に使ってもらいたいとは限らないんですね。

池田：我々の仕事は、趣味や好きでやっていることを追求していくうちに、発信につながっていくことがありますよね。私も幼い頃、文字を書いていたら止まらなかったんです。ノートの白いところを埋めたくて、罫線のところが埋まったら、余白にも文字を書く。「作文を3枚書いてください」と言われたら、止まらなくて30枚ぐらい書いてしまう。ただただ好きで、衝動で書いていたら、周りから「この子は小説家になるんだろうね」と言われるようになって、「小説家になりたい」と思うようになりました。陶芸もやってくうちに、そんなつもりなくても、いつか何かあるかもしれないよね。

倉：はい。

——本人はやりたいからやっているだけで、「小説家」「陶芸家」と肩書きをつけるのは周りかもしれない。

池田：そうですね。タイミングとご縁だと思います。

——池田さんの小説に対する表現欲求は、現状でどうなっていますか？

池田：文章を書くことに関しては、今は「脚本」という形式の心地良さを楽しんでいます。シナハンに行ってト書きを書くという行為が、あまりにも気持ちが良くて。今もちょっとやりたいことがあるので、今年シナハンに行けたらいいなと思っています。その後、プロットを組み立てて、第一稿に取り掛かりたいです。

倉：エライザさんの作品、見たいです。

池田：でも、作品を作るとなるとお芝居を休まなきゃいけなくなるんですよね。来年30歳というところで、もう少し表でお芝居をやってから作る方に行った方がいいのか、すごく葛藤しています。まあでも、やりたいときにやればいいかなとも思います。そうやって生きてきたじゃんって。

倉：これがギャルマインドですか。

——確かに！　倉さんは映画やドラマなどの映像作品に、俳優以外の形で参加したいですか？

倉：僕、友達と自主映画をやったりするんで、それはあります。最近関わったのは「ROPE」という長編映画です（7月25日公開）。主演（樹）と監督（八木伶音）が友達で。2人が100万円ぐらい貯めて、「よし映画撮ろう」となったので、俳優部で参加しました。技術部や俳優部の友達を集めたんですけど、人が少ないので、僕も照明を持ったりしました。やっぱり好きなんです、僕。そういう映画の現場が。仲間内だけで作ることってなかなかないし、いろいろな部署へのリスペクトもどんどん出てくるので、機会があれば俳優部にこだわらず、何かしらの形でやりたいです。

——皆さん衝動で動いているのでしょうか。「こういうエンタメがあったらいいよね」という理屈や計算ではなく。

倉：僕らは本当に、ただやりたいからやっているだけです。そういう作品には「観たい」と思わせるパワーがある気がします。

池田：松居監督にもそれはすごく感じるよね。

倉：創作意欲があふれているなと思います。

池田：どんどん作るから、待機作が多すぎる（笑）。

日本の映画で海外へ挑戦

——今後、「こういう作品を作っていきたい」というビジョンや理想はありますか？

池田：私は母のカトリックと父の仏教という２つの宗教の間で育ってきて、共通する大切な教えは人助けをすることです。でも、この俳優というお仕事が、人助けにはすごく遠回りだなと思うことも多いんです。（映画やドラマで描く）物語によっては、一度傷つけてから相手に学びを与えようとしているのではないかと思うこともありますし。だったら自分から出向いて、直接話を聞いて、助けた方が早いんじゃないかと、長い期間葛藤していました。でも、自分が何のプロフェッショナルなのか、何を積み上げてきたのかを考えると、やっぱり俳優なんですよね。だったらこの仕事の中で、より手っ取り早く人助けにつながることを模索する方が斬新だし、ぶれていないし、いいんじゃないかなという結論に至りました。直接的な支援をするにもお金を稼がなきゃいけないし、もっともっと人の気持ちが理解できるようにならないといけない。人助けと女優の仕事は、それぞれを突き詰めたら合流すると思ったので、既存のやり方にハマろうとせずに、人助けをしようと思いながらこの仕事の中で動いていきたいと思っています。

——ありがとうございます。倉さんはいかがでしょうか。

倉：海外に行く日本映画が少ない状況を、すごくもったいないなと思っています。韓国映画が海外で賞を獲るけれど、制作費はそんなに変わらなくて。変わる作品ももちろんありますけど、オスカーを獲るような作品でも、インディーズ映画は多分30億、40億円で撮っているので、日本もできなくはないはずなんです。でも日本では、国内だけで映画というものを消費して、外に売り出していかない気がしています。そこにいろいろな事情があるのは分かっているんですけど、すごくもったいないと思います。俳優が海外に挑戦するのは最近よくある話ですけど、日本の作品が海外に出ていって、もっと評価されるようになったらうれしいなと思っています。

——自分が海外で顔と名前を売って、その一助になりたいと思いますか？

倉：それをやっているのが真田広之さんなんですけど、これからは若い世代もやっていくことになると思います。そういう考えの人が集まって作品を撮っていくようになればいいんじゃないかなと、僕は思っています。

池田：飲みながら語るだけ、はやめようね。

倉：だめです。ちゃんと企画書を書かないと。

お気に入りの夏映画は
「アフターサン」と「夏の庭 The Friends」

——「リライト」も「夏、至るころ」も夏の映画です。ということで、お2人の好きな夏映画をお聞きしたいです。

倉：僕は「アフターサン」（22年）という映画がすごく好きです。夏休みの娘と父の話です。昨年観た映画で一番心に来ました。家で、DVDで見たんですけど、最初は「なんか退屈な映画だな」と思っていました。 おしゃれで、映像として格好いいけど、割とぼんやり時間が流れるような映画だと思います。でも、最後の方で、気づいたら泣いていて。あまりない経験でした。20代の自分はこう感じたけれど、子供ができてからまた改めて見たら違う感じ方になるんだろうな、と思える映画でした。

池田：私は「夏の庭 The Friends」（94年）が大好きです。相米慎二監督にはものすごく影響を受けています。どう言えばいいか分からないけれど、子供たちの細かい空気感にものすごくこだわるのに、雨降らしの奥で全然雨が降ってないとか、そういう加減に「あ、人が作ってるんだ」ということを感じます。あと、演出の面倒くささ。夕日を待つとか、朝日を待つとか、私は怖いからできないけれど、相米さんは待つんです。段取りだけで1日終わる日もあるんです。私はそれはできないけれど、なぜそれをしようとしたんだろう？　と気にしながらメイキングも見ました。

——初めて観たときから、そういう視点でしたか？

池田：「夏の庭」はもともと小説が好きで、小学生のときに図書室で読んでいて。おじいちゃんの家でいけないことをしている感じが好きでした。相米さんの映画を見たのは18歳だったと思います。映画を見ることで、自分のDNAになっていくような喜びがありました。

——「いけないこと」で、相米監督の「台風クラブ」（85年）を思い出しました。あれも夏の映画ですよね。

池田：ですね。相米さんの「お引越し」（93年）も大好きです。

PHOTOS：TAMEKI OSHIRO
STYLING：［ERAIZA IKEDA］MISAKI TAKAHASHI（Sadalsuud）、［YUKI KURA］kawase136 (afnormal)
HAIR&MAKEUP：［ERAIZA IKEDA］KEN NAGASAKA、［YUKI KURA］NOBUKIYO

^{［ERAIZA IKEDA］ジレ 18万5900円､デニムパンツ 15万円､ボールチェーンネックレス19万9000円､モチーフ付きネックレス 12万7000円／全て アン ドゥムルメステール（M 03-6721-0406）、リング 11万7700円／シャルロット シェネ（エドストローム オフィス03-6427-5901）、キャミソール／スタイリスト私物 ［YUKI KURA］レザージャケット 35万5300円、パンツ 6万6000円、靴 12万8700円／全てアワー レガシー（エドストローム オフィス 03-6427-5901）、その他／スタイリスト私物}

映画「リライト」

■映画「リライト」
出演：池田エライザ、阿達 慶、久保田紗友、倉 悠貴、山谷花純、大関れいか、森田 想、福永朱梨、若林元太、池田永吉、晃平、八条院蔵人
篠原 篤、前田旺志郎、長田庄平（チョコレートプラネット）、マキタスポーツ、町田マリー、津田寛治、尾美としのり、石田ひかり、橋本 愛
監督：松居大悟
脚本：上田 誠
原作：法条 遥 「リライト」（ハヤカワ文庫）
主題歌：Rin音「scenario」
音楽：森優太
製作・配給：バンダイナムコフィルムワークス
©2025「リライト」製作委員会
https://rewrite-movie.jp

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ファッション業界において、花形職とされるPR。そのトップに就くPRディレクターは、ブランドの“縁の下の力持ち”や“影の立役者”として認識されるほど、目立たずともブランドの大きな役割と責任を担っている。特にラグジュアリーブランドにおいては、常にVIP顧客やメディア、デザイナーやチームの中核的存在だ。交渉術やコミュニケーション能力も必要とされる。南奈未さんは約20年間、ファッションシーンをリードする数々の海外ブランドの日本法人のPRを統括。日本はもちろん、グローバルでその手腕を発揮してきた言わずと知れた人物だ。この10年でデジタルやマーケティングの概念が多様化する中、ファッションラグジュアリーの世界は大きく様変わりしているという。この連載では数回に分けて、南さんが培ってきたファッションPRの仕事そしてその裏側について語る。第3回は、ブランドの個性や狙いが表れる「セレブリティーマーケティング」のいまについて。

セレブリティーの起用は戦略的に

南奈未：セレブリティーの起用は、昨今のラグジュアリーマーケティングにおいて戦略の要になっています。プロモーションを推進するブランドの多くが、ハリウッド俳優やK-POPアイドル、韓国や日本の俳優など、幅広い著名人をブランドの“顔”として抜擢するケースがメーンストリームになっていますね。もちろん変わらずインフルエンサーなどにもギフティングして、SNSでの投稿を促すスタイルは続いていますが、ステルスマーケティングへの懸念や各国での広告表示規制が強化されたこともあり、投稿の透明性や信頼性がより重視されるようにもなりました。今は、より世間的な知名度や信頼性がある俳優やアーティストを起用するケースが増えています。ブランドとの結びつきを明確に示せる彼らに最新ウエアをまとってもらい、ショーへの来場や広告への出演などといった戦略的な起用。これもファッションという特別な世界における、特殊なマーケティングの手法です。

私はたまたまラッキーなことに、パリの「ルイ・ヴィトン」やニューヨークの「マイケル・コース（MICHAEL KORS）」や、ミラノの「ドルチェ＆ガッバーナ（DOLCE&GABBANA）」という、もともとセレブリティーとの親和性の高いブランドで経験を積んできたので、タレントをどのように起用し、接していくべきかを各々のブランドで学ぶことができました。当時はセレブ文化が根強い米国ブランドが抜擢するハリウッドセレブは、世界のセレブとして認識され、たった1人だけでも恐るべき反響が期待されます。

2000年前半にヒットしたドラマ「セックス・アンド・ザ・シティ（SEX AND THE CITY）」の主人公キャリー役、サラ・ジェシカ・パーカー（Sarah Jessica Parker）が数分間着ただけで、爆発的な話題を呼んだことは、ブランド業界にセンセーショナルを起こしました。そう考えると、セレブリティー起用というのは、ファッション業界でもう20年以上続いていて、今はアップデートされ、韓国セレブに完全に奪われてしまっていますね……。個人的にはハリウッドセレブや「ヴィクトリアズ・シークレット（VICTORIA’S SECRET）」の“ヴィクシーモデル”が心底好き。K-POPアイドルも譲れませんが（笑）。ブランドとの親和性がカチッとハマった時のトップタレントの訴求力や影響力って凄まじいんですよね。

“フロントローバトル”は真剣勝負

米国ブランドのファッションショーのフロントローでは、俳優の枠とトップモデルの枠はきっちり分けられています。「マイケル・コース」のハリウッドスターや注目の若手俳優、「ヴィクトリアズ・シークレット」出身のスーパーモデルといった、時代を映す錚々たるメンバーがずらりと並ぶフロントローは、その場にいる私たち関係者も興奮しちゃいます！プライオリティーがはっきり分かるフロントローのシーティングには、みんなの命がかかってます（笑）。

そんなピリピリ感もありつつですが、米国ブランドはヨーロッパに比べると割とカジュアルです。バックステージへ行くエレベーターで、スターモデルのラッキー・ブルー・スミス（Lucky Blue Smith）と乗り合わせたことがあるんですが、笑顔で挨拶なんかもしてくれちゃって、全員がデレッと緩むのがハッキリ分かりましたね。自然とニヤけている自分もいました（笑）。マイケルがインタビューを受けてる間には、ドラマ「ゴシップガール（GOSSIP GIRL）」俳優のブレイク・ライブリー（Blake Lively）が着用するルックを端っこから夢中で見ていたことも。アメリカのセレブは世界的セレブでも、距離感の近さがとても印象的でした。

ショー会場では、米「ヴォーグ（VOGUE）」の編集長アナ・ウィンター（Anna Wintour）の隣に座るセレブもいますし、普段見られないセレブの共演を間近にすることもありました。マイケル自身、世代を問わない彼女たちと親交を深め、厚い信頼を得ていますし、ビジネス以上の関係性を持っていることも成功の背景にあると思います。ちなみに、来場者でごった返すブランドの会場によってはランウエイの幅が狭すぎることもあって、危うくアナ・ウィンターのヒールのつま先を踏みそうになったことがあります……忘れられない奇跡の“南の3ミリ”でした！

そうしたセレブリティーマーケティングの原点とも言えるアメリカ。各国のブランドアンバサダーや一流セレブ、好感度の高いインフルエンサーが勢ぞろいするファッションショーは、「マイケル・コース」以外のショーでも珍しくはありません。どのセレブがショーに招待されるのか、誰がアナの隣に座るのか。セレブにとっても、“誰が呼ばれるか”は大事な勝負どころ。ヨーロッパではなかなか見られないセレブが登場することもあって、ニューヨーク・ファッション・ウイークの見どころの1つでもありますね。

タレント起用に必要なのは、共鳴と戦略

そうした昨今のセレブリティーマーケティングでは、主に2つの役割がタレントに期待されるでしょう。1つは、ブランドのイメージを明確に体現すること。もう1つは、20〜30代の若年層へしっかりアプローチできること。

これまで多くのセレブやタレントをファッションショーへアテンドしてきましたが、超多忙な彼らの滞在時間は2泊3日ほど（時には1泊の時も……）。その間にブランドの歴史やストーリーに触れ、ショー本番当日に何時間もかけて準備し、最新ウエアをまとって会場に向かいます。世界中のファンやメディアが駆けつける会場で、1時間程度、360度どこからの声にも応え続けなければいけません。何百人ものカメラマンに英語で声をかけられながらも、笑顔で凛々しくポージング。ある韓国セレブには、カメラ目線やポージングの角度まで指示し、表情を管理するお付きの方がいて、ビックリ！どの角度からも自分らしさを表現できるセンス、そしてブランドに対するリスペクトの精神を持っていることは、アンバサダーの条件でもありますね。ファッションショーというスペシャルなシーンにおいて、彼らにとっても大きな躍進となる自信と覚悟が必要になるでしょう。

これまで自分が担当したブランドに限らず、さまざまなブランドの動向を見てきましたが、このマーケティング戦略の成功の根幹には、ブランドとタレント双方の思いが合致していなければいけません。そのためにもブランドは、最終的にどういう支持層を獲得したいかというターゲティングを明確にする必要がありますし、「なぜこのアンバサダー起用が有効なのか」というエビデンスを示さなければいけません。本国チームにもセレブ担当がいて、デザイナーの意向やイメージと合うかどうかのジャッジがなされます。私たちも、タレントのイメージを崩さないように事務所と密に連携を取りながら、リスクヘッジをして選出していきます。

米国のセレブリティーは国内では“身内感”が満載で、「自国のブランドを応援せずにあなたはどこをサポートするっていうわけ？」という考えが根底にあるように思うんです。元ファーストレディーのミシェル・オバマ（Michelle Obama）さんが公の場でカジュアルな「ギャップ（GAP）」を着用したのもその概念が表れています。日本も他国のセレブにばかりお金を使うのではなく、自国で世界に通用するセレブリティーを育てることに注力してほしいですね。

旬なタレントが新しい客層を導いてくれる、きっかけを与えてくれるという意味では、すごく“今っぽい”マーケティングのあり方だなと思います。でも、ブランドとタレント双方にとってベネフィットがなければ成立しない。そうでなければ、単なる話題作りで終わってしまいます。

だからこそ、成功させるためには、戦略的なアプローチが欠かせない。しっかりと目的を定め、信頼関係を築きながら、ブランドの世界観を伝えていく。また、そのタレントこそがブランドの一番のファンであるべきです。セレブリティーマーケティングは、“誰を選ぶか”がすべてのように見えて、実はお互いに“どう向き合うか”こそが、いちばん大事だったりするんです。そこには、タレントの人間性やブランド側にもどれだけの懐の深さがあるかなど目に見えていない大切な事があるのです。そんな心がほわっとする裏エピソードはまた次回に。

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中国需要の減速などラグジュアリービジネス全体に逆風が吹いている。「トム ブラウン（THOM BROWNE）」も2024年12月期の売上高は前期比16.8％減の506億円と、その影響を免れてはいない。

そうした状況下で打ち出したのは、卸売中心の体制から直営主体への大胆な転換だ。世界観を凝縮した直営ストアを軸に、フォーマルの原点とも言えるカスタムメイドを強化し、“らしさ”の再構築を図る。

このほどリニューアルオープンした銀座の旗艦店も、日本市場の今後を占う重要拠点だ。ここにどんな「トム ブラウン」らしさを凝縮し、伝えていくのか。銀座店のオープンに合わせて来日したロドリゴ・バザン（Rodrigo Bazan）CEOに話を聞いた。

WWD：現在の「トム ブラウン」の状況をどう捉えている？

ロドリゴ・バザン トム ブラウンCEO（以下、ロドリゴ）：私たちは今、大きな変革の真っ只中にいる。売り上げも一旦は落ち込んでいるものの、必要な痛みだったと捉えている。卸売り主体のビジネスから、直営主体のビジネスにシフトするためだ。北米ではマイアミ・ビーチ、ニューヨーク、ロサンゼルスなどに直営店をオープンしたが、これらはすべて、D2C（直営店）ビジネス戦略の一環。（現職に就任した）2016年当時、私たちの直営店はわずか9店だったが、今や120店を超えるまでに拡大している。

WWD：D2Cへの移行を進めている理由は？

ロドリゴ：ブランドの世界観を理想的な形で伝えられるからだ。商品の見せ方からメッセージまで、完全にコントロールできるのが直営店の強み。しっかりとした教育を受けた販売スタッフによる、お客さまのライフスタイルに合った提案とサービスで、「なぜこの商品が必要か」を明確に伝えられる。

すべての店舗が大規模である必要はない。青山店や伊勢丹新宿本店のように、規模は小さくても、深くブランドを体感できる店舗は作ることができる。日本市場はこの5年間で、私たちの直営戦略における重要なモデルケースになった。

WWD：「トム ブラウン」に限らず、ラグジュアリーブランド全体が直営店志向。日本でも、代理店を介さないビジネス展開が増えている。

ロドリゴ：ラグジュアリーブランドの多くが「真の直営」へ移行している。「トム ブラウン」もブランドイメージを正確に伝え、長期的にフルプライス（正価）で販売できる体制を確立したいと考えている。D2Cであれば、イメージコントロールも徹底できるし、スタッフの労働時間も最適化して、運営効率を高められる。ブランドとプロダクト、そして顧客。この三者の関係を強固にすることが何より重要だ。

D2Cの本質は「顧客中心」。お客さまにどれだけ良質な体験を提供できるか。驚きや感動を届けられるか。それを常に考え、表現し続けるから、お客さまに支持していただける。北米のパームビーチやメルローズプレイスの店舗の滑り出しには、大きな手応えを感じている。一方ニューヨークや青山など長く続いている店舗も、堅調だ。

卸売についても疎かにはしない。世界中の250のマルチブランド店やラグジュアリーショップとの関係は維持していく。そこではユニット単位で、ボリュームよりもより厳選した展開を重視していく。D2Cと卸、それぞれが異なる顧客接点としての意味と機能を持たせる。

WWD：近年は商品展開の幅も大きく広がっている。このことも関係しているのか。

ロドリゴ：この10年で、バッグ、サングラス、フレグランス、チョコレートなどが新たなカテゴリーが加わった。レディー・トゥ・ウエアではトラディショナルなシルエットだけでなく、最近ではフーディーやオーバーサイズのストリート的なアイテムも強化している。こうした多様性を伝えるには、やはりD2Cが最適なフォーマットだ。

現在のウエアの売上比率は3分の2がメンズ、残りの3分の1がウィメンズ。ウィメンズはメンズより10年後発だが、特定の地域ではメンズに匹敵するか、あるいはそれ以上に売れている。特にパームビーチでは、オープン当初から売り上げの大部分がウィメンズという、想定外の結果になった。自社店舗を構えたから得られた、大きな発見だった。阪急本店や伊勢丹新宿本店でもウィメンズの売場面積を拡大した。

MTO、MTMはブランドの中核
直営店ならではのストーリーテリング

WWD：ここ銀座店では、MTO（メイド・トゥ・オーダー）のニットウエアを提供する。

ロドリゴ：カシミヤ24色、メリノウール15色。いずれも過去6年のコレクションで使用してきたカラーパレットを用意する。お客さまは8つの定番ニットスタイルの中から好きなものを選び、色やサイズ、4本線やボタンディテールまでカスタマイズできる。私たちはそれをオーダーから約7週間で届ける。

20年前からある伝統的なニットに、新しい色を加え、新しい命を吹き込む。こうした取り組みも、直営だからこそ可能なブランドのストーリーテリングだ。

私たちにとって、「一人ひとりに向き合う特別な体験」は強い関係作りと成長を生む。そもそもトム本人がブランド創設時に手掛けていたのは、シャツやカシミヤセーターのメイド・トゥー・メジャーだった。つまり、パーソナライゼーションと顧客との特別な関係性は、ブランドの原点だ。

MTOやMTM（メイド・トゥ・メジャー、顧客の体型などに合わせて洋服を提供するサービス）は、今やメンズだけでなくウィメンズでも非常に好調だ。さらにセレブリティーの衣装やショーピースといった特注アイテムは、今やビジネスの中核となりつつある。

WWD：今年の「メットガラ」は「トム ブラウン」祭りだった。

ロドリゴ：ああいった特別な場でパーソナライズされた衣装を完璧に仕上げられるブランドであるという認知は、「このブランドなら、自分にも特別な提案をしてくれるだろう」という期待につながる。 MTOやMTMは、私たちのベストカスタマーと密につながる手段であり、エンゲージメントの起点にもなっている。

WWD：日本市場や日本の顧客については。

ロドリゴ：「トム ブラウン」と日本の関係は、20年近くにわたる。青山に2つのショップインショップを構えたのが出発点であり、そこから優秀なチームが育った。多くのメンバーが10〜15年にわたってブランドを支えてくれている。

MTM、MTOの事業は、特に日本での反応がいい。デザインや品質、クラフツマンシップへの理解が深く、制服的な美学やカスタムメイドの思想に深く共鳴していただける。私たちにとって、最も成熟したマーケットの一つだ。

WWD：今後の店舗戦略については。

ロドリゴ：現在、世界で120以上の直営店と、10～15のフランチャイズ店舗を展開している。2023年には韓国市場でもフランチャイズから直営に切り替え、現地チームがそのまま運営を担っている。 25年には、売上全体の約3分の2を直営が、残りの3分の1を卸が占める構成になる見込みだ。これが私たちにとって、最も健全で合理的なリテールネットワークだと考えている。大規模な拡大フェーズはすでに終了しており、今後は立地を厳選した出店が中心になる。

WWD：ラグジュアリーブランド全体では急成長のフェーズを終え、成長が鈍化してきている。その中で成長戦略をどう描く？

ロドリゴ：まず、カテゴリーで言えば、今後さらに伸ばせるのがアクセサリーとシューズだ。特にシューズには大きな成長余地があると見ている。アイウエアにも注力しており、日本製の最高品質のプロダクトを自社で製造している。

ブランド全体としては、適切な顧客接点さえ築ければ、今も成長の余地があると確信している。「トム ブラウン」はメンズ、ウィメンズ、キッズまでを展開し、コンセプチュアルなショーピースからポロシャツのようなクラシックアイテムまで、非常に幅広いプロダクトを網羅している。さらに、ベストカスタマープログラムやショー、MTM、MTOといった多様な顧客接点においても高い信頼と実績を築いてきた。

今の時代、「なんとなく買う」という消費は少ない。求められるのは、独自性のあるプロダクトと、深く持続的な顧客接点。その両方を備えるのが、私たちの直営ネットワークだ。

「トム ブラウン」は、ラグジュアリーライフスタイルブランドとして、あらゆる年齢・性別の顧客に応えていく。たとえばポロシャツひとつを買ってもらうにしても、MTMと同じくらい洗練された体験を提供する。それこそがこのブランドの独自性であり、ラグジュアリー市場における存在意義になりうるだろう。

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中国需要の減速などラグジュアリービジネス全体に逆風が吹いている。「トム ブラウン（THOM BROWNE）」も2024年12月期の売上高は前期比16.8％減の506億円と、その影響を免れてはいない。

そうした状況下で打ち出したのは、卸売中心の体制から直営主体への大胆な転換だ。世界観を凝縮した直営ストアを軸に、フォーマルの原点とも言えるカスタムメイドを強化し、“らしさ”の再構築を図る。

このほどリニューアルオープンした銀座の旗艦店も、日本市場の今後を占う重要拠点だ。ここにどんな「トム ブラウン」らしさを凝縮し、伝えていくのか。銀座店のオープンに合わせて来日したロドリゴ・バザン（Rodrigo Bazan）CEOに話を聞いた。

WWD：現在の「トム ブラウン」の状況をどう捉えている？

ロドリゴ・バザン トム ブラウンCEO（以下、ロドリゴ）：私たちは今、大きな変革の真っ只中にいる。売り上げも一旦は落ち込んでいるものの、必要な痛みだったと捉えている。卸売り主体のビジネスから、直営主体のビジネスにシフトするためだ。北米ではマイアミ・ビーチ、ニューヨーク、ロサンゼルスなどに直営店をオープンしたが、これらはすべて、D2C（直営店）ビジネス戦略の一環。（現職に就任した）2016年当時、私たちの直営店はわずか9店だったが、今や120店を超えるまでに拡大している。

WWD：D2Cへの移行を進めている理由は？

ロドリゴ：ブランドの世界観を理想的な形で伝えられるからだ。商品の見せ方からメッセージまで、完全にコントロールできるのが直営店の強み。しっかりとした教育を受けた販売スタッフによる、お客さまのライフスタイルに合った提案とサービスで、「なぜこの商品が必要か」を明確に伝えられる。

すべての店舗が大規模である必要はない。青山店や伊勢丹新宿本店のように、規模は小さくても、深くブランドを体感できる店舗は作ることができる。日本市場はこの5年間で、私たちの直営戦略における重要なモデルケースになった。

WWD：「トム ブラウン」に限らず、ラグジュアリーブランド全体が直営店志向。日本でも、代理店を介さないビジネス展開が増えている。

ロドリゴ：ラグジュアリーブランドの多くが「真の直営」へ移行している。「トム ブラウン」もブランドイメージを正確に伝え、長期的にフルプライス（正価）で販売できる体制を確立したいと考えている。D2Cであれば、イメージコントロールも徹底できるし、スタッフの労働時間も最適化して、運営効率を高められる。ブランドとプロダクト、そして顧客。この三者の関係を強固にすることが何より重要だ。

D2Cの本質は「顧客中心」。お客さまにどれだけ良質な体験を提供できるか。驚きや感動を届けられるか。それを常に考え、表現し続けるから、お客さまに支持していただける。北米のパームビーチやメルローズプレイスの店舗の滑り出しには、大きな手応えを感じている。一方ニューヨークや青山など長く続いている店舗も、堅調だ。

卸売についても疎かにはしない。世界中の250のマルチブランド店やラグジュアリーショップとの関係は維持していく。そこではユニット単位で、ボリュームよりもより厳選した展開を重視していく。D2Cと卸、それぞれが異なる顧客接点としての意味と機能を持たせる。

WWD：近年は商品展開の幅も大きく広がっている。このことも関係しているのか。

ロドリゴ：この10年で、バッグ、サングラス、フレグランス、チョコレートなどが新たなカテゴリーが加わった。レディー・トゥ・ウエアではトラディショナルなシルエットだけでなく、最近ではフーディーやオーバーサイズのストリート的なアイテムも強化している。こうした多様性を伝えるには、やはりD2Cが最適なフォーマットだ。

現在のウエアの売上比率は3分の2がメンズ、残りの3分の1がウィメンズ。ウィメンズはメンズより10年後発だが、特定の地域ではメンズに匹敵するか、あるいはそれ以上に売れている。特にパームビーチでは、オープン当初から売り上げの大部分がウィメンズという、想定外の結果になった。自社店舗を構えたから得られた、大きな発見だった。阪急本店や伊勢丹新宿本店でもウィメンズの売場面積を拡大した。

MTO、MTMはブランドの中核
直営店ならではのストーリーテリング

WWD：ここ銀座店では、MTO（メイド・トゥ・オーダー）のニットウエアを提供する。

ロドリゴ：カシミヤ24色、メリノウール15色。いずれも過去6年のコレクションで使用してきたカラーパレットを用意する。お客さまは8つの定番ニットスタイルの中から好きなものを選び、色やサイズ、4本線やボタンディテールまでカスタマイズできる。私たちはそれをオーダーから約7週間で届ける。

20年前からある伝統的なニットに、新しい色を加え、新しい命を吹き込む。こうした取り組みも、直営だからこそ可能なブランドのストーリーテリングだ。

私たちにとって、「一人ひとりに向き合う特別な体験」は強い関係作りと成長を生む。そもそもトム本人がブランド創設時に手掛けていたのは、シャツやカシミヤセーターのメイド・トゥー・メジャーだった。つまり、パーソナライゼーションと顧客との特別な関係性は、ブランドの原点だ。

MTOやMTM（メイド・トゥ・メジャー、顧客の体型などに合わせて洋服を提供するサービス）は、今やメンズだけでなくウィメンズでも非常に好調だ。さらにセレブリティーの衣装やショーピースといった特注アイテムは、今やビジネスの中核となりつつある。

WWD：今年の「メットガラ」は「トム ブラウン」祭りだった。

ロドリゴ：ああいった特別な場でパーソナライズされた衣装を完璧に仕上げられるブランドであるという認知は、「このブランドなら、自分にも特別な提案をしてくれるだろう」という期待につながる。 MTOやMTMは、私たちのベストカスタマーと密につながる手段であり、エンゲージメントの起点にもなっている。

WWD：日本市場や日本の顧客については。

ロドリゴ：「トム ブラウン」と日本の関係は、20年近くにわたる。青山に2つのショップインショップを構えたのが出発点であり、そこから優秀なチームが育った。多くのメンバーが10〜15年にわたってブランドを支えてくれている。

MTM、MTOの事業は、特に日本での反応がいい。デザインや品質、クラフツマンシップへの理解が深く、制服的な美学やカスタムメイドの思想に深く共鳴していただける。私たちにとって、最も成熟したマーケットの一つだ。

WWD：今後の店舗戦略については。

ロドリゴ：現在、世界で120以上の直営店と、10～15のフランチャイズ店舗を展開している。2023年には韓国市場でもフランチャイズから直営に切り替え、現地チームがそのまま運営を担っている。 25年には、売上全体の約3分の2を直営が、残りの3分の1を卸が占める構成になる見込みだ。これが私たちにとって、最も健全で合理的なリテールネットワークだと考えている。大規模な拡大フェーズはすでに終了しており、今後は立地を厳選した出店が中心になる。

WWD：ラグジュアリーブランド全体では急成長のフェーズを終え、成長が鈍化してきている。その中で成長戦略をどう描く？

ロドリゴ：まず、カテゴリーで言えば、今後さらに伸ばせるのがアクセサリーとシューズだ。特にシューズには大きな成長余地があると見ている。アイウエアにも注力しており、日本製の最高品質のプロダクトを自社で製造している。

ブランド全体としては、適切な顧客接点さえ築ければ、今も成長の余地があると確信している。「トム ブラウン」はメンズ、ウィメンズ、キッズまでを展開し、コンセプチュアルなショーピースからポロシャツのようなクラシックアイテムまで、非常に幅広いプロダクトを網羅している。さらに、ベストカスタマープログラムやショー、MTM、MTOといった多様な顧客接点においても高い信頼と実績を築いてきた。

今の時代、「なんとなく買う」という消費は少ない。求められるのは、独自性のあるプロダクトと、深く持続的な顧客接点。その両方を備えるのが、私たちの直営ネットワークだ。

「トム ブラウン」は、ラグジュアリーライフスタイルブランドとして、あらゆる年齢・性別の顧客に応えていく。たとえばポロシャツひとつを買ってもらうにしても、MTMと同じくらい洗練された体験を提供する。それこそがこのブランドの独自性であり、ラグジュアリー市場における存在意義になりうるだろう。

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「コメット コレクティヴ（COMETES COLLECTIVE）」は、「シャネル（CHANEL）」が2022年10月に創設した新世代のアーティストコミュニティー。スペイン出身のアミィ・ドラマ（Ammy Drammeh）、フランス出身のセシル・パラヴィナ（Cecile Paravina）、中国出身のヴァレンティナ・リー（Valentina Li）が初期メンバーとして選ばれ、シャネル メークアップ クリエイティブ ストゥディオと協業の下でビューティのクリエイションを手掛けている。

「シャネル」は、色彩によって個性を表現する“カラー オブ アリュール（魅力）”を提唱。メゾンのアコードを継承しながら、ビューティに新風をもたらす「コメット コレクティヴ」の3人に、約2年半にわたる「シャネル」での活動を振り返ってもらったほか、それぞれが最も大切にしている色などを聞いた。

モダンでタイムレス、アバンギャルドなブランド

WWD：「シャネル」で活動し始めた当時をどのように振り返る？

アミィ・ドラマ（以下、アミィ）：「シャネル」のアーカイブに初めて訪れ、ブランドの歴史に深く触れた時、このブランドに俄然興味を持った。100年ほど前に作られた製品は今見てもモダンで、本当にタイムレスなブランドだと思った。

セシル・パラヴィナ（以下、セシル）：初めてアーカイブを訪問した時、私は特にパッケージに引かれた。例えば初代“シャネル N゜5”のボトルは、研究所のボトルをそのまま持ってきて使うというやり方自体が、1900年代にはとても革新的なアプローチだと思った。

ヴァレンティナ・リー（以下、ヴァレンティナ）：正直最初は「シャネル」とのつながりがあまり見えていなかったが、アーカイブへ足を運び、ガブリエル・シャネル（Gabrielle Chanel）の話を聞くうちに、ブランドとのつながりを感じるようになった。また、「シャネル」は当初から私たち3人に敬意を払ってくれて、自由なクリエイションを後押ししてくれた。化粧品を作るということは、ただ色をデザインするのではなく、ストーリー全体をデザインすることなのだと、シャネル メークアップ クリエイティブ ストゥディオとの協業を通して気づいた。

WWD：「シャネル」が掲げる“アリュール”やブランドの歴史、アイデンティティーをどのように捉え、「コメット コレクティヴ」ならではの視点やスタイルをどのように表現しているのか？

アミィ：これまでには存在しなかったが、ブランドと深い部分で共鳴する製品を作り出すことが重要と考えている。最初のコレクションは大きな挑戦だった。今までになかった色を使いながら、なじみのあるテクスチャーと合わせるなど、伝統と新鮮さの理想的なバランスを見つけるのに苦戦した。ブランドの歴史をさかのぼると冒険的な色も多く、必ずしも大衆に受け入れられるような製品ばかりではなかったが、「シャネル」というブランドが提案することで、アイコニックなメッセージ性が生まれてきたのだと思う。

ヴァレンティナ：私にとって“アリュール”とは、自分自身に対して誠実であること。人と違う、ユニークな存在であることを認めること。「シャネル」はクラシックでモダンというイメージがあるかもしれないが、アバンギャルドでもある。昔からアイメイクに赤や、ピンクっぽい黄など奇抜な色を使っていたと知って驚いた。私たちはそんな「シャネル」のDNAに、新たな視点を持ち込むことを使命としている。バックグラウンドも異なれば、「美」の価値観もさまざまな3人の異なる色合いを重ねながら、今後も「シャネル」に貢献していく。

セシル：私は二つのことを大切にしている。一つ目は、ガブリエル・シャネルの歴史に深く潜り込むこと。彼女は実現したいライフスタイルがあり、意図を持って服や香水、化粧品を作ってきた。例えばつま先が黒い靴は、「靴を汚したくないけれど、歩かなければならない」という思いからデザインされた。こういった歴史を知ると、クリエイティブにはさまざまな可能性があることに気づかされる。

二つ目は、メゾンのストーリーをベースに、意外性のある色を採用するなどして、ひねりを加えること。例えば、2月に発売したメイクアップコレクション“カメリア フトゥーラ ブライトニング コレクション”ではメゾンを象徴するカメリアを着想源に、パールグリーンやパールブルーなどを採用した。一方で軽いテクスチャーに仕上げることで、奇抜な色でありながら使いやすさにもこだわった。

多様性を尊重し、高め合う関係

WWD：3人でどのようにお互いに刺激を与え、協力しているのか？

セシル：私たちはいつも、SNSアプリ「ワッツアップ（What’s App）」のグループチャットでアドバイスをし合っている。メイクアップアーティストとして活動することや、ブランドのコンサルティングをすることは、独立した仕事に見えるかもしれないが、3人の間でもそうだし、シャネル メークアップ クリエイティブ ストゥディオとも常に協業している。消費者は非常に多様で、異なるニーズや「美」の価値観、スタイルを持っている。異なるバックグラウンドの3人で意見を交わし合うことで、巨大なマーケットへ向けて新たな価値を提案していけると思う。

ヴァレンティナ：ほかのメイクアップアーティストと協業するのは初めてだったから、最初はうまくやっていけるのか不安だったが、初めて会った日に「美」というテーマで語り合い、すぐに意気投合した。私たちは「コメット コレクティヴ」として、自分のエゴは捨て、同じ目的のために働く。1人で活動していた時は孤独を感じたり、自己不信に陥ったりすることもあった。でも今は、新色を開発していて、暗いスキントーンにも合うかしら？と思った時にはアミィに相談するといったように、意見を交わすことで製品開発に生かしている。私たちはバックグラウンドや肌の色も異なるからこそ、日々お互いから学び合っている。

アミィ：メイクアップアーティストを長く続けていると、自分の「美」のビジョンが固まってきて、いつの間にか自分を周囲から切り離してしまうことがある。3人で意見を交換し合うことで、とても視野が広がったし、新たなアイデアが生まれてきた。セシルはマットな仕上がりを好み、ヴァレンティナは艶っぽさを求めるように、私たちの間でも嗜好は一様ではない。それぞれの感性の違いこそが、より多くの人々に響くプロダクトを生み出す原動力になる。巨大な市場に向けて、多様な価値観に応える製品開発が必要だと感じている。3人、そしてシャネル メークアップ クリエイティブ ストゥディオとの協業はとてもシームレスで、お互いの良さを理解しながら支え合えることがうれしい。

WWD：それぞれが最も大切にしている色と、その色にまつわるエピソードを教えてほしい。

ヴァレンティナ：個人的に一番好きな色は青だが、私がメイクで最も大切にしている色は赤。赤はパッションの色であり、私のメイクに対するパッションを表す色でもあると思っている。赤はとても強い色だが、一方でいろいろな色と相性がいい。

メイクの勉強を始めたころ、雑誌で見た「シャネル」のビンテージ広告が忘れられない。その広告でまぶたを彩っていたのは、赤いアイシャドウ。その赤はただの色ではなく、モデルの目に流れる血のようでもあり、強烈な印象を残した。私にとっての赤は、情熱の象徴であると同時に、メイクという表現を通じて語られるストーリーの一端のようなもの。

アミィ：私の場合は、自分の個性を象徴する、これといった色は特にない。年齢や気分、場所によっても引かれる色は変わってくるから。ただ思い出という点でいえば、ゴールド。実は若いころはゴールドが好きじゃなくて、シルバーばかり身につけていた。ゴールドを身につけるように母に説得されてもダメで、「大人になれば、ゴールドの良さが分かるようになるわよ」と言われていた。真に、今では私のジュエリーのほとんどはゴールドで、メイクをする時もゴールドでちょっとしたアクセントをつけるのを好んでいる。

セシル：私が大切にしている色はグリーン。特に翡翠の色が好きで、「シャネル」ではこういった色をたくさん作った。メイクでは珍しい色だが、赤やピンクといった王道の色も、このグリーンと合わせることでより美しさが際立つ。本当にすてきな組み合わせで、さまざまな肌の色に合うと思う。少し大胆だが、本当に胸がときめく色なので、翡翠の色が大好き。

マルチユースで、多様なニーズに応えられる製品開発

WWD：プロダクトやキャンペーンを通じて、どのような「美」を表現したいと考えているのか？

アミィ：私たち3人は、マルチユースで多面的な製品をもっと作りたいと考えている。軽やかなテクスチャーが特徴の、スティックタイプのフェイスカラー“ボーム エサンシエル スカルプティング”はその一例。頰の高い位置にのせ、フレッシュでデューイな印象を演出したり、クリームタイプのチークを塗る前に頰になじませ、シアーでぬれたようなみずみずしい効果を生み出したりできる。まぶたに塗布すると艶やかな仕上がりに、眉骨の上に添えれば眉のアーチが美しく際立つ。

セシル：マルチユースと一言でいっても、一つの製品で何役もこなすような製品のほか、テクスチャーの妙によって一般的に使いやすいソフトな印象から、よりプロフェッショナルなメイクアップやナイトルックまで仕上げられるような製品があり、その両方を重視している。

ヴァレンティナ：リキッドリップ“ル ルージュ デュオ ウルトラ トゥニュ”は唇にのみ使用する製品だが、ぼかしたような仕上がりや、きっちりと縁取ったボールドなリップなど、多様な表現ができる。リップカラーの反対側に付属する透明のグロスでコーティングすることで、艶のある仕上がりもかなえる。

WWD：今後「シャネル」で挑戦したいことは？

アミィ：開発には時間がかかったとしても、気軽でエフォートレスに感じる製品を作りたい。ビビッドな色合いで、冒険的に見える製品であっても、つけてみると軽やかなテクスチャーで、その人のパーソナリティーの一部と感じてもらえるような製品を目指している。

ヴァレンティナ：私は、アミィの気軽さに遊び心を加えたい。5月に発売した“レ ベージュ 2025 コレクション”のアイシャドウパレット“レ ベージュ パレット ルガール”には、目を引くような鮮やかなオレンジを入れた。メイクは自己愛や自己表現、自己発見の手法だと考えており、ルーティンになりがちな日々のメイクの中でも色で遊び、新たな自分を発見してほしいとの思いから、この色を採用した。私は人々に、色を恐れないでと伝えたい。メイクはただのメイクなんだから、もし気に入らなければ落とせばいいのよ。

セシル：私は、非常にたくさんの製品が市場に溢れる中で、競争力があり、輝くような製品を作りたい。気軽に手に取りやすい製品でありながら、ユニークであることも重要。自分自身を特別に感じられ、日常に刺激を与えられるような製品を届けたい。

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名作フレームを数多く生み出し、時代のアイコンを魅了し続けるアメリカのアイウエアブランド、「モスコット（MOSCOT）」。創業者のハイマン・モスコット（Hyman Moscot）がNYのオーチャードストリートにて手押し車で眼鏡を販売したことから歴史が始まり、1915年にロウワー・マンハッタンに1号店を構え今年で110年目という節目を迎えた。

ブランドがこれまで守り続けてきたものとは、そしてこの先をどう見据えているのか。4代目の経営者であり、オプトメトリスト（検眼医）の資格をもつハーヴェイ・モスコット（Harvey Moscot、写真右）と、5代目で工業デザイナーのザック・モスコット（Zack Moscot、写真左）のふたりに話を訊いた。

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名作フレームを数多く生み出し、時代のアイコンを魅了し続けるアメリカのアイウエアブランド、「モスコット（MOSCOT）」。創業者のハイマン・モスコット（Hyman Moscot）がNYのオーチャードストリートにて手押し車で眼鏡を販売したことから歴史が始まり、1915年にロウワー・マンハッタンに1号店を構え今年で110年目という節目を迎えた。

ブランドがこれまで守り続けてきたものとは、そしてこの先をどう見据えているのか。4代目の経営者であり、オプトメトリスト（検眼医）の資格をもつハーヴェイ・モスコット（Harvey Moscot、写真右）と、5代目で工業デザイナーのザック・モスコット（Zack Moscot、写真左）のふたりに話を訊いた。

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英国発ラグジュアリーオーガニックブランド「バンフォード（BAMFORD）」が日本上陸10周年を迎えた。これを機に、ブランド創業者であるキャロル・バンフォード（Carol Bamford）氏が2006年の創業時を振り返ると共に、4月下旬に六本木の東京ミッドタウンから東京・表参道の新商業施設「グリーンテラス 表参道」に移転した旗艦店や、日本市場に期待することなどを語った。

WWD：あらためて2006年にサステナブルなライフスタイルを提案し、「バンフォード」を立ち上げた経緯は？

キャロル・バンフォード「バンフォード」創業者（以下、キャロル）：「バンフォード」は、私の人生で起きたいくつかの“出会い”がきっかけで生まれました。はじまりは1976年に新生児だった娘をベビーカーに乗せて散歩していたときのこと。庭のバラがしおれていた原因が、隣家で使われていた除草剤“ラウンドアップ”だったと知った瞬間でした。その強い毒性に衝撃を受けました。その後、農業や家畜、関連産業の総合展示会「ロイヤル・アグリカルチャー・ショー」に訪れ、有機農業の考え方に出合いました。自然との調和を重んじ、農薬や抗生物質を使わずに作物を育てる——それが、私の人生を変える大きな転機になりました。

WWD：1988年に英国・コッツウォルズで有機農業をはじめた頃の印象的な出来事は？

キャロル：忘れられないのは、夫に「従来型の農業はやめる」と伝えた日のことです。当時の農場マネージャーは私を“狂っている”と思ったでしょう（笑）。実際、多くの人から理解を得られませんでした。有機農業は、今も昔も簡単な道ではありません。それでも、私は地球と未来の世代のために、この道を歩み続けています。

食から肌へ、ライフスタイル全体への展開

WWD：2002年にライフスタイルブランド「デイルスフォード（DAYLESFORD）」を開始。「バンフォード」はどう派生して誕生したのか。

キャロル：「デイルスフォード」は“食”の選択を見直す中で、同じ意識をライフスタイル全体に広げたいとはじめました。皮膚は体の中で最大の器官であり、体に取り入れる物に注目するなら、スキンケアも同じくらい重要です。肌に触れるもの全てに理由があるのです。そういった考えの中で化学物質を含まないナチュラルな製品作りを始めたのが「バンフォード」です。食品で避けている化学物質を含まない自然由来の製品を自分で作り、ボディーケアラインが生まれました。その後、アパレルやスキンケア、ホームフレグランスとラインアップを拡大しています。

WWD：スタート時と今では、消費者の意識も大きく変わった。

キャロル：オーガニックやウエルネスがメインストリームになり、市場も大きく拡大しました。私たちは製品をシンプル化し、環境への影響を抑えるために技術革新を取り入れています。たとえば、最近では植物幹細胞を活用した有効成分「ステムセルセラム」を開発しました。これは、自然資源への負荷を最小限にしながら、高品質な有効成分を抽出できる新たな試みです。

WWD：「バンフォード」の転機は？

キャロル：明確な転機はありませんね。直感に従ってきた結果、自然と事業が広がっていったんです。私たちの原則「自然とのつながりと癒やしの力を大切にする姿勢」を貫くことが、ブランドの成長につながったのだと思います。

日本市場を前向きに捉える

WWD：「バンフォード」が日本に進出してから10年が経過。現在の販売規模と店舗展開について、どう感じているのか。

キャロル：期待していたほどのスピードではありませんが、表参道に新店舗をオープンできたこと、そして今秋にはパートナーホテルである「ワンホテルトーキョー（1 HOTEL TOKYO）」が開業する予定で、非常に前向きに捉えています。さらに、キャセイパシフィック航空のファーストクラスおよびビジネスクラスでのアメニティー提供も続いており、日本市場でのブランド認知と売り上げは今後数年で大きく伸びると見ています。また、アパレルコレクションは三喜商事とのパートナーシップを継続中。最新作のアクティブウエアは、日本の消費者にも高く評価されると確信しています。

WWD：新しいフラッグシップストアに期待することは？

キャロル：より多くの人たちに「バンフォード」を体験していただきたいですね。オーガニックコスメブランドが多く集まる表参道に位置し、3つのトリートメントルームを備えた新店舗では、多くの新しい日本のお客さまに、英国のサステナブルでラグジュリーなブランドを体験していただけることを願っています。

WWD：日本市場への期待感は？

キャロル：日本の小売り業者から、当社の総合的なウエルネス製品（バス＆ボディー、スキンケア、ホームフレグランス、BGDメンズコレクション、マザー＆ベビーライン、アパレルコレクションなど）に関するお問い合わせを多くいただいています。旗艦店では、「バンフォード」の全ての要素を一カ所で体験いただけるよう展示しています。これにより、日本全国での事業拡大につなげたいですね。また、パレスホテル東京を含む日本全国の高級ホテルでの展開もこの取り組みを後押ししてくれています。

WWD：2023年に日本国内のディストリビューターがB Youに変わった。今後の期待することは？

キャロル：B Youは、塗料など流体の供給システムを手がける技術商社、IECのポートフォリオの一員であり、同社のサステナビリティへの情熱とラグジュアリー市場への深い理解には非常に感銘を受けています。これまでにも「バンフォード」のブランドプロモーションにおいて素晴らしい成果を上げており、さらなる成長に向けて強力なチームを構築しています。表参道の新店舗への取り組みと支援も彼らの本気度の表れ。今後数カ月の間に、ブランドがさらに大きく飛躍することを期待しています。

サステナビリティと革新性を追求するブランドへ深化

WWD：個人的にお気に入りの製品は？

キャロル：お気に入りを選ぶのは難しいですが、“ナリシングマスク”（ 50mL、1万8700円）は特に大好き。乾燥やくすみが気になる夜に薄く塗って眠ると、翌朝にはふっくら明るい肌に。まるで栄養をたっぷり補給したような感覚です。“ビーサイレント ピローミスト”（10mL、1650円）もお気に入りの一つ。睡眠はウエルネスの鍵。ラベンダーやフランキンセンスの香りが心と体を自然にリラックスさせてくれて、毎晩、そして旅先でも手放せません。

WWD：今後の「バンフォード」製品開発について。

キャロル：“ゼラニウム コレクション”は「バンフォード」のシグネチャーコレクションで、今年後半に20周年を記念してラインアップを拡大する予定です。新製品は、自宅の温室で育てているゼラニウムの多くの品種からインスパイアされたもので、私にとって非常に思い入れのある製品群。アパレルでは自社で育てたメリノウールを使用した第2弾のコレクションも開発中です。25年秋にイギリス国内で一貫して製造されたメリノウールのニットウエアとアクセサリーを発売する予定です。このコレクションは原料から製品化まで完全に追跡可能で、ウールはコッツウォルズの農場での飼育・刈り取りから、イギリスで最も才能あるテキスタイル職人による紡績・編み立てまで一貫して行われています。メリノウールのサプライチェーンを平均1万8000マイルから400マイルに短縮できたことは、大きな成果だと感じています。

WWD：「バンフォード」のビジネスをどう発展させるのか。

キャロル：常により持続可能なビジネスモデルを模索しています。循環型経済はバンフォードの理念と深く結びついており、他の事業との協業も促進しています。たとえば、「デイルスフォード」のカフェで出た有機コーヒーの残渣を“ビー バイブラント トニファイング ボディ ポリッシュ”（日本未発売）に再生。また、南仏レウブのブドウ収穫で出る副産物を、レスベラトロール配合のセラムやベジタブルレザーに転換するプロジェクトも進行中です。今後も革新的で環境に配慮した製品開発を追求していきます。

WWD：2025年に進出を予定している国や、新たな取り組みについては？

キャロル：オーストラリアのお客さまから、キャセイパシフィック航空や香港の店舗、日本各地の店舗を通じて「バンフォード」を知ったという多くのリクエストをいただいたので、 5月にオーストラリアの大手小売りメッカ・ブランズ（MECCA BRANDS）と共同で製品の販売を開始しました。彼らが自国で当社の製品を購入できるようになったことは、私にとっても非常に興奮するニュースです。現在、「バンフォード」は25カ国で事業を展開しており、今年中にさらに10カ国に進出し、グローバルな存在感を拡大する予定です。

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京都を舞台にした映画「ぶぶ漬けどうどす」が6月6日から公開された。同作は、京都の老舗の扇子屋の長男と結婚したフリーライターのまどかが、老舗の舞台裏をコミックエッセイにしようと意気揚々と夫の実家にやって来たものの、本音と建前を使い分ける京都人県民性を甘く見ていたために大失敗。しかし、京都愛に火がついたまどかは、周りを巻き込んで思わぬ事態を引き起こす……といった内容で、個性豊かなキャラクターが入り乱れて、京都の不思議な魅力をシニカルな笑いで描き出す。

監督は「素敵なダイナマイトスキャンダル」「白鍵と黒鍵の間に」など、独自の世界観で人間ドラマを描いてきた冨永昌敬。まどかを演じたのは初主演作「パンとバスと2度目のハツコイ」で高い評価を得てテレビや映画で幅広く活躍する深川麻衣。初顔合わせとなった2人に話を訊いた。

コメディエンヌとしての
深川麻衣

——「ぶぶ漬けどうどす」で深川さんが演じられたまどかは、最初は今時の若い女性のように見えますが、物語が進むに連れて先が読めない行動を取り始める。目が離せないユニークなキャラクターでしたね。

深川麻衣（以下、深川）：そうなんですよね。映画の後半からすごいパワーで動き出すんですけど、彼女のパワーの根源がどこにあるのか、撮影に入る前にずっと考えていました。まどかって、すごくピュアなんですよね。映画の前半では言われたことを全部真に受けて周りに迷惑をかけてヘコんでしまうんですけど、物語の後半は「自分が京都を守る！」という純粋な気持ちで暴走する。そういう真っ直ぐさは自分にはないので、いいなあって思いました。

冨永昌敬（以下、冨永）：いやいや、深川さんにもそういうところはあると思いますよ（笑）。

深川：ホントですか！　あるかなあ。

——そういう共通点があるのが、今回のキャスティングの理由の一つだったんですか？

冨永：そうですね。最近、深川さんはいろんな作品に出られていますが、サスペンスが続いていた中で「完全に詰んだイチ子はもうカリスマになるしかないの」（テレビ東京 2022年）を観た時に、ちょっとヒネくれた役をコメディーのように親しみやすく演じていたんです。深川さんは自分が演じる人物をしっかり把握していた。そういう役に対する理解力と深川さんが本来持っている親しみやすさが、まどかに必要だと思っていたんです。

——まどかのキャラクターについては、どんな話をされたのでしょうか。

冨永：キャラクターの話はそんなにしてないですね。どちらかというと、物語における役割についての話でした。まず、まどかが登場した時は、お客さんに応援してほしい。ちょっとおかしなことをし始めたら「やめた方がいいんじゃないの」って心配してほしい。そして、ある時点からはあきれてほしい。そんな風に物語の時間軸に沿って観客にどう見てほしいかを考えていったんです。

深川：そうでしたね。まどかがただ京都を引っかき回しているだけに見えたらもったいない気がして。お客さんに愛着を感じてもらえるようなキャラクターになればいいなって思ってました。まどかの身にはいろいろ大変なことが起こるんですけど、まどかは全然引きずらない。スーパー・ポジティブなんです。

冨永監督の発想力

——確かにまどかはメンタルが強いですよね。。京都で暮らし始めてすぐに大失敗をして完全なアウェイな状態に置かれてしまうのに、後半の巻き返しがすごい。深川さんは冨永監督の作品は今回が初めてですが、これまでの作品はご覧になっていました？

深川：拝見していました。冨永監督はいろんなジャンルの作品を撮られていますが、独自の世界観が広がっているじゃないですか。だから、今回ご一緒できることを楽しみにしていたんです。

冨永：自分が作った作品が、見る人に素っ気なく映るのが嫌なんですよ、「こんなの作ったんだけど観て！」っていう感じの馴れ馴れしい作品にしたくて。それが特殊な印象を与えているのかもしれないですね。

——気取った作品にしたくない？

冨永：そう。「馴れ馴れしいやつだな」って思われたいんです（笑）。

——深川さんは冨永監督にどんな印象を抱かれました？　「馴れ馴れしいやつ」でした？

深川：そんなことはなかったです（笑）。でもどの作品にも共通して、作り手の監督の人柄からにじみ出る面白さがあって。今回ご一緒して、やっぱり独自の感性をお持ちの方だなって衣装合わせの時から思いました。冨永監督は最初から衣装とか髪型に明確なイメージを持っているように感じて。

冨永：それは僕の方が考えている時間が長いからですよ。それに僕は深川さんからアイデアをもらっているんです。深川さんにまどかをお願いしようと思った時から、まだ返事もいただいていないのに、深川さんだったらどんな衣装がいいのかとか、いろいろ考え始めていたんです。だから現場で出てきたアイデアも、深川さんと一緒にシーンを作っているからこそ出てきたものなんです。

——深川麻衣という人物からインスパイアされて、いろいろとアイデアを思いつくわけですね。

冨永：そうです。みんな深川さんのせいなんです。

深川：「せい」って（笑）。

——監督は現場でいろんなアイデアを出されたということですが、深川さんの印象に残っているものはありますか？

深川：一番びっくりしたのは、最後の小さな鳥居を外して持って帰るところですね。台本にはなかったんですけど、段取りをやっているときに監督が「その鳥居、外して持って帰ってみましょうか」と言って、その場にいた全員がびっくりしていました。でも、その演出を受けてスタッフの皆さんが「だったら、こんな風に……」ってアイデアをいろいろ出してリアルタイムでシーンを作っていったんです。そういうことは他の現場ではあまり体験したことがなかったのですごく刺激的でしたね。

——監督はそういう風に現場でシーンを作っていくことが多いのでしょうか。

冨永：そうですね。みんなが面白がっているのが分かるんで。鳥居を外して持って帰るとおかしいだろうな、と自分では思っているんですけど、現場では笑わずにボソッと言うんです。そうすると、みんなが「えっ？　どういうこと」って思う。そして、少し間をおいて「このシーン、変だな」って気づくんです。

深川：そこまで計算されているんですね！

冨永：その場で思いついたことでしたけど、撮った後で、まどかだったら持って帰らないとおかしい、と思いました。普通の人だったら、そんなことは考えないだろうけど。

深川：そうですね。まどかは周りにどう思われても関係ないし。

——その後、まどかが環（室井滋が演じる義理の母）と激しい言い合いをする時に、その鳥居を悪魔と戦う時に使う十字架みたいに使っていたのがおかしかったです。

深川：それに気づいていただいてうれしいです（笑）。お母さんに取り憑いた悪霊を追い払おうとしているみたいな感じで使ったんです。

映画にも活かされた
京都の魅力

——監督が現場で思いついたアイデアを深川さんが演技に発展させた。すごくクリエイティブな現場だったのが伝わってきますね。今回、京都という街も重要な役割を果たしていましたが、今回の撮影で改めて京都と向き合われてどんな感想を持たれました？

深川：これまで観光で何度も京都に行ったことはあったんですけど、今回の撮影ではこれまで行ったことがない場所をいろいろ回らせていただいたんです。銭湯をリノベしたさらさ西陣さんとか、古い建物を改装して若い人に人気のカフェになっていたりして、世代を超えて歴史が受け継がれている。そういうことができるのが京都らしくてすてきだなって思いました。

冨永：深川さんのそういう感性は、まどかに通じるところがありますね。まどかが強烈なエネルギーを発揮できたのは京都が好きだったからなんですけど、なんでそこまで京都が好きなのか、その理由は撮影しながら考えていたんです。それが最近、ようやく分かったんですよ。京都の人のすごいところは修繕。古くからあるものを修繕しながら使い続ける発想と技術なんです。映画の中で「おくどさん」という京都のかまどが出てきますが、いまの時代、炊飯器を買えば手軽においしいご飯が炊けるのに、何世代もおくどさんを修繕して生活している。まどかはそういう京都の歴史につながりたかったんですよね。だから、最初は（夫の実家で扱っている）扇子に興味があるんですけど、途中から家のことばかり言い始めるんです。「この家を守らないと」って。まどかが興味があったのは京都の人の生活なんですよ。京都みたいな街は他にはありませんから。

——歴史は魅力的なコンテンツですもんね。最近は京都に限らず、古い民家をリノベーションしたカフェが日本各地でできているし。

深川：私も歴史を感じるものって好きなんです。時代劇にもロマンを感じて、その時代に暮らしてみたかったなって想像してしまうんです。電話がなかった時代って、どんな感じだったんだろうって。

冨永：そういうところも、ちょっとまどかっぽい（笑）。

——まどかの場合、熱い想いがエスカレートして最終的に京都を守るために戦い始めますよね。誰に頼まれたわけでもないのに（笑）。

冨永：そう（笑）。結局は承認欲求なんだと思います。

——大好きな京都という街に認めてもらいたい、という。この映画では、実は京都の人たちは、そんなに街の歴史に執着していないというところも描かれますね。環が実はマンションで楽に暮らしたいと考えていたり、老舗の和菓子屋がハロウィン向けのお菓子を売っていたり。

深川：この撮影で京都に滞在したり、京都の方にお話を伺ったりして思ったのは、京都のイメージが作られすぎていて、京都に住んでいる人たちは、京都らしさを押し付けられているんじゃないかなっていうことでした。私自身、無意識に京都らしさを京都の町や人々に求めていたかもしれないと気づいてドキッとしました。

冨永：俳優さんもそういう風に見られますからね。ファンの方が一方的に抱いている深川さんのイメージがあって、そういう風に振る舞うことを求められたり。

深川：確かにそういうことはありますね。

2人がハマったもの

——好きになった方が相手のイメージを勝手に膨らませる、というのは、ある意味、片思い状態とも言えますね。この映画はまどかの京都に対するラブストーリーとも言えると思うのですが、お2人はまどかのように恋愛以外で何かを熱烈に愛したことはありますか？

冨永：僕はあります。それは映画です……と言わなきゃいけないとこなんですけど、山椒魚なんです（笑）。

深川：えーっ！

——監督のデビュー作のタイトルが「パビリオン山椒魚」（06年）でしたもんね。どういうきっかけで山椒魚と恋に落ちたんですか？

冨永：井伏鱒二の「山椒魚」という小説を10代の時に読んで感動したんです。あれを読んで感動する平成の高校生というのも珍しいと思うんですけど。

深川：やっぱり、感性が独特ですね（笑）。

冨永：太宰治が山椒魚にどハマりした井伏鱒二をモデルにした短編を書いてるんですよ。そっちもめちゃくちゃ面白くて。太宰が書いた井伏って、まどかのように何かが好きすぎて極端な行動をとってしまう人物なんですよ。山椒魚に狂って大金を投じて地方に出かけていったりする。それで僕も岐阜県の山奥までオオサンショウウオを見に行ったりしたんです

深川：会えました？

冨永：普通にいました（笑）。一度、山椒魚を飼わなきゃいけないな、と思っていたころに、「パビリオン山椒魚」の構想ができたんです。実は京都にある京都水族館は山椒魚が有名なところなんですよね。というのも、台風で鴨川が増水したら山から流されてきた山椒魚が三条（※京都市内の中心部）あたりにいるらしいですよ。だから京都は山椒魚の街でもあるんですよね。そういうエピソードも映画に入れようかと思ったのですが、入れるととっちらかってしまうのでやめました。

——まどかが山椒魚と出会っていたかも知れないんですね（笑）。深川さんは愛さずにはいられないものはありますか？

深川：動物つながりで思いついたんですけど、私は犬が大好きなんです。いま愛犬を飼ってるんですけど、犬っていう存在が尊すぎて。撮影をしてても、犬が通ると絶対目を奪われてしまうんですよ。すごく触りたいんですけど、触ったら飼い主の方に失礼なので、その気持ちをぐっと我慢して観察してます。

——犬のどんなところに惹かれますか？

深川：エゴがなくてピュアでまっすぐなところがかわいいんですよね。

——まどかみたいですね（笑）。

深川：確かに（笑）。もし、私が財力と時間を持て余す大富豪だったら、30匹ぐらい犬を飼って一緒に暮らしたいです。

——ワンコ御殿を建てる（笑）。では、冨永監督は山椒魚御殿を。

冨永：僕も30匹の山椒魚と一緒に暮らします（笑）。

PHOTOS：RIE AMANO
STYLIST：[MAI FUKAGAWA]MIKU HARA
KIMONO DRESSING：[MAI FUKAGAWA]YUKO SEGUCHI
HAIR & MAKEUP：[MAI FUKAGAWA]KAREN SUZUKI

^{[MAI FUKAGAWA]着物 19万8000円、帯 13万2000（予定価格）、帯揚げ　1万3200円、三分紐　8800円、帯留 8800円、草履　2万7500円、刺しゅう半衿と中に入れた半襟は参考商品／すべてきものやまと（0120-18-8880）}

映画「ぶぶ漬けどうどす」

■映画「ぶぶ漬けどうどす」
6月6日公開
出演：深川麻衣、小野寺ずる、片岡礼子、大友律、若葉竜也、山下知子、森レイ子、幸野紘子、守屋えみ、尾本貴史、遠藤隆太、松尾貴史、豊原功補、室井滋
監督：冨永昌敬
企画・脚本：アサダアツシ
配給：東京テアトル
©2025「ぶぶ漬けどうどす」製作委員会
https://bubuduke.jp/index.html

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かもめんたるとして、「キングオブコント2013」で優勝し、20年と21年に2年連続で岸田國士戯曲賞に最終ノミネートされるなど、芸人や劇作家、脚本家、演出家、漫画家など、多岐にわたる分野でその才能を発揮する岩崎う大。5月には自身の半生を綴った初の自伝的エッセイ「かもめんたる岩崎う大のお笑いクロニクル　難しすぎる世界が僕を鬼才と呼ぶ」（扶桑社）を出版した。

同書は、幼少期からへ現在に至るまで、岩崎のお笑い・芸人に対する思いとともに、2000年代のお笑いシーンが当事者の視点で書かれており、当時を知る貴重な記録にもなっている。今回、岩崎に出版に至る経緯や相方・槙尾ユウスケ、そして芸人という仕事について語ってもらった。

「神様の采配はすごいな」と改めて感じた

——今回の本は、う大さんの半生を振り返るノンフィクションですが、編集者からの最初のオファーはどのようなものだったのでしょうか？

岩崎う大（以下、岩崎）：最初は、僕の半生を振り返りながら、その時代時代のお笑い、特に売れている芸人たちを分析するような本にしようかという話でした。僕の半生と、その時のエピソードに基づいた芸人さんの話を半々で、みたいな。でも、書き進めていくうちに、どんどん自分の半生について書くことが増えていって、結果的にはほとんど自分の話になりました。芸人という、ある意味特殊な職業の体験的な面白さもあるかなと。普通の人間だと思っている自分が芸人の道に進むのは、僕の中では当たり前だったけど、他人から見れば異常なこと。それを追体験してもらえるような形になっていきましたね。

——当初の構想から変わっていったことについて、軌道修正の話はなかったのですか？

岩崎：特に言われなかったですね。言われたらどうしようかな、とは思っていましたけど（笑）。

——読んでいて、う大さんの記憶力、特に感情の移り変わりの記述の克明さに驚きました。

岩崎：昔のことは、特に印象に残っていることを書いているだけなんですけどね。芸人になってからは、自分のブログとか、ネット上にあったライブのレポートとかも参考にしました。そういうのを見ると、当時のことを思い出したりして。意外と賞レースでその時に何のネタをやったかとかは覚えてないんですよね。ネット上の情報を頼りにしながら、本当に覚えていたことも含めて、心に刻まれている部分を書いていった感じです。

——半生を振り返ってみて、新たに気づいたことはありましたか？

岩崎：この本の最後にも書いたんですけど、やっぱり「神様の采配はすごいな」と改めて感じましたね。人生のいろんな関門が、それぞれつながっているんだなと。当時は無我夢中だったけど、振り返るとそう思います。

相方・槙尾ユウスケの存在

——ご自身の創作スタンスを「人間愛」に置いていると書かれていますが、この本もまさに人間愛に溢れていると感じました。ご家族や相方の槙尾（ユウスケ）さんなど、周りの人々が非常に魅力的に描かれています。

岩崎：槙尾のことも、そう感じました？ だとしたら、良かったです（笑）。

——ダメな部分も含めて魅力的でした。その槙尾さんを芸人としてどのように評価されていますか？

岩崎：（少し考えて）槙尾は、まず、かもめんたるとしては、僕がやりたいことを忠実に再現しようとしてくれる。そこに驚嘆しますね。普通、もっと自我を出したくなるんじゃないかなって。それは彼の素質なんだと思います。あとは、もしかしたら一般の人の感覚を持っているのかもしれないけど、それが芸人の中では異常なんです。普通の感性を持ったまま芸人界に乗り込んできている感じ。一番人間らしいのかもしれないですね。

——具体的にはどういうところに、それを感じますか？

岩崎：昔、楽屋に誰かがハブ酒を持ってきたことがあったんです。それを見て槙尾が「これ飲んだらもう、こっちとかこうでしょ」みたいな（股間で腕を突き上げる）ジェスチャーをしたんです。それが、ものすごく嫌で（笑）。あんまり芸人がやらない感じというか、彼自身もやりそうにないのに、普通にやる。商店街のおじさんっぽくもあり、嫌な上司っぽくもある。街にいる嫌なサラリーマンみたいなのが濃縮されているんですよね。飲み会で言ったら嫌われるようなことを平気でやっちゃう、そこが奇妙ですね（笑）。

——本書で書かれている槙尾さんがバイト代の25%を、ネタを書いているう大さんに払っていたという話に驚きました。

岩崎：あれもそうかもしれないですね、彼の中のビジネス感覚というか。優しい部分でもあると思うし、僕が一生懸命やっているのを認めてくれていたとも思います。本当にありがたかったし、それによって僕の精神衛生もすごく良くなった。お金にならない仕事に向き合うのって、しんどい時もあるけど、「槙尾も頑張ってるんだし」って思えたことで、1年でやれることが倍ぐらいになった気がします。

——練習でネタを録音するというのも、槙尾さんの提案だったとか。

岩崎：そうなんです。俺は最初、抵抗感があったんですけど、彼は今でも毎回ネタをちゃんと録音して送ってくれる。実際にネタを直す時に聞いたりしてるんで、当たり前のことだけど、芸人は意外とやらない。そういう当たり前をやるのが、槙尾なんですよね。

——コンビ仲が険悪になって一度、コンビの活動をセーブし、個人の活動をメインにされた時期があったそうですね。あの時の決断はどのような考えからだったのでしょう？

岩崎：あの時は、お互いにもう感謝できない状態でした。相手のことをリスペクトできない、大事に思えない。そうなってしまった以上、お互いの責任だから、一度別れて、それぞれに必要な試練が来るだろうと。コンビの問題を相手のせいにしている状態は意味がない。別れて、それぞれが受け取るべきものを受け取ろう、運命に委ねようという感覚でした。本当に瀕死の状態だったんです、精神的に。

——それを経て、現在のかもめんたるの関係性はいかがですか？

岩崎：結局、その終わり方もうやむやな感じだったんです。僕はいろいろと仕事があって忙しくしていたけど、槙尾は本当に何も言ってこなくて。「まだ謝らないのか」「すごい強情だな」とか思ってました（笑）。でも、2021年に「M-1」に挑戦しようってなったのが大きかったかな。結局、俺から軍門に下った形かもしれないけど（笑）。「M-1」っていう大きな目標ができたことで、2人の間のわだかまりはあまり気にならなくなった。もちろん、その過程で「こんなに話が通じないのか」って思うこともあったけど、それも必要な経過だったのかなって。分からないところはやらずに、通じるところで表現する。そうやって、あの漫才が形になったんだと思います。今は、槙尾がカレー屋さんを始めて、生活のリズムが正しくなったのか、だいぶメンタルも回復して、前より接しやすい人になりましたね。

賞レースの意義

——「M-1」への挑戦から「THE SECOND」、今年は「ダブルインパクト」にもエントリーされていますね。

岩崎：「THE SECOND」も普通に出て、やっぱり漫才も面白いなと。「M-1」が終わって、もう漫才はやらないかなと思っていたら、「THE SECOND」が始まった。6分という尺も良くて、面白いものができるなと。今年はスケジュールの都合で出られなかったんですけど、「ダブルインパクト」があると聞いて、もちろんやるっしょ、と。純粋にうれしいです。「俺たちのための大会」ぐらいの気持ちで臨んでます。

——近年、賞レースが増えていますが、この状況をどう思われますか？

岩崎：お笑いが盛り上がってるってことだから、いいことだと思います。チャンスがいっぱいあるのは良いこと。やってる方は大変だけど、それが仕事ですから。全部出る人もいれば、一つに絞る人もいる。それぞれのやり方でいいんじゃないかな。僕らは若手の頃、量産型だったので、いっぱい作れることをアピールできる場があるのは良いことだと思いますね。

——本の中で「キングオブコント」によって「漫才とコントがこの15年間でしっかりと住み分けされた」と書かれていますね。

岩崎：「キングオブコント』は、第1回から割とそこをはっきり打ち出していたんじゃないかなと、今振り返ると思いますね。歴史を歩むごとに、芸人も傾向と対策を練って、よりその方向に進んでいった。決勝に上がるメンバーのチョイスが、その方向性を決定づけていった気がします。特に、2009年に東京03さんがサンドウィッチマンさんに勝った時は、単純な面白さ以上に、「コントってこういうことだよね」っていう方向性が示されたようで、印象的でしたね。

——「キングオブコント」優勝後、バラエティー番組で苦しんだ時期があったそうですが、現在はどうですか？

岩崎：今は、前よりも楽しく臨めるようになりました。10年以上経って、少しずつ自分のキャラクターが浸透してきたし、自分も慣れてきた。優勝直後は「なんだこの若者は」っていう状態だったけど、今は「お笑いにうるさそう」「演劇とかやってるおじさん」みたいなイメージがあるから、自分のスタイルを出しやすくなった。当時は、自分でもどういうことを言う人間か分かってなくて、当たり障りのないことしか言えなかった。そりゃうまくいくわけないですよね。

——最近では「マツコ＆有吉かりそめ天国」（テレビ朝日）でのファイヤーショーのように体を張ることもやられていますね。

岩崎：ああいう仕事はまさにやりたかったことですね。「お笑いにうるさそう」なおじさんが、それとは真逆なことをやっているというのが面白いんだろうなっていうのもありますし、僕の中にはやっぱり人に笑ってもらいたいっていうのがあるんですよね。

お笑い批評とコンプライアンス

——お笑いの批評や審査員の経験は、ネタ作りに影響を与えていますか？

岩崎：批評は、みんなやったらいいと思うぐらい、勉強になりますね。自分のネタ作りにも反映されます。自分ならどうするか、という頭の体操になるし、アイデアの引き出しも鍛えられる。自分の作品を添削する時も、より冷静な目で見られるようになっている気がします。じわじわと底上げされている感じですね。

——昨今、いわゆるコンプライアンスが厳しくなっている状況は、ネタ作りに影響しますか？

岩崎：細かい部分で「こんなに厳しいんだ」と驚くことはありますけど、そもそも笑いって、そういうものをくぐり抜けて表現するから面白いっていう共通認識があると思うんです。ただ、コンプライアンスの基準が、今はまだ人や媒体によってバラバラだから、「常識がなんだか分からない」状態。それが一番難しい。それをどう華麗にクリアするか、という部分で楽しめているところもあります。表現している以上、誰かを傷つけてしまうことはあると思うんですよ。例えば、交通事故を題材にすると、それで身内が亡くなった人は必ずいますから。でも、昔から悲劇や不謹慎と言われるものの周辺に物語や笑いは生まれてきたし、それはある意味しょうがない部分かなと思っています。

——ネタ作りをする上で、譲れない部分はありますか？

岩崎：かもめんたるでやるネタに関しては、「自分たちがやる意味があるのか」ということは常に考えています。面白いのは当たり前として、自分たちの最大限の面白さを出すためには、やっぱり自分たちがやるべきネタであることが重要だと思っています。

——本の中で、小島よしおさんやカンニング竹山さんの助言を素直に聞いているのも印象的でした。普段からそういうスタンスなのですか？

岩崎：僕は、自分でルールを決めるのが苦手なんです。大喜利のお題を考えるのが苦手なのと近いかもしれない。与えられたフィールドの中で笑いを作る方が性に合っている。だから、ネタの中身は自分で決めたいけど、外のことに関しては、「難しそうだけどやってみます」というスタンス。人の意見が入ってないものって、やっぱり弱いと思うし、異物が入ってきて、それを乗り越えようとするところに表現や笑いが生まれる気がするんです。

——批評や演劇も、もともとはやりたくなかったとおっしゃっています。「やりたくないことをやる意義」についてはどうお考えですか？

岩崎：やりたくないことって、結局、よく分からないことや、自分の偏見で「ダサい」と思っていることだったりする。つまり、自分の外にある価値観ですよね。そういうところに飛び込んでみると、意外とちゃんとしたルールがあったり、面白い表現があったりして、自分の本業に返ってくることがある。神様の采配は見事だと思うから、やってみたら自分が思ってもみない展開になるんじゃないか、という興味もありますね。

——よく言われる「好きなことは売れてから」というのは本当だと思いますか？

岩崎：自分はまだそこまで行けてないんだなっていう気はしますね。ただ、そこまで行ける人なんてほぼいないんですよ。だからとっととやるべき。与えられたミッションの中に好きなことを入れていくしかないんだと思いますね。

——今では脚本家や漫画家など、さまざまな肩書きをお持ちですが、やはり呼ばれたい肩書きは「芸人」ですか？

岩崎：そうですね、芸人はやっぱり「憧れ」です。ずっと憧れている人生でもいいのかな、とも思います。今やっていることを突き詰めていっても、自分が最初に憧れた「芸人」という言葉から受ける印象とは、ちょっと違うような気がするんです。みんな、どこかでそういう感覚を持っているんじゃないかな。最初に自分がなりたいと思った芸人になれている人が、どれだけいるのか興味がありますね。

——「自分で作るお笑いが好き」「自分のファンだ」 という言葉が印象的でしたが、その気持ちを持ち続けるために大事にしていることは？

岩崎：過去にやったことをなぞらない、ということですかね。毎回、新しく掘る。枯れたらおしまいだと思っているので、そこは自分を信用して、毎回ちゃんと掘る。枯れるまでやれたら最高ですね。

——今後、やってみたい新しいことはありますか？

岩崎：映画は撮りたいなと。ただ、準備しているわけではないんですが、いずれ撮るんだろうな、逆になんで今まで撮ってないんだろうな、という気もしています。構想はまだまったくないんですけどね。それも神様がいい采配をしてくれるんだろうなと思ってます。

——英語も堪能ですが、海外に向けて何かやりたいという考えは？

岩崎：それも、何か必要に駆られてやりたいですね（笑）。「お願いします、できませんか？」って言われたら、やってみたいです。

家族と芸人

——この本は、奥様へのラブレター的な部分もあると感じました。どういったところに惹かれたのですか？

岩崎：ああ、まあ、明るいところかなあ。かわいいですよ、うちの妻（笑）。楽天主義なところもあるし。あと、うちの母とうまくやってくれてるところ。母の扱いが上手なんです。

——お母さまも強烈なキャラクターのようですね。

岩崎：そうなんですよ。うちの妻じゃないと離婚されてるかもしれないですね。母は優しいんですけど、それが度が過ぎちゃうというか。今は、ドライな関係が多いじゃないですか。うちに来た以上は娘よみたいな感覚だから、それに耐えられない人は多いかもしれないですね。

——奥様は、う大さんのことを面白いと言ってくれますか？

岩崎：俺の前では言ってくれてますし、他の芸人のネタでは笑わないですからね。気を使ってるのかもしれないけど、そこは頭のいい人ですよね（笑）。

——お子さんたちは、芸人としてのお父さんをどう見ていますか？

岩崎：そこは微妙ですね。あんまり評価はしてないんじゃないかなあ。しないでしょうね、子どもですから。長男は今、千鳥さんにめっちゃハマってます。僕と割と感覚は近いと思いますけど、かもめんたるのネタを好んでは見てないですね（笑）。

——ご家族の存在は、芸人をやっていく上でどういう影響がありますか？

岩崎：家族の会話はめちゃくちゃ聞いてますね。本音の会話だから、聞いてて楽しいし、会話劇の勉強にもなる。今、子供が大きくなり始めて、すごく寂しいんですよ。妻が幼かった頃の子供たちの写真を送ってくるんですけど、100%戻れないじゃないですか。これはすごいな、人生って思いますね。家族はめちゃくちゃ大事だし、この本は、僕に何かあった時に「お父さんこういう人だったんだよ」って分かる本になったなと思っています。

PHOTOS：MASASHI URA

芸人コンビ「かもめんたる」として活動する岩崎う大が、その半生を綴った初の自伝的エッセイ。そしてそれは、2000年代のお笑いシーンを当事者の視点で捉えた貴重な記録でもある。
著者：岩崎う大
判型：四六判
定価：1760円
出版社：扶桑社
https://www.fusosha.co.jp/books/detail/9784594100650

The post 「演劇や批評はやりたくなかった」　かもめんたる・岩崎う大が語る「不得意な仕事をやる理由」 appeared first on WWDJAPAN.

かもめんたるとして、「キングオブコント2013」で優勝し、20年と21年に2年連続で岸田國士戯曲賞に最終ノミネートされるなど、芸人や劇作家、脚本家、演出家、漫画家など、多岐にわたる分野でその才能を発揮する岩崎う大。5月には自身の半生を綴った初の自伝的エッセイ「かもめんたる岩崎う大のお笑いクロニクル　難しすぎる世界が僕を鬼才と呼ぶ」（扶桑社）を出版した。

同書は、幼少期からへ現在に至るまで、岩崎のお笑い・芸人に対する思いとともに、2000年代のお笑いシーンが当事者の視点で書かれており、当時を知る貴重な記録にもなっている。今回、岩崎に出版に至る経緯や相方・槙尾ユウスケ、そして芸人という仕事について語ってもらった。

「神様の采配はすごいな」と改めて感じた

——今回の本は、う大さんの半生を振り返るノンフィクションですが、編集者からの最初のオファーはどのようなものだったのでしょうか？

岩崎う大（以下、岩崎）：最初は、僕の半生を振り返りながら、その時代時代のお笑い、特に売れている芸人たちを分析するような本にしようかという話でした。僕の半生と、その時のエピソードに基づいた芸人さんの話を半々で、みたいな。でも、書き進めていくうちに、どんどん自分の半生について書くことが増えていって、結果的にはほとんど自分の話になりました。芸人という、ある意味特殊な職業の体験的な面白さもあるかなと。普通の人間だと思っている自分が芸人の道に進むのは、僕の中では当たり前だったけど、他人から見れば異常なこと。それを追体験してもらえるような形になっていきましたね。

——当初の構想から変わっていったことについて、軌道修正の話はなかったのですか？

岩崎：特に言われなかったですね。言われたらどうしようかな、とは思っていましたけど（笑）。

——読んでいて、う大さんの記憶力、特に感情の移り変わりの記述の克明さに驚きました。

岩崎：昔のことは、特に印象に残っていることを書いているだけなんですけどね。芸人になってからは、自分のブログとか、ネット上にあったライブのレポートとかも参考にしました。そういうのを見ると、当時のことを思い出したりして。意外と賞レースでその時に何のネタをやったかとかは覚えてないんですよね。ネット上の情報を頼りにしながら、本当に覚えていたことも含めて、心に刻まれている部分を書いていった感じです。

——半生を振り返ってみて、新たに気づいたことはありましたか？

岩崎：この本の最後にも書いたんですけど、やっぱり「神様の采配はすごいな」と改めて感じましたね。人生のいろんな関門が、それぞれつながっているんだなと。当時は無我夢中だったけど、振り返るとそう思います。

相方・槙尾ユウスケの存在

——ご自身の創作スタンスを「人間愛」に置いていると書かれていますが、この本もまさに人間愛に溢れていると感じました。ご家族や相方の槙尾（ユウスケ）さんなど、周りの人々が非常に魅力的に描かれています。

岩崎：槙尾のことも、そう感じました？ だとしたら、良かったです（笑）。

——ダメな部分も含めて魅力的でした。その槙尾さんを芸人としてどのように評価されていますか？

岩崎：（少し考えて）槙尾は、まず、かもめんたるとしては、僕がやりたいことを忠実に再現しようとしてくれる。そこに驚嘆しますね。普通、もっと自我を出したくなるんじゃないかなって。それは彼の素質なんだと思います。あとは、もしかしたら一般の人の感覚を持っているのかもしれないけど、それが芸人の中では異常なんです。普通の感性を持ったまま芸人界に乗り込んできている感じ。一番人間らしいのかもしれないですね。

——具体的にはどういうところに、それを感じますか？

岩崎：昔、楽屋に誰かがハブ酒を持ってきたことがあったんです。それを見て槙尾が「これ飲んだらもう、こっちとかこうでしょ」みたいな（股間で腕を突き上げる）ジェスチャーをしたんです。それが、ものすごく嫌で（笑）。あんまり芸人がやらない感じというか、彼自身もやりそうにないのに、普通にやる。商店街のおじさんっぽくもあり、嫌な上司っぽくもある。街にいる嫌なサラリーマンみたいなのが濃縮されているんですよね。飲み会で言ったら嫌われるようなことを平気でやっちゃう、そこが奇妙ですね（笑）。

——本書で書かれている槙尾さんがバイト代の25%を、ネタを書いているう大さんに払っていたという話に驚きました。

岩崎：あれもそうかもしれないですね、彼の中のビジネス感覚というか。優しい部分でもあると思うし、僕が一生懸命やっているのを認めてくれていたとも思います。本当にありがたかったし、それによって僕の精神衛生もすごく良くなった。お金にならない仕事に向き合うのって、しんどい時もあるけど、「槙尾も頑張ってるんだし」って思えたことで、1年でやれることが倍ぐらいになった気がします。

——練習でネタを録音するというのも、槙尾さんの提案だったとか。

岩崎：そうなんです。俺は最初、抵抗感があったんですけど、彼は今でも毎回ネタをちゃんと録音して送ってくれる。実際にネタを直す時に聞いたりしてるんで、当たり前のことだけど、芸人は意外とやらない。そういう当たり前をやるのが、槙尾なんですよね。

——コンビ仲が険悪になって一度、コンビの活動をセーブし、個人の活動をメインにされた時期があったそうですね。あの時の決断はどのような考えからだったのでしょう？

岩崎：あの時は、お互いにもう感謝できない状態でした。相手のことをリスペクトできない、大事に思えない。そうなってしまった以上、お互いの責任だから、一度別れて、それぞれに必要な試練が来るだろうと。コンビの問題を相手のせいにしている状態は意味がない。別れて、それぞれが受け取るべきものを受け取ろう、運命に委ねようという感覚でした。本当に瀕死の状態だったんです、精神的に。

——それを経て、現在のかもめんたるの関係性はいかがですか？

岩崎：結局、その終わり方もうやむやな感じだったんです。僕はいろいろと仕事があって忙しくしていたけど、槙尾は本当に何も言ってこなくて。「まだ謝らないのか」「すごい強情だな」とか思ってました（笑）。でも、2021年に「M-1」に挑戦しようってなったのが大きかったかな。結局、俺から軍門に下った形かもしれないけど（笑）。「M-1」っていう大きな目標ができたことで、2人の間のわだかまりはあまり気にならなくなった。もちろん、その過程で「こんなに話が通じないのか」って思うこともあったけど、それも必要な経過だったのかなって。分からないところはやらずに、通じるところで表現する。そうやって、あの漫才が形になったんだと思います。今は、槙尾がカレー屋さんを始めて、生活のリズムが正しくなったのか、だいぶメンタルも回復して、前より接しやすい人になりましたね。

賞レースの意義

——「M-1」への挑戦から「THE SECOND」、今年は「ダブルインパクト」にもエントリーされていますね。

岩崎：「THE SECOND」も普通に出て、やっぱり漫才も面白いなと。「M-1」が終わって、もう漫才はやらないかなと思っていたら、「THE SECOND」が始まった。6分という尺も良くて、面白いものができるなと。今年はスケジュールの都合で出られなかったんですけど、「ダブルインパクト」があると聞いて、もちろんやるっしょ、と。純粋にうれしいです。「俺たちのための大会」ぐらいの気持ちで臨んでます。

——近年、賞レースが増えていますが、この状況をどう思われますか？

岩崎：お笑いが盛り上がってるってことだから、いいことだと思います。チャンスがいっぱいあるのは良いこと。やってる方は大変だけど、それが仕事ですから。全部出る人もいれば、一つに絞る人もいる。それぞれのやり方でいいんじゃないかな。僕らは若手の頃、量産型だったので、いっぱい作れることをアピールできる場があるのは良いことだと思いますね。

——本の中で「キングオブコント」によって「漫才とコントがこの15年間でしっかりと住み分けされた」と書かれていますね。

岩崎：「キングオブコント』は、第1回から割とそこをはっきり打ち出していたんじゃないかなと、今振り返ると思いますね。歴史を歩むごとに、芸人も傾向と対策を練って、よりその方向に進んでいった。決勝に上がるメンバーのチョイスが、その方向性を決定づけていった気がします。特に、2009年に東京03さんがサンドウィッチマンさんに勝った時は、単純な面白さ以上に、「コントってこういうことだよね」っていう方向性が示されたようで、印象的でしたね。

——「キングオブコント」優勝後、バラエティー番組で苦しんだ時期があったそうですが、現在はどうですか？

岩崎：今は、前よりも楽しく臨めるようになりました。10年以上経って、少しずつ自分のキャラクターが浸透してきたし、自分も慣れてきた。優勝直後は「なんだこの若者は」っていう状態だったけど、今は「お笑いにうるさそう」「演劇とかやってるおじさん」みたいなイメージがあるから、自分のスタイルを出しやすくなった。当時は、自分でもどういうことを言う人間か分かってなくて、当たり障りのないことしか言えなかった。そりゃうまくいくわけないですよね。

——最近では「マツコ＆有吉かりそめ天国」（テレビ朝日）でのファイヤーショーのように体を張ることもやられていますね。

岩崎：ああいう仕事はまさにやりたかったことですね。「お笑いにうるさそう」なおじさんが、それとは真逆なことをやっているというのが面白いんだろうなっていうのもありますし、僕の中にはやっぱり人に笑ってもらいたいっていうのがあるんですよね。

お笑い批評とコンプライアンス

——お笑いの批評や審査員の経験は、ネタ作りに影響を与えていますか？

岩崎：批評は、みんなやったらいいと思うぐらい、勉強になりますね。自分のネタ作りにも反映されます。自分ならどうするか、という頭の体操になるし、アイデアの引き出しも鍛えられる。自分の作品を添削する時も、より冷静な目で見られるようになっている気がします。じわじわと底上げされている感じですね。

——昨今、いわゆるコンプライアンスが厳しくなっている状況は、ネタ作りに影響しますか？

岩崎：細かい部分で「こんなに厳しいんだ」と驚くことはありますけど、そもそも笑いって、そういうものをくぐり抜けて表現するから面白いっていう共通認識があると思うんです。ただ、コンプライアンスの基準が、今はまだ人や媒体によってバラバラだから、「常識がなんだか分からない」状態。それが一番難しい。それをどう華麗にクリアするか、という部分で楽しめているところもあります。表現している以上、誰かを傷つけてしまうことはあると思うんですよ。例えば、交通事故を題材にすると、それで身内が亡くなった人は必ずいますから。でも、昔から悲劇や不謹慎と言われるものの周辺に物語や笑いは生まれてきたし、それはある意味しょうがない部分かなと思っています。

——ネタ作りをする上で、譲れない部分はありますか？

岩崎：かもめんたるでやるネタに関しては、「自分たちがやる意味があるのか」ということは常に考えています。面白いのは当たり前として、自分たちの最大限の面白さを出すためには、やっぱり自分たちがやるべきネタであることが重要だと思っています。

——本の中で、小島よしおさんやカンニング竹山さんの助言を素直に聞いているのも印象的でした。普段からそういうスタンスなのですか？

岩崎：僕は、自分でルールを決めるのが苦手なんです。大喜利のお題を考えるのが苦手なのと近いかもしれない。与えられたフィールドの中で笑いを作る方が性に合っている。だから、ネタの中身は自分で決めたいけど、外のことに関しては、「難しそうだけどやってみます」というスタンス。人の意見が入ってないものって、やっぱり弱いと思うし、異物が入ってきて、それを乗り越えようとするところに表現や笑いが生まれる気がするんです。

——批評や演劇も、もともとはやりたくなかったとおっしゃっています。「やりたくないことをやる意義」についてはどうお考えですか？

岩崎：やりたくないことって、結局、よく分からないことや、自分の偏見で「ダサい」と思っていることだったりする。つまり、自分の外にある価値観ですよね。そういうところに飛び込んでみると、意外とちゃんとしたルールがあったり、面白い表現があったりして、自分の本業に返ってくることがある。神様の采配は見事だと思うから、やってみたら自分が思ってもみない展開になるんじゃないか、という興味もありますね。

——よく言われる「好きなことは売れてから」というのは本当だと思いますか？

岩崎：自分はまだそこまで行けてないんだなっていう気はしますね。ただ、そこまで行ける人なんてほぼいないんですよ。だからとっととやるべき。与えられたミッションの中に好きなことを入れていくしかないんだと思いますね。

——今では脚本家や漫画家など、さまざまな肩書きをお持ちですが、やはり呼ばれたい肩書きは「芸人」ですか？

岩崎：そうですね、芸人はやっぱり「憧れ」です。ずっと憧れている人生でもいいのかな、とも思います。今やっていることを突き詰めていっても、自分が最初に憧れた「芸人」という言葉から受ける印象とは、ちょっと違うような気がするんです。みんな、どこかでそういう感覚を持っているんじゃないかな。最初に自分がなりたいと思った芸人になれている人が、どれだけいるのか興味がありますね。

——「自分で作るお笑いが好き」「自分のファンだ」 という言葉が印象的でしたが、その気持ちを持ち続けるために大事にしていることは？

岩崎：過去にやったことをなぞらない、ということですかね。毎回、新しく掘る。枯れたらおしまいだと思っているので、そこは自分を信用して、毎回ちゃんと掘る。枯れるまでやれたら最高ですね。

——今後、やってみたい新しいことはありますか？

岩崎：映画は撮りたいなと。ただ、準備しているわけではないんですが、いずれ撮るんだろうな、逆になんで今まで撮ってないんだろうな、という気もしています。構想はまだまったくないんですけどね。それも神様がいい采配をしてくれるんだろうなと思ってます。

——英語も堪能ですが、海外に向けて何かやりたいという考えは？

岩崎：それも、何か必要に駆られてやりたいですね（笑）。「お願いします、できませんか？」って言われたら、やってみたいです。

家族と芸人

——この本は、奥様へのラブレター的な部分もあると感じました。どういったところに惹かれたのですか？

岩崎：ああ、まあ、明るいところかなあ。かわいいですよ、うちの妻（笑）。楽天主義なところもあるし。あと、うちの母とうまくやってくれてるところ。母の扱いが上手なんです。

——お母さまも強烈なキャラクターのようですね。

岩崎：そうなんですよ。うちの妻じゃないと離婚されてるかもしれないですね。母は優しいんですけど、それが度が過ぎちゃうというか。今は、ドライな関係が多いじゃないですか。うちに来た以上は娘よみたいな感覚だから、それに耐えられない人は多いかもしれないですね。

——奥様は、う大さんのことを面白いと言ってくれますか？

岩崎：俺の前では言ってくれてますし、他の芸人のネタでは笑わないですからね。気を使ってるのかもしれないけど、そこは頭のいい人ですよね（笑）。

——お子さんたちは、芸人としてのお父さんをどう見ていますか？

岩崎：そこは微妙ですね。あんまり評価はしてないんじゃないかなあ。しないでしょうね、子どもですから。長男は今、千鳥さんにめっちゃハマってます。僕と割と感覚は近いと思いますけど、かもめんたるのネタを好んでは見てないですね（笑）。

——ご家族の存在は、芸人をやっていく上でどういう影響がありますか？

岩崎：家族の会話はめちゃくちゃ聞いてますね。本音の会話だから、聞いてて楽しいし、会話劇の勉強にもなる。今、子供が大きくなり始めて、すごく寂しいんですよ。妻が幼かった頃の子供たちの写真を送ってくるんですけど、100%戻れないじゃないですか。これはすごいな、人生って思いますね。家族はめちゃくちゃ大事だし、この本は、僕に何かあった時に「お父さんこういう人だったんだよ」って分かる本になったなと思っています。

PHOTOS：MASASHI URA

芸人コンビ「かもめんたる」として活動する岩崎う大が、その半生を綴った初の自伝的エッセイ。そしてそれは、2000年代のお笑いシーンを当事者の視点で捉えた貴重な記録でもある。
著者：岩崎う大
判型：四六判
定価：1760円
出版社：扶桑社
https://www.fusosha.co.jp/books/detail/9784594100650

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ファッション・ビューティ領域では近年、勢いのあるスタートアップ企業が次々と生まれ、業界に新しい風を吹かせている。
 
リカバリーウエア「バクネ（BAKUNE）」を引っ提げ、約183億円の時価総額で東証グロース市場に上場（6月4日時点で時価総額271億円）を果たしたテンシャル。片石貴展社長率いるアパレル企業のyutori。そんな近年の注目の企業・ブランドの成長支援を手掛けてきたのが、アカツキ傘下のコーポレートベンチャーキャピタル（CVC）であるDawn Capitalだ。 
 
石倉壱彦氏は同社の代表パートナーとして、ライフスタイル領域を中心に“人々の心を動かすサービスやプロダクト”を投資支援。個人としては「ハーリップトゥ（HER LIP TO）」を展開する小嶋陽菜のheart relationなどにおいて、コーポレートアドバイザーとしてもバックアップしている。ファッション・ビューティ業界でも台風の目となるブランドを生み出してきた立役者だ。そんな彼の投資哲学、次代を作るブランドの目利きについて聞いた。

WWD：まず、Dawn Capitalの出自と事業内容について教えてほしい。
 
石倉壱彦 Dawn Capitalジェネラルパートナー（以下、石倉）：Dawn Capitalは、アカツキのコーポレートベンチャーキャピタル（CVC）として2022年に立ち上げた投資ファンドだ。前身は18年にスタートしたHeart Driven Fundで、当時からエンタメやライフスタイル領域を中心にスタートアップ投資を行ってきた。これまでに累計84社へ投資を行い、うちIPO５社・M&A７社のイグジットを果たしている。
 
WWD：CVCとしての特徴や強みは？
 
石倉：Dawn Capitalは、エンタメ事業を主軸とするアカツキが、ゲームなどで得た事業利益をもとに投資を行っている。我々が重視しているのは、「人の心を動かすプロダクトやサービス」への投資。単に事業計画や数値部分だけを見るだけでなく、その事業がどのような感情を喚起し、どのような新しい価値体験を創出しうるのかといった、“ワクワクするのか？という情緒的な意義”までを評価の対象としている。
 
そうしたアカツキのビジョンに一致するかを前提にしつつ、投資方針はあくまでも財務リターンを重視。CVCの多くが自社との事業シナジーを重視する方向性が強いが、我々は財務リターンを確実に出しながら、事業シナジーを創出する投資を、再現性高く行っていくことを目指している。2025年には過去の投資額を回収する“リクープ”を達成した。
 
我々のスタンスは、投資して終わりではない。投資後はブランド戦略、マーケティング、PR、資金調達、大企業との協業、プロダクト開発に至るまで、本当に手を動かしながら支援する。私自身もスタートアップの経営経験を持っており、単なる“出資者”ではなく、経営チームの一員として並走する姿勢を貫く。それがDawn Capitalのスタイルだ。

 
WWD：投資先の好事例は？
 
石倉：まず挙げたいのが、冷凍ヘルシーミールのD2Cを展開している「グリーンスプーン（GREEN SPOON）」。事業が成長している中で、ファミリーマートとの協業や著名人とのコラボレーションを支援し、メディア露出やブランドの拡張を更に加速し、速いスピードで江崎グリコとのM&Aが実現した。
 
もう一つ印象的な事例が、「ロイブ（LOIVE）」「pilates K」などの女性専用フィットネススタジオを全国で展開するライフクリエイト（LIFE CREATE）。われわれは、彼女たちが上場を目指して店舗を急拡大するタイミングで約7億円の投資を行い、同時に金融機関からの約15億円の融資を主導した。加えて、コロナ禍でスタジオ運営が困難となった時期には、金融機関からの大きな融資が受けられるまでの期間、通常の出資ではなく、約2億の融資を行った。
 
そして単なる資金提供にとどまらず、コーポレート機能、販路開拓、人材の紹介、ファイナンス設計にまで踏み込んで支援を行ってきた。

意見しない投資家に「価値なし」
テンシャルのブレイクを後押し

WWD：アパレル企業にも積極的に投資しているが、たとえば近年では、リカバリーウエア「バクネ」のテンシャルが話題の上場企業となっている。どのような点にポテンシャルを感じたのか。
 
石倉：彼らとの出会いは、もともとスポーツや健康に特化したメディアを運営していた頃にさかのぼる。月間4000万〜5000万円規模のアフィリエイト送客を実現できるほどSEOに強く、「このチームは市場のニーズを正確に捉えている。ユーザーの求めるものにも非常に敏感だ」と感じた。
 
最初に手がけたプロダクトはインソールだった。正直「なぜインソールなのだろうか」とは思ったが、それでもしっかりと売り上げを作っていた。コロナ禍が到来したときも、彼らはいち早くマスクを開発し、月商1億円を突破するまでに至った。
 
そのスピード感と柔軟性に感服した感じた半面、「この波が去った後、何を作れるか？」が真の勝負だと考えた。だから私は「今はボーナスタイムに過ぎない。この間に次の一手を準備すべきだ」と背中を押した。彼らからしたら、“叱咤”に近いトーンだったかもしれないが。
 
WWD：ときに投資先と衝突することもあるのか。
 
石倉：もちろんある。むしろ、意見を言わない投資家に価値はないと考えている。投資先の経営陣にとっては“うるさい存在”かもしれないが、そこまで踏み込むからこそ、信頼関係が構築されると信じている。
 
テンシャルとは、その後も毎週のように新規事業の壁打ちを重ねてきた。そして彼ら自身でたどり着いたのが“リカバリーウェア”という領域だった。SEOで培った知見、コロナ禍で学んだマーケティング、そしてプロダクト開発に対する執念。これらすべてが噛み合い、一気にブレイクスルーを果たした。

yutori片石社長の嗅覚
「次世代の文化を作ろうとしている」

WWD：yutoriの片石社長は、もともとアカツキの新卒社員だった。起業後は、Heart Driven Fundの支援が現在の礎となった。
 
石倉：：片石君は、2年間ほど新規事業に従事した後、起業する流れになった。当時、われわれとしても“卒業生の挑戦を後押しする”という意味合いを込め、最初の資金を提供した。もちろん情に流されたわけではない。彼が「古着」という一見地味な領域に、強い嗅覚から独自のマーケティング感覚を持ち込んでいた点に、大きな可能性を感じた。
 
WWD：石倉氏の目から見て、yutoriの卓越した点とは何か。
 
石倉： yutoriは、SNS時代におけるアパレルのあり方を再定義するブランドを次々に生み出し、急成長を遂げている。ZOZOグループに入ったことで、我々の持ち株は売却したが、それ以降も片石君とは継続的に対話を重ねてきた。
 
今ではyutoriは、次の世代のブランドや文化を創出する側に回ろうとしていると感じている。片石君の強みは、「カルチャーを先につくる力」。プロダクトはあくまで手段であり、共感を得る言語、緻密に構築されたコミュニティ、SNS上での温度管理。そうしたソーシャル時代のブランド構築において、極めて高い感覚値を有していると思う。

小嶋陽菜は“先頭に立つ”経営者

 
WWD：「ハーリップトゥ」を展開する小嶋陽菜氏のHeart Relationも石倉氏個人の投資先。いわゆる“芸能人ブランド”の類に見えるが、多くの同類ブランドが短命に終わる中で、「ハーリップトゥ」は頭ひとつ抜けた。違いは何か。
 
石倉：最初に話をもらったときは、正直なところ少し「疑って」いた。芸能人がブランドを立ち上げるのはよくある話で、事務所の延長のようなプロジェクトも少なくない。しかし小嶋氏と直接話して、すぐに「この人は本物だ」と確信した。
 
彼女は、服のデザインはもちろん、ブランドのコンセプト作り、動画撮影や編集、ブランドのSNSを含めた全てのクリエイティブを自らの目で細部まで確認し、納得するまで妥協せずにやり切る。それらは義務としてではなく、ブランド表現の手段として徹底されている。とりわけ印象的だったのが、「ファンに対して自分が一番責任を持つ」という強い自覚だった。
 
そうした“先頭に立つ経営者”がいるブランドは強い。チームも彼女の本気度に引っ張られ、全員がその背中に自発的に付いていっている。これまで数多くのインフルエンサー系ブランドを見てきたが、ここまで自己表現と事業運営が一致しているケースは極めて稀だ。

WWD：こうした勢いのあるスタートアップが“台風の目”となり、既存の大手企業が支配してきた業界の構図や常識も、徐々に変わりつつあるように感じる。
 
石倉：まさにその通り。ファッションやビューティ領域においては、これまでの大手企業の競争優位性に変化が生じている。かつてはマス広告や大手流通網に載せることが成功の絶対条件であったが、今はSNSを中心にデジタル上で、強いコミュニティーが醸成され、「共感」や「体験」を軸にブランドが成立する時代になってきた。
 
その構造変化の波を的確に捉えたのが、テンシャルであり、yutoriであり、「ハーリップトゥ」だった。彼らは大企業が見落としがちな隙間や、供給過多に陥ったマーケットの温度差を見抜き、そこに情熱とストーリーを乗せていった。つまり、経済合理性では説明しきれない価値を創出する力を持っていた。そしてその価値は、確実に社会に浸透し始めている。

大手とスタートアップを橋渡し
業界が変わるうねりを生み出したい

WWD：とはいえ、大企業が保有する研究開発力、物流インフラ、グローバルネットワークといった資源は依然として圧倒的だ。
 
石倉：だからこそ、われわれが注力しているのが、スタートアップと大企業との橋渡し。たとえばテンシャルとANAとの連携、 GREEN SPOONとファミリーマートとの連携、繊維素材を開発するamphicoと繊維商社との連携など、大企業が持つアセットとスタートアップの情熱と勢いを接続することで、価値創出の幅を一気に広げることできる。
 
このとき重要になるのは、スタートアップ自身が、自らの「武器」と「弱点」を正しく理解しているかどうか。大企業と手を組むことで得られるリソースと、場合によっては失われかねない独自性。このバランスをいかに設計するかがカギだ。その設計支援こそが、われわれの重要な役割だと認識している。
 
WWD：そうした“橋渡し”が活発化すれば、ワクワク感を失いつつある業界が、より面白くなっていきそうだ。
 
石倉：まさにそうなってくれることが本望。私自身も、この仕事をしている一番の理由は、「世の中にもっとワクワクを増やしたい」から。Dawn Capitalという名前も、「夜明け」や「始まり」の象徴として名付けたもの。新しい才能や価値観が生まれ、それが波紋のように社会へと広がっていく。その瞬間に立ち会えることこそ投資家の醍醐味だ。
 
ファッションやビューティ等のライフスタイルの世界は、人の感情と強く結びついている。新しい可能性を注ぎ込める起業家がもっと増え、大企業がそれを支える、あるいは巻き込まれれば、業界もいい方向へ変わっていくだろう。そうした動的な推進力が、もっともっと生まれてほしい。
 
WWD：これから業界で事業を立ち上げようとする人々にとって、どのようなマインドセットが求められると考えるか。
 
石倉：最も重要なのは、「時代を読む力」と「自分ごと化する力」の両立。流行をなぞるだけのブランドはすぐに飽きられてしまうし、逆に自分の世界観に酔っているだけでも他者には響かない。社会がどう変化しつつあるのか、その中で何が満たされていないのかを見極める。これは言い換えるなら、市場への共感力にほかならない。先に挙げたテンシャルやyutoriのように、「自分ならこうしたい」という熱意と覚悟を持てるかどうかも、同じくらい重要だろう。
 
そして、柔軟性と粘り強さもだ。最初に描いたプランが、そのままうまくいくことなんてない。そこからどう学び、どう修正し、どう仲間を巻き込んでいくかが大事になる。私は常々、「“型”をつくるのではなく、“物語”を一緒につくっていこう」と起業家に伝えている。プロダクトや売り上げではなく、その事業がいかに人の心を動かすのか。そこに真摯に向き合える人こそが、次の時代を作る存在になるのだと思う。

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ファッション・ビューティ領域では近年、勢いのあるスタートアップ企業が次々と生まれ、業界に新しい風を吹かせている。
 
リカバリーウエア「バクネ（BAKUNE）」を引っ提げ、約183億円の時価総額で東証グロース市場に上場（6月4日時点で時価総額271億円）を果たしたテンシャル。片石貴展社長率いるアパレル企業のyutori。そんな近年の注目の企業・ブランドの成長支援を手掛けてきたのが、アカツキ傘下のコーポレートベンチャーキャピタル（CVC）であるDawn Capitalだ。 
 
石倉壱彦氏は同社の代表パートナーとして、ライフスタイル領域を中心に“人々の心を動かすサービスやプロダクト”を投資支援。個人としては「ハーリップトゥ（HER LIP TO）」を展開する小嶋陽菜のheart relationなどにおいて、コーポレートアドバイザーとしてもバックアップしている。ファッション・ビューティ業界でも台風の目となるブランドを生み出してきた立役者だ。そんな彼の投資哲学、次代を作るブランドの目利きについて聞いた。

WWD：まず、Dawn Capitalの出自と事業内容について教えてほしい。
 
石倉壱彦 Dawn Capitalジェネラルパートナー（以下、石倉）：Dawn Capitalは、アカツキのコーポレートベンチャーキャピタル（CVC）として2022年に立ち上げた投資ファンドだ。前身は18年にスタートしたHeart Driven Fundで、当時からエンタメやライフスタイル領域を中心にスタートアップ投資を行ってきた。これまでに累計84社へ投資を行い、うちIPO５社・M&A７社のイグジットを果たしている。
 
WWD：CVCとしての特徴や強みは？
 
石倉：Dawn Capitalは、エンタメ事業を主軸とするアカツキが、ゲームなどで得た事業利益をもとに投資を行っている。我々が重視しているのは、「人の心を動かすプロダクトやサービス」への投資。単に事業計画や数値部分だけを見るだけでなく、その事業がどのような感情を喚起し、どのような新しい価値体験を創出しうるのかといった、“ワクワクするのか？という情緒的な意義”までを評価の対象としている。
 
そうしたアカツキのビジョンに一致するかを前提にしつつ、投資方針はあくまでも財務リターンを重視。CVCの多くが自社との事業シナジーを重視する方向性が強いが、我々は財務リターンを確実に出しながら、事業シナジーを創出する投資を、再現性高く行っていくことを目指している。2025年には過去の投資額を回収する“リクープ”を達成した。
 
我々のスタンスは、投資して終わりではない。投資後はブランド戦略、マーケティング、PR、資金調達、大企業との協業、プロダクト開発に至るまで、本当に手を動かしながら支援する。私自身もスタートアップの経営経験を持っており、単なる“出資者”ではなく、経営チームの一員として並走する姿勢を貫く。それがDawn Capitalのスタイルだ。

 
WWD：投資先の好事例は？
 
石倉：まず挙げたいのが、冷凍ヘルシーミールのD2Cを展開している「グリーンスプーン（GREEN SPOON）」。事業が成長している中で、ファミリーマートとの協業や著名人とのコラボレーションを支援し、メディア露出やブランドの拡張を更に加速し、速いスピードで江崎グリコとのM&Aが実現した。
 
もう一つ印象的な事例が、「ロイブ（LOIVE）」「pilates K」などの女性専用フィットネススタジオを全国で展開するライフクリエイト（LIFE CREATE）。われわれは、彼女たちが上場を目指して店舗を急拡大するタイミングで約7億円の投資を行い、同時に金融機関からの約15億円の融資を主導した。加えて、コロナ禍でスタジオ運営が困難となった時期には、金融機関からの大きな融資が受けられるまでの期間、通常の出資ではなく、約2億の融資を行った。
 
そして単なる資金提供にとどまらず、コーポレート機能、販路開拓、人材の紹介、ファイナンス設計にまで踏み込んで支援を行ってきた。

意見しない投資家に「価値なし」
テンシャルのブレイクを後押し

WWD：アパレル企業にも積極的に投資しているが、たとえば近年では、リカバリーウエア「バクネ」のテンシャルが話題の上場企業となっている。どのような点にポテンシャルを感じたのか。
 
石倉：彼らとの出会いは、もともとスポーツや健康に特化したメディアを運営していた頃にさかのぼる。月間4000万〜5000万円規模のアフィリエイト送客を実現できるほどSEOに強く、「このチームは市場のニーズを正確に捉えている。ユーザーの求めるものにも非常に敏感だ」と感じた。
 
最初に手がけたプロダクトはインソールだった。正直「なぜインソールなのだろうか」とは思ったが、それでもしっかりと売り上げを作っていた。コロナ禍が到来したときも、彼らはいち早くマスクを開発し、月商1億円を突破するまでに至った。
 
そのスピード感と柔軟性に感服した感じた半面、「この波が去った後、何を作れるか？」が真の勝負だと考えた。だから私は「今はボーナスタイムに過ぎない。この間に次の一手を準備すべきだ」と背中を押した。彼らからしたら、“叱咤”に近いトーンだったかもしれないが。
 
WWD：ときに投資先と衝突することもあるのか。
 
石倉：もちろんある。むしろ、意見を言わない投資家に価値はないと考えている。投資先の経営陣にとっては“うるさい存在”かもしれないが、そこまで踏み込むからこそ、信頼関係が構築されると信じている。
 
テンシャルとは、その後も毎週のように新規事業の壁打ちを重ねてきた。そして彼ら自身でたどり着いたのが“リカバリーウェア”という領域だった。SEOで培った知見、コロナ禍で学んだマーケティング、そしてプロダクト開発に対する執念。これらすべてが噛み合い、一気にブレイクスルーを果たした。

yutori片石社長の嗅覚
「次世代の文化を作ろうとしている」

WWD：yutoriの片石社長は、もともとアカツキの新卒社員だった。起業後は、Heart Driven Fundの支援が現在の礎となった。
 
石倉：：片石君は、2年間ほど新規事業に従事した後、起業する流れになった。当時、われわれとしても“卒業生の挑戦を後押しする”という意味合いを込め、最初の資金を提供した。もちろん情に流されたわけではない。彼が「古着」という一見地味な領域に、強い嗅覚から独自のマーケティング感覚を持ち込んでいた点に、大きな可能性を感じた。
 
WWD：石倉氏の目から見て、yutoriの卓越した点とは何か。
 
石倉： yutoriは、SNS時代におけるアパレルのあり方を再定義するブランドを次々に生み出し、急成長を遂げている。ZOZOグループに入ったことで、我々の持ち株は売却したが、それ以降も片石君とは継続的に対話を重ねてきた。
 
今ではyutoriは、次の世代のブランドや文化を創出する側に回ろうとしていると感じている。片石君の強みは、「カルチャーを先につくる力」。プロダクトはあくまで手段であり、共感を得る言語、緻密に構築されたコミュニティ、SNS上での温度管理。そうしたソーシャル時代のブランド構築において、極めて高い感覚値を有していると思う。

小嶋陽菜は“先頭に立つ”経営者

 
WWD：「ハーリップトゥ」を展開する小嶋陽菜氏のHeart Relationも石倉氏個人の投資先。いわゆる“芸能人ブランド”の類に見えるが、多くの同類ブランドが短命に終わる中で、「ハーリップトゥ」は頭ひとつ抜けた。違いは何か。
 
石倉：最初に話をもらったときは、正直なところ少し「疑って」いた。芸能人がブランドを立ち上げるのはよくある話で、事務所の延長のようなプロジェクトも少なくない。しかし小嶋氏と直接話して、すぐに「この人は本物だ」と確信した。
 
彼女は、服のデザインはもちろん、ブランドのコンセプト作り、動画撮影や編集、ブランドのSNSを含めた全てのクリエイティブを自らの目で細部まで確認し、納得するまで妥協せずにやり切る。それらは義務としてではなく、ブランド表現の手段として徹底されている。とりわけ印象的だったのが、「ファンに対して自分が一番責任を持つ」という強い自覚だった。
 
そうした“先頭に立つ経営者”がいるブランドは強い。チームも彼女の本気度に引っ張られ、全員がその背中に自発的に付いていっている。これまで数多くのインフルエンサー系ブランドを見てきたが、ここまで自己表現と事業運営が一致しているケースは極めて稀だ。

WWD：こうした勢いのあるスタートアップが“台風の目”となり、既存の大手企業が支配してきた業界の構図や常識も、徐々に変わりつつあるように感じる。
 
石倉：まさにその通り。ファッションやビューティ領域においては、これまでの大手企業の競争優位性に変化が生じている。かつてはマス広告や大手流通網に載せることが成功の絶対条件であったが、今はSNSを中心にデジタル上で、強いコミュニティーが醸成され、「共感」や「体験」を軸にブランドが成立する時代になってきた。
 
その構造変化の波を的確に捉えたのが、テンシャルであり、yutoriであり、「ハーリップトゥ」だった。彼らは大企業が見落としがちな隙間や、供給過多に陥ったマーケットの温度差を見抜き、そこに情熱とストーリーを乗せていった。つまり、経済合理性では説明しきれない価値を創出する力を持っていた。そしてその価値は、確実に社会に浸透し始めている。

大手とスタートアップを橋渡し
業界が変わるうねりを生み出したい

WWD：とはいえ、大企業が保有する研究開発力、物流インフラ、グローバルネットワークといった資源は依然として圧倒的だ。
 
石倉：だからこそ、われわれが注力しているのが、スタートアップと大企業との橋渡し。たとえばテンシャルとANAとの連携、 GREEN SPOONとファミリーマートとの連携、繊維素材を開発するamphicoと繊維商社との連携など、大企業が持つアセットとスタートアップの情熱と勢いを接続することで、価値創出の幅を一気に広げることできる。
 
このとき重要になるのは、スタートアップ自身が、自らの「武器」と「弱点」を正しく理解しているかどうか。大企業と手を組むことで得られるリソースと、場合によっては失われかねない独自性。このバランスをいかに設計するかがカギだ。その設計支援こそが、われわれの重要な役割だと認識している。
 
WWD：そうした“橋渡し”が活発化すれば、ワクワク感を失いつつある業界が、より面白くなっていきそうだ。
 
石倉：まさにそうなってくれることが本望。私自身も、この仕事をしている一番の理由は、「世の中にもっとワクワクを増やしたい」から。Dawn Capitalという名前も、「夜明け」や「始まり」の象徴として名付けたもの。新しい才能や価値観が生まれ、それが波紋のように社会へと広がっていく。その瞬間に立ち会えることこそ投資家の醍醐味だ。
 
ファッションやビューティ等のライフスタイルの世界は、人の感情と強く結びついている。新しい可能性を注ぎ込める起業家がもっと増え、大企業がそれを支える、あるいは巻き込まれれば、業界もいい方向へ変わっていくだろう。そうした動的な推進力が、もっともっと生まれてほしい。
 
WWD：これから業界で事業を立ち上げようとする人々にとって、どのようなマインドセットが求められると考えるか。
 
石倉：最も重要なのは、「時代を読む力」と「自分ごと化する力」の両立。流行をなぞるだけのブランドはすぐに飽きられてしまうし、逆に自分の世界観に酔っているだけでも他者には響かない。社会がどう変化しつつあるのか、その中で何が満たされていないのかを見極める。これは言い換えるなら、市場への共感力にほかならない。先に挙げたテンシャルやyutoriのように、「自分ならこうしたい」という熱意と覚悟を持てるかどうかも、同じくらい重要だろう。
 
そして、柔軟性と粘り強さもだ。最初に描いたプランが、そのままうまくいくことなんてない。そこからどう学び、どう修正し、どう仲間を巻き込んでいくかが大事になる。私は常々、「“型”をつくるのではなく、“物語”を一緒につくっていこう」と起業家に伝えている。プロダクトや売り上げではなく、その事業がいかに人の心を動かすのか。そこに真摯に向き合える人こそが、次の時代を作る存在になるのだと思う。

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フォトアーティスト・ARISAKがファッション＆ビューティ業界の多彩なクリエイターと共鳴し、新たなビジュアル表現を追求する連載【ARISAK Labo】。Vol.5となる今回は、ロンドン発の気鋭バンドhard lifeのフロントマン・Murray（マレー）が登場。今夏アルバム「オニオン（onion）」をリリースする彼が来日し、東京で夢を模索する姿をARISAKが捉える。

「まるで映画のワンシーンのような撮影だった」
Inside story of Murray × ARISAK
Interviewed by Daniel Takeda

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今回の撮影について「東京に来るたびに色々な人と出会い、自身のコミュニティーを広げているMurrayにインスピレーションを受けて、日本に降りたった異星人をイメージした。最初は孤独で悲しい表情から、徐々に愛を取り戻し希望に満ちていくようなストーリーを描きました」とARISAK。その撮影の裏側について、かねてから両者と親交がある竹田ダニエルがインタビューした。

竹田ダニエル（以下、ダニエル）：まず、今回の撮影に至った経緯から教えてください

Murray（マレー）：日本滞在中、とにかく面白いことがしたくて、いろんなクリエイティブな人に会っていたんです。そんな時、ダニエルが「ARISAKに会ってみて」と言ってくれて。作品を見た瞬間、「これはヤバい、めちゃくちゃかっこいい」と衝撃を受けました。GOAT（Greatest of All Time）だと思ったし、「ロンドンでも一緒にやろうよ、絶対ウケるから！」ってすぐに言ったくらい。彼女の作品って、“ザ・日本”みたいな感じじゃなくて、NYやロンドン、パリでも通用する洗練さがある。それが本当にかっこよかった。

撮影企画の準備をするにあたって、彼女が送ってくれたイメージやリファレンス、衣装のルックブックも全部好みで、もうタイミングも内容も完璧でした。

ダニエル：撮影当日はどうでしたか？

Murray：最高でした。ARISAKは事前にストーリーを丁寧に説明してくれて、「君は地球に来たばかりのエイリアンで、少し寂しいけど、日本にいることでだんだん心が和らいでいく」っていう設定があったんです。その物語に沿って、表情や動きを変えていく。普通のファッション撮影だと「とにかくかっこよく撮れればOK」って感じだけど、今回は全体が一つの映像作品のように作り込まれていて、すごく没入感がありました。

ARISAK：最初にMurrayと話したとき、「日本で仲間を見つけてコミュニティーを広げている」というエピソードが印象的で、それをもとに「異星人が日本に降り立ち、さまよいながらこの国に馴染んでいく」という裏ストーリーを考えました。彼が映画『PERFECT DAYS』の世界観が好きだと聞いて、神社や日本茶のカフェ、竹林といったロケーションを選びました。衣装やメイクも、感情の変化を表現できるように工夫しています。たとえば最初は涙のような表情、後半はハートのシールで少しずつ柔らかく明るい表情になるように構成しました。

ダニエル：東京という街に特別な思い入れがあるようですね？

Murray：本当に特別な場所です。白金では友達のTaka Perry（以下、Taka）とアルバムを一緒に作ったし、また来月戻ってくる予定もあります。何度来ても、“自分はエイリアンだ”って感覚が抜けないんです。でもそれが心地よくて。日本語も少し話せるけど、「これで合ってるのかな？」って不安になることもあって、常に境界にいるような感覚がある。

でも、東京は何かを始めるのに最適な場所。誰も結果を気にせず「とりあえずやってみよう」という空気があって、怖がらずに挑戦できる。ロンドンとはまた違ったクリエイティブな流れがあります。

ダニエル：日本に対する印象や、特に好きなことは？

Murray：日本にはもう何度も来ていますが、今でも自分は“外から来たエイリアン”のような気持ちが消えません。ちょっとだけ日本語が話せても、常に「外側」にいる感覚がある。でも、日本の秋は本当に好き。木の色や空気感、イギリスでは見たことがない景色です。

ARISAK：Murrayさんが「本音と建前」という言葉を知っていた時は驚きました。文化的な背景を理解しようとしているのが伝わってきて、とても嬉しかったです。

ダニエル：Murrayさんは、今回の撮影で日本的なロケーションを多く巡りましたが、それについてどう感じましたか？

Murray：あれは最高だったね。すごく小さなチームで、機動力もあって、何カ所も移動してさ。まるで週末に友達と遊んでるみたいな感覚だった。みんなで神社に行って、一緒にお参りしたのもすごく可愛くて、楽しかった。日本の友達に連れられて、神社やお寺に行くのって、実は何度かあって。拍手を打って、お辞儀して、お祈りするあの一連の流れが、本当に特別に感じるんだよね。すごくいい。

「これはマニフェスト（願望の可視化）だよ」ってダニエルが言ってたけど、それもすごくいい考えだと思う。イギリスには似たような文化がないからなおさらね。僕の世代って、あまり宗教に属してないし、でも日本の同世代の友達は「宗教的」ではなくても、すごくスピリチュアルだと思う。自然と精神性が生活に根付いてる。イギリスではそういうのって希薄なんだよ。

例えば、「いただきます」っていう文化もそう。食べ物に感謝して、自然や神様や命に敬意を払う。それってすごく深いことで、僕たちの文化にはなかなかない。イギリスでは「道は自分のもの」って感覚が強いけど、日本では「共有する」ものなんだよね。電車の中でも、みんな静かにしてて、スペースを“取る”んじゃなくて“譲る”という考え方。あれ、ほんとに好きだな。

ダニエル：今まで何度も日本に来てると思いますが、特に印象に残ってる季節や場所はありますか？

Murray：初めて来たのは4年前で、東京と大阪に行って3週間くらい滞在した。それからまた来て、去年の9月から10月には京都と沖縄にも行った。で、11月から12月末まではずっと東京にいて、それからまた戻ってきた。今度もまた東京に行く予定だし、今度は初めて九州（熊本と大分）にも行くんだ。最終的には夢の地、北海道にも行きたいし、Takaの出身地・仙台にも行って、A5ランクの仙台牛も食べたい（笑）。

季節で言うと、秋が一番好きだな。桜も好きだけど、正直言うと、東京の秋はもっと美しいと思ってる。あの紅葉、池に鯉が泳いでる庭園、全部が信じられないくらい静かで、平和で──世界で一番落ち着ける場所なんじゃないかって思うよ。

ダニエル：日本滞在が、音楽活動にも影響を与えたのでしょうか？

Murray：うん、大きく影響したよ。実は、3度目の日本滞在のとき、僕はイギリスで音楽を続けることにすごく疲れていて、マネージャーとレーベルにも「もう音楽を辞めたい」って宣言してたんだ。ちょうどパートナーとも別れた直後で、人生のどん底にいた。

そんな時に、日本があった。ロンドンから一番遠くて、自分が一番好きな場所だった。誰とも話したくなくて、でもTakaと毎日スタジオ・オニオンにこもって、一緒に曲を作ってた。それが、今のアルバムのタイトルにもなった。

精神的にも本当に辛い時期だったけど、ずっとセラピーも続けてたし、日本での生活が少しずつ自分を立て直してくれたんだ。特に秋の東京で、木々が色づいて、自然が死に向かっていくその移ろいの中で、自分も再生されていった気がする。

そういう背景があるから、東京は僕にとってただの都市じゃなくて、自分自身が変わるきっかけをくれた場所。だからこそ、こんなに大事に思ってるんだと思う。アルバムは完成したけど、僕の中では「まだ日本に来る旅」は終わっていないんだ。

ダニエル：今回の撮影で、キャラクターを演じる感覚があったと？

Murray：まさにそう。普段は「そのままの自分でいてください」って言われることが多いけど、今回は完全に“役を演じる”体験でした。オーバーサイズの衣装も動きやすくて、特にあのバルーンっぽい衣装は完全にエイリアン（笑）。あれ着てると自然にキャラに入り込めた。全体として「写真」というより、「ミュージックビデオ」や「短編映画」のような感覚でした。

ダニエル：演出面ではどうでしたか？

Murray：すごく的確で助かりました。「今はちょっと寂しい気持ちで」「この環境を初めて体験している感じで」と、ARISAKが常にキャラクターの内面に立ち戻らせてくれる。演じる上で、そのガイドがとても心強かったし、表現の幅も自然に広がりました。普通の撮影なら「かっこよく」だけで終わるところが、今回は「このキャラならどう動く？ どう表情を作る？」と、すべて一緒に作っていった感覚でした。

ダニエル：ARISAKさんから見たマレーさんの印象は？

ARISAK：本当に表現力がすごくて、「今ちょっと悲しい感じで」と一言伝えるだけで、何パターンもすぐに出してくれるんです。モデルというより俳優のように、キャラクターを掴んで即座に反応してくれるので、撮影していてとても楽でした。アシスタントも「今のすごい！」って感動していて（笑）。とにかく、ただ撮られているというより、一緒に物語を“演じて”くれるのが印象的でした。

ダニエル：撮影中に印象的だったエピソードは？

Murray：撮影後にARISAKが代官山にある「Tea Bucks」のお茶をプレゼントしてくれたんですけど、それを車に置き忘れちゃって。でも、なんと彼女が自宅から恵比寿まで届けに来てくれたんです！それには本当に感動しました。「これが“おもてなし”か！」って。人としてもアーティストとしても、ほんとに素敵な人だと思います。

ダニエル：この撮影は連載の一部でもあるんですよね

ARISAK：
はい。この連載では、ただの「今月のゲスト紹介」にならないように、毎回の企画がつながっていく構成を意識しています。写真だけど、映画のように伏線があったり、世界観が広がっていくようにしたいんです。たとえば前のゲストと今月のゲストの物語が、裏でリンクしていたりもします。

Murray：すごいよね。本当に「一つの映画を観ている」みたいな感じ。しかも東京って、そういう“自然なつながり”が実際に生まれる場所でもあると思う。僕とARISAK、ダニエル、Taka（Perry）、SIRUPとも、全部が偶然から始まって、それが作品になっていく。それが東京の面白さであり、魔法だと思う。

ダニエル：撮影現場の雰囲気はどうでしたか？

ARISAK：日本の撮影現場は基本的に静かで真面目。でも今回は小さなチームでロケ地を移動して、神社でお祈りもしたりして、リラックスしながら楽しく撮れました。Murrayさんが現場の雰囲気を盛り上げてくれたので、チーム全体がいいムードになりました。

Murray：その通りで、撮影というより「週末に友達と遊んでいる」ような感じでした。何よりも、みんなと同じ方向を向いてクリエイティブに取り組めたのが嬉しかったです。

ダニエル：最後に、お互いにメッセージを

ARISAK：また一緒に作品を作れたら嬉しいです！ 今回は“写真”の枠を超えたコラボレーションができて、自分にとっても大きな挑戦でした。マレーの表現力には本当に助けられました。

Murray：こちらこそ、本当にありがとう。東京で、こんなに楽しくて意味のある撮影ができたことは奇跡だと思っています。次に来たときも、ぜひまた何か一緒に作りましょう！

^{CREDIT
LOOK1：JACKET, SHIRT, PANTS / MA-A。, RINGS / MAHANA, OTHERS / STYLIST OWN
LOOK2：JACKET, SHOES / BUNKA FASHION COLLEGE, EYEWEAR / 3DID
LOOK3：SHOES / BUNKA FASHION COLLEGE}

^{DIRECITON & PHOTOS：ARISAK
MODEL：MURRAY FROM HARD LIFE
HAIR & MAKEUP：JUNA UEHARA
STYLING：JINKI
TEXT：DANIEL TAKEDA
SPECIAL THANKS：TeaBucks, 大宮八幡宮, THE TOKYO}

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フォトアーティスト・ARISAKがファッション＆ビューティ業界の多彩なクリエイターと共鳴し、新たなビジュアル表現を追求する連載【ARISAK Labo】。Vol.5となる今回は、ロンドン発の気鋭バンドhard lifeのフロントマン・Murray（マレー）が登場。今夏アルバム「オニオン（onion）」をリリースする彼が来日し、東京で夢を模索する姿をARISAKが捉える。

「まるで映画のワンシーンのような撮影だった」
Inside story of Murray × ARISAK
Interviewed by Daniel Takeda

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今回の撮影について「東京に来るたびに色々な人と出会い、自身のコミュニティーを広げているMurrayにインスピレーションを受けて、日本に降りたった異星人をイメージした。最初は孤独で悲しい表情から、徐々に愛を取り戻し希望に満ちていくようなストーリーを描きました」とARISAK。その撮影の裏側について、かねてから両者と親交がある竹田ダニエルがインタビューした。

竹田ダニエル（以下、ダニエル）：まず、今回の撮影に至った経緯から教えてください

Murray（マレー）：日本滞在中、とにかく面白いことがしたくて、いろんなクリエイティブな人に会っていたんです。そんな時、ダニエルが「ARISAKに会ってみて」と言ってくれて。作品を見た瞬間、「これはヤバい、めちゃくちゃかっこいい」と衝撃を受けました。GOAT（Greatest of All Time）だと思ったし、「ロンドンでも一緒にやろうよ、絶対ウケるから！」ってすぐに言ったくらい。彼女の作品って、“ザ・日本”みたいな感じじゃなくて、NYやロンドン、パリでも通用する洗練さがある。それが本当にかっこよかった。

撮影企画の準備をするにあたって、彼女が送ってくれたイメージやリファレンス、衣装のルックブックも全部好みで、もうタイミングも内容も完璧でした。

ダニエル：撮影当日はどうでしたか？

Murray：最高でした。ARISAKは事前にストーリーを丁寧に説明してくれて、「君は地球に来たばかりのエイリアンで、少し寂しいけど、日本にいることでだんだん心が和らいでいく」っていう設定があったんです。その物語に沿って、表情や動きを変えていく。普通のファッション撮影だと「とにかくかっこよく撮れればOK」って感じだけど、今回は全体が一つの映像作品のように作り込まれていて、すごく没入感がありました。

ARISAK：最初にMurrayと話したとき、「日本で仲間を見つけてコミュニティーを広げている」というエピソードが印象的で、それをもとに「異星人が日本に降り立ち、さまよいながらこの国に馴染んでいく」という裏ストーリーを考えました。彼が映画『PERFECT DAYS』の世界観が好きだと聞いて、神社や日本茶のカフェ、竹林といったロケーションを選びました。衣装やメイクも、感情の変化を表現できるように工夫しています。たとえば最初は涙のような表情、後半はハートのシールで少しずつ柔らかく明るい表情になるように構成しました。

ダニエル：東京という街に特別な思い入れがあるようですね？

Murray：本当に特別な場所です。白金では友達のTaka Perry（以下、Taka）とアルバムを一緒に作ったし、また来月戻ってくる予定もあります。何度来ても、“自分はエイリアンだ”って感覚が抜けないんです。でもそれが心地よくて。日本語も少し話せるけど、「これで合ってるのかな？」って不安になることもあって、常に境界にいるような感覚がある。

でも、東京は何かを始めるのに最適な場所。誰も結果を気にせず「とりあえずやってみよう」という空気があって、怖がらずに挑戦できる。ロンドンとはまた違ったクリエイティブな流れがあります。

ダニエル：日本に対する印象や、特に好きなことは？

Murray：日本にはもう何度も来ていますが、今でも自分は“外から来たエイリアン”のような気持ちが消えません。ちょっとだけ日本語が話せても、常に「外側」にいる感覚がある。でも、日本の秋は本当に好き。木の色や空気感、イギリスでは見たことがない景色です。

ARISAK：Murrayさんが「本音と建前」という言葉を知っていた時は驚きました。文化的な背景を理解しようとしているのが伝わってきて、とても嬉しかったです。

ダニエル：Murrayさんは、今回の撮影で日本的なロケーションを多く巡りましたが、それについてどう感じましたか？

Murray：あれは最高だったね。すごく小さなチームで、機動力もあって、何カ所も移動してさ。まるで週末に友達と遊んでるみたいな感覚だった。みんなで神社に行って、一緒にお参りしたのもすごく可愛くて、楽しかった。日本の友達に連れられて、神社やお寺に行くのって、実は何度かあって。拍手を打って、お辞儀して、お祈りするあの一連の流れが、本当に特別に感じるんだよね。すごくいい。

「これはマニフェスト（願望の可視化）だよ」ってダニエルが言ってたけど、それもすごくいい考えだと思う。イギリスには似たような文化がないからなおさらね。僕の世代って、あまり宗教に属してないし、でも日本の同世代の友達は「宗教的」ではなくても、すごくスピリチュアルだと思う。自然と精神性が生活に根付いてる。イギリスではそういうのって希薄なんだよ。

例えば、「いただきます」っていう文化もそう。食べ物に感謝して、自然や神様や命に敬意を払う。それってすごく深いことで、僕たちの文化にはなかなかない。イギリスでは「道は自分のもの」って感覚が強いけど、日本では「共有する」ものなんだよね。電車の中でも、みんな静かにしてて、スペースを“取る”んじゃなくて“譲る”という考え方。あれ、ほんとに好きだな。

ダニエル：今まで何度も日本に来てると思いますが、特に印象に残ってる季節や場所はありますか？

Murray：初めて来たのは4年前で、東京と大阪に行って3週間くらい滞在した。それからまた来て、去年の9月から10月には京都と沖縄にも行った。で、11月から12月末まではずっと東京にいて、それからまた戻ってきた。今度もまた東京に行く予定だし、今度は初めて九州（熊本と大分）にも行くんだ。最終的には夢の地、北海道にも行きたいし、Takaの出身地・仙台にも行って、A5ランクの仙台牛も食べたい（笑）。

季節で言うと、秋が一番好きだな。桜も好きだけど、正直言うと、東京の秋はもっと美しいと思ってる。あの紅葉、池に鯉が泳いでる庭園、全部が信じられないくらい静かで、平和で──世界で一番落ち着ける場所なんじゃないかって思うよ。

ダニエル：日本滞在が、音楽活動にも影響を与えたのでしょうか？

Murray：うん、大きく影響したよ。実は、3度目の日本滞在のとき、僕はイギリスで音楽を続けることにすごく疲れていて、マネージャーとレーベルにも「もう音楽を辞めたい」って宣言してたんだ。ちょうどパートナーとも別れた直後で、人生のどん底にいた。

そんな時に、日本があった。ロンドンから一番遠くて、自分が一番好きな場所だった。誰とも話したくなくて、でもTakaと毎日スタジオ・オニオンにこもって、一緒に曲を作ってた。それが、今のアルバムのタイトルにもなった。

精神的にも本当に辛い時期だったけど、ずっとセラピーも続けてたし、日本での生活が少しずつ自分を立て直してくれたんだ。特に秋の東京で、木々が色づいて、自然が死に向かっていくその移ろいの中で、自分も再生されていった気がする。

そういう背景があるから、東京は僕にとってただの都市じゃなくて、自分自身が変わるきっかけをくれた場所。だからこそ、こんなに大事に思ってるんだと思う。アルバムは完成したけど、僕の中では「まだ日本に来る旅」は終わっていないんだ。

ダニエル：今回の撮影で、キャラクターを演じる感覚があったと？

Murray：まさにそう。普段は「そのままの自分でいてください」って言われることが多いけど、今回は完全に“役を演じる”体験でした。オーバーサイズの衣装も動きやすくて、特にあのバルーンっぽい衣装は完全にエイリアン（笑）。あれ着てると自然にキャラに入り込めた。全体として「写真」というより、「ミュージックビデオ」や「短編映画」のような感覚でした。

ダニエル：演出面ではどうでしたか？

Murray：すごく的確で助かりました。「今はちょっと寂しい気持ちで」「この環境を初めて体験している感じで」と、ARISAKが常にキャラクターの内面に立ち戻らせてくれる。演じる上で、そのガイドがとても心強かったし、表現の幅も自然に広がりました。普通の撮影なら「かっこよく」だけで終わるところが、今回は「このキャラならどう動く？ どう表情を作る？」と、すべて一緒に作っていった感覚でした。

ダニエル：ARISAKさんから見たマレーさんの印象は？

ARISAK：本当に表現力がすごくて、「今ちょっと悲しい感じで」と一言伝えるだけで、何パターンもすぐに出してくれるんです。モデルというより俳優のように、キャラクターを掴んで即座に反応してくれるので、撮影していてとても楽でした。アシスタントも「今のすごい！」って感動していて（笑）。とにかく、ただ撮られているというより、一緒に物語を“演じて”くれるのが印象的でした。

ダニエル：撮影中に印象的だったエピソードは？

Murray：撮影後にARISAKが代官山にある「Tea Bucks」のお茶をプレゼントしてくれたんですけど、それを車に置き忘れちゃって。でも、なんと彼女が自宅から恵比寿まで届けに来てくれたんです！それには本当に感動しました。「これが“おもてなし”か！」って。人としてもアーティストとしても、ほんとに素敵な人だと思います。

ダニエル：この撮影は連載の一部でもあるんですよね

ARISAK：
はい。この連載では、ただの「今月のゲスト紹介」にならないように、毎回の企画がつながっていく構成を意識しています。写真だけど、映画のように伏線があったり、世界観が広がっていくようにしたいんです。たとえば前のゲストと今月のゲストの物語が、裏でリンクしていたりもします。

Murray：すごいよね。本当に「一つの映画を観ている」みたいな感じ。しかも東京って、そういう“自然なつながり”が実際に生まれる場所でもあると思う。僕とARISAK、ダニエル、Taka（Perry）、SIRUPとも、全部が偶然から始まって、それが作品になっていく。それが東京の面白さであり、魔法だと思う。

ダニエル：撮影現場の雰囲気はどうでしたか？

ARISAK：日本の撮影現場は基本的に静かで真面目。でも今回は小さなチームでロケ地を移動して、神社でお祈りもしたりして、リラックスしながら楽しく撮れました。Murrayさんが現場の雰囲気を盛り上げてくれたので、チーム全体がいいムードになりました。

Murray：その通りで、撮影というより「週末に友達と遊んでいる」ような感じでした。何よりも、みんなと同じ方向を向いてクリエイティブに取り組めたのが嬉しかったです。

ダニエル：最後に、お互いにメッセージを

ARISAK：また一緒に作品を作れたら嬉しいです！ 今回は“写真”の枠を超えたコラボレーションができて、自分にとっても大きな挑戦でした。マレーの表現力には本当に助けられました。

Murray：こちらこそ、本当にありがとう。東京で、こんなに楽しくて意味のある撮影ができたことは奇跡だと思っています。次に来たときも、ぜひまた何か一緒に作りましょう！

^{CREDIT
LOOK1：JACKET, SHIRT, PANTS / MA-A。, RINGS / MAHANA, OTHERS / STYLIST OWN
LOOK2：JACKET, SHOES / BUNKA FASHION COLLEGE, EYEWEAR / 3DID
LOOK3：SHOES / BUNKA FASHION COLLEGE}

^{DIRECITON & PHOTOS：ARISAK
MODEL：MURRAY FROM HARD LIFE
HAIR & MAKEUP：JUNA UEHARA
STYLING：JINKI
TEXT：DANIEL TAKEDA
SPECIAL THANKS：TeaBucks, 大宮八幡宮, THE TOKYO}

The post 【ARISAK Labo vol.5】英バンド・hard lifeのフロントマン・Murrayが巡る東京の街 appeared first on WWDJAPAN.

百貨店の婦人服売り場では、かつて主力だったキャリア・ミセス向けブランドの勢いが衰える中、各社は「若返り」や「エレベーション（価格や品質の引き上げ）」を急いでいる。

その一方、市場には新たな空白も生まれている。高価格帯でもなく、かといってカジュアルすぎない、「ちょうどよくて、きちんとした服」を求める人たちの選択肢が減っているのだ。

そんな中で、「あえて変わらない」ことを選択し、じっくりと商機を見極めるブランドがある。フランドルが展開し、今年で40周年を迎える「イネド（INED）」だ。

40年続いた“認知”という財産

「まず私たちは品質やデザイン以前に、ブランドの“認知”こそ最大の資産だと考えている」。そう語るのは、フランドル副社長執行役員の五味田渉氏。「ブランドの強さは、尖ったデザインや流行性だけで測れるものではない。名前を“なんとなく”知ってもらえているだけで、安心して店に入ってもらえる。その土台があるだけで、十分他のブランドより一歩先を行っている」。

40周年を前に、社内ではブランドのイメージを刷新するような、大胆な改称案も持ち上がったという。最有力候補は「薔薇の姫君」。思い切った案だったが、「ちょっとやりすぎで、自分が止めた」と五味田氏は笑う。

中庸の価格帯に商機あり

ともかく五味田氏は、無理に大胆な改革を行うよりも、上述した「認知」のように、ブランドはすでに持っている強みがあるのだから、それを生かすべきと考える。

「イネド」の顧客層は、40〜60代のいわゆるニューミセス層。パンツは2万円台、ニットは1万円台後半、コートは6〜8万円と、百貨店キャリアブランドとしては“中庸”の価格帯を守り続けている。「百貨店には、『誰かに会うから新しい服を買おう』というような、来店目的がふわっとしたお客さまも多い。そういった方々には、『きちんと見えて』『ちょうどいい価格の服』がいつの時代も求められる」と語る。

一方、百貨店の現場では富裕層消費の高まりから、バイヤーからは高価格帯の商品を要請する声も強まっている。たとえば伊勢丹新宿本店3階の「コンテンポラリー」ゾーンでは、10万〜20万円台のコートが並び、「エブール」や「アナイ」などが支持を得ている。

変化は不可逆的

「ただ、価格帯を上げてしまうと、そう簡単に元のステージには戻れない。そういう不可逆性があって、容易に流されてしまうとドツボにはまる」と五味田氏は語る。

無理に変化しようとして本来の魅力を失い、顧客が離れ、衰退していったブランドを数多く見てきた。「いっとき数字が落ちたからといって無理に勝負に出ないこと。予算を90％、在庫を80％に抑えて利益を確保する。そういう運営でブランドを守っていくべき」。ブランドを持続させるために必要なのは「我慢の経営」であると五味田氏は繰り返す。

「それから顧客が高齢化してくると『若返らなきゃ』とよく言う。ただ婦人服ブランドの若返りでうまくいった例は、実際ほとんどない。なら新しいブランドを立ち上げればいいんだし、無理にやる必要はない」と断言する。

複合業態を強化

「イネド」は「イネド」の軸を守りつつ、カバーしきれないニーズには別ブランドで応える。今後は、複数ブランドを編集・展開する複合業態「スーペリアクローゼット」の出店をより強化していく考えもある。例えば高品質志向の顧客には、高級志向ブランド「コンテッサ」を薦める。25万円以上のカシミヤコートに水牛ボタンを使用するなど、原価率を高めてでも“本物”を届けるという、「イネド」とは異なる考えで差別化する。

「変化しなければ取り残される」とさかんに言われるこの時代において、「イネド」の「変わらない」という選択は一見すると保守的に映る。だが容易には流されず、足元を見失わないことも、ブランドを長く続けるために大事なマインドセットだろう。

The post 40周年「イネド」の“変わらない”という生存戦略 appeared first on WWDJAPAN.

百貨店の婦人服売り場では、かつて主力だったキャリア・ミセス向けブランドの勢いが衰える中、各社は「若返り」や「エレベーション（価格や品質の引き上げ）」を急いでいる。

その一方、市場には新たな空白も生まれている。高価格帯でもなく、かといってカジュアルすぎない、「ちょうどよくて、きちんとした服」を求める人たちの選択肢が減っているのだ。

そんな中で、「あえて変わらない」ことを選択し、じっくりと商機を見極めるブランドがある。フランドルが展開し、今年で40周年を迎える「イネド（INED）」だ。

40年続いた“認知”という財産

「まず私たちは品質やデザイン以前に、ブランドの“認知”こそ最大の資産だと考えている」。そう語るのは、フランドル副社長執行役員の五味田渉氏。「ブランドの強さは、尖ったデザインや流行性だけで測れるものではない。名前を“なんとなく”知ってもらえているだけで、安心して店に入ってもらえる。その土台があるだけで、十分他のブランドより一歩先を行っている」。

40周年を前に、社内ではブランドのイメージを刷新するような、大胆な改称案も持ち上がったという。最有力候補は「薔薇の姫君」。思い切った案だったが、「ちょっとやりすぎで、自分が止めた」と五味田氏は笑う。

中庸の価格帯に商機あり

ともかく五味田氏は、無理に大胆な改革を行うよりも、上述した「認知」のように、ブランドはすでに持っている強みがあるのだから、それを生かすべきと考える。

「イネド」の顧客層は、40〜60代のいわゆるニューミセス層。パンツは2万円台、ニットは1万円台後半、コートは6〜8万円と、百貨店キャリアブランドとしては“中庸”の価格帯を守り続けている。「百貨店には、『誰かに会うから新しい服を買おう』というような、来店目的がふわっとしたお客さまも多い。そういった方々には、『きちんと見えて』『ちょうどいい価格の服』がいつの時代も求められる」と語る。

一方、百貨店の現場では富裕層消費の高まりから、バイヤーからは高価格帯の商品を要請する声も強まっている。たとえば伊勢丹新宿本店3階の「コンテンポラリー」ゾーンでは、10万〜20万円台のコートが並び、「エブール」や「アナイ」などが支持を得ている。

変化は不可逆的

「ただ、価格帯を上げてしまうと、そう簡単に元のステージには戻れない。そういう不可逆性があって、容易に流されてしまうとドツボにはまる」と五味田氏は語る。

無理に変化しようとして本来の魅力を失い、顧客が離れ、衰退していったブランドを数多く見てきた。「いっとき数字が落ちたからといって無理に勝負に出ないこと。予算を90％、在庫を80％に抑えて利益を確保する。そういう運営でブランドを守っていくべき」。ブランドを持続させるために必要なのは「我慢の経営」であると五味田氏は繰り返す。

「それから顧客が高齢化してくると『若返らなきゃ』とよく言う。ただ婦人服ブランドの若返りでうまくいった例は、実際ほとんどない。なら新しいブランドを立ち上げればいいんだし、無理にやる必要はない」と断言する。

複合業態を強化

「イネド」は「イネド」の軸を守りつつ、カバーしきれないニーズには別ブランドで応える。今後は、複数ブランドを編集・展開する複合業態「スーペリアクローゼット」の出店をより強化していく考えもある。例えば高品質志向の顧客には、高級志向ブランド「コンテッサ」を薦める。25万円以上のカシミヤコートに水牛ボタンを使用するなど、原価率を高めてでも“本物”を届けるという、「イネド」とは異なる考えで差別化する。

「変化しなければ取り残される」とさかんに言われるこの時代において、「イネド」の「変わらない」という選択は一見すると保守的に映る。だが容易には流されず、足元を見失わないことも、ブランドを長く続けるために大事なマインドセットだろう。

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着物の産地として知られる新潟県十日町市に移住し、活躍する若手デザイナーがいる。彼が作るのは、タンスの肥やしになっていた着物を仕立て直したワンピースやシャツ、シューズ、ネクタイなど。SDGsや地域おこしの観点で注目を集め、自治体や有力企業からの仕事依頼が相次ぐ。

5月下旬、田植えを終えたばかりの水田が広がる十日町のアトリエで、杉浦充宜さん（34）はたくさんの古い着物を点検していた。自宅1階の農機具置き場を改装したアトリエには、主に市内で回収した古い着物が定期的に届く。鮮やかな柄の振袖、艶やかな友禅や上品な絣（かすり）の訪問着、金糸銀糸を使った帯などさまざまだ。

「十日町はふつうの家庭にも着物が浸透していて、母から娘へと受け継がれる。でも着る機会がなく、廃棄されてしまうケースが多々あり、非常にもったいない。洋服や小物に形を変えて、少しでも継承していきたい」

リメークした商品は主にEC（ネット通販）で売る。新潟伊勢丹ではポップアップストアを出店した。自治体からの依頼でイベントをする機会も多く、今年2月の十日町雪まつりでもランウェイショーを開いた。新潟県からのオファーを受け、7月には大阪・関西万博への出品を控える。

「着物にハサミを入れるのが怖かった」

杉浦さんは静岡県浜松市出身。「ダンヒル」のスーツをダンディに着こなす父を見て、幼い頃からテーラードに関心を持った。高校卒業後の2009年に渡英し、サビルローの職人に話を聞いたり、スーツを解体したり、貪欲に本場の紳士服を吸収した。日本の服飾専門学校で学んだ後、5年間在籍した「ルイ・ヴィトン」ではテーラリングスペシャリストとして各地の百貨店に勤務した。メンズ部門でキム・ジョーンズ、ヴァージル・アブローが活躍していた時期で、杉浦さんは「彼らが作り出すクリエーションに惚れ込んだ。魅力的なコンセプトを打ち立てデザインする手法に強い影響を受けた」と話す。

転機はコロナ禍の21年。妻・美紅さんの故郷、十日町に移住した。十日町は魚沼産コシヒカリの産地としても有名で、美紅さんの実家もコメ農家である。体調を崩した両親に替わって、杉浦さん夫婦が農業を引き継ぐことになったのだ。ファッションの仕事からは離れるつもりだった。しかし美紅さんから「母から譲り受けた着物を着る機会がない」と聞き、同じ課題を持っている人が周囲に多いことを知る。「着物再生プロジェクト」に挑もうと決意する。

葛藤もあった。スーツと着物は全く違う。着物はそれ自体が完成された美である。着物の知識がないよそ者の自分が、地域の宝である着物を洋服に仕立て直して良いのか。「着物にハサミを入れるのが怖かった」と振り返る。

少しでも地元の人たちの理解を得ようと、23年春に公民館でファッションショーを開催した。モデルも地元の人を起用するなど、手作り感あふれるものだった。50人ほどの観客を集めたショーは評判を呼んだ。地元でも着物のショー自体は珍しくなかったが、独自の感性とクオリティーで表現されたステージは若い世代から支持を得た。

市からは「（費用を出すので）ぜひ町おこしのためショーを開いてください」と頼まれた。着物集めや縫製などで協力を名乗り出る人も増えた。地元の着物企業からも「和装を盛り上げてくれてありがとう」「応援したい」といった声が寄せられた。「これほど喜ばれるとは想像していなかった。十日町の皆さんが笑顔になってくれることが一番うれしかった」。

2000年に比べて3割減という深刻な人口減少に直面する十日町市は、移住者の受け入れに積極的だ。杉浦さんは移住者による地域活性化の好例として、地元のテレビや新聞でもたびたび密着取材を受けた。十日町の若い世代によるSDGs発信という文脈で拡散されていった。

24年1月にMitsuyoshi Design Studio（ミツヨシデザインスタジオ）を設立。着物再生プロジェクトだけでなく、得意のテーラードスーツの制作、パッケージやロゴなどのデザイン、イベント企画など幅広い業務を手掛けるようになった。市内・県内だけでなく、東京でもショーを開いた。今年4月にはJR東日本・飯山線の観光列車に、着物を部分的に使った制服が採用された。杉浦さんのもとにはさまざまな案件が舞い込む。

「ようやく十日町の人間になれたかな」

農家としても奮闘する。浜松市の市街地近くで育った杉浦さんにとって農業は未知の世界だった。義理の両親や親戚、近所の人たちが、親切に根気よく教えてくれるので、少しずつ仕事に慣れていった。

今年も5月に田植えを終えた。これから暑くなると草取りや草刈りに汗をかく日が続く。アトリエに籠る時間よりも、田畑で長靴を履いている時間の方が長い。トマトやナスなどの野菜作りではイノシシ対策に頭を悩ませる。

それでも田舎暮らしが気に入っている。「農業はクリエイティブ。天候もそうだし、肥料のやり方一つで出来が変わる。愛情の掛け方で差が出る。服と同じように、僕は魚沼産コシヒカリに誇りを持っている。まだ修行中の身で偉そうなことは言えないけれど」と笑う。

冬になると雪が2m以上積もる豪雪地帯で、過酷な自然と向き合って暮らす。移住前は地元に溶け込めるのか不安だったが、着物のリメークでもコメ作りでも地域の人が手を差し伸べてくれた。着物もコメも厳しい自然とそこで助け合いながら暮らす人たちの営みから生まれる。「ルイ・ヴィトン」で働いていた頃とは何もかも違うが、都市生活では感じられなかった種類の手応えがある。杉浦さんは最近、ふとした時に思う。「僕もようやく十日町の人間になれたかな」。

メディアの取材で目標を聞かれるたび、「パリでショーを開きたい」と答えてきた。これを夢では終わらせない。今年秋に実現のメドをつけた。着物のリメーク品と自身の原点であるスーツを披露すべく、着々と準備を進める。移住先で少しずつ共感の輪を広げてきた着物再生プロジェクト。田んぼに黄金色の稲穂が実って、稲刈りを終えた後、杉浦さんはパリに渡る。

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着物の産地として知られる新潟県十日町市に移住し、活躍する若手デザイナーがいる。彼が作るのは、タンスの肥やしになっていた着物を仕立て直したワンピースやシャツ、シューズ、ネクタイなど。SDGsや地域おこしの観点で注目を集め、自治体や有力企業からの仕事依頼が相次ぐ。

5月下旬、田植えを終えたばかりの水田が広がる十日町のアトリエで、杉浦充宜さん（34）はたくさんの古い着物を点検していた。自宅1階の農機具置き場を改装したアトリエには、主に市内で回収した古い着物が定期的に届く。鮮やかな柄の振袖、艶やかな友禅や上品な絣（かすり）の訪問着、金糸銀糸を使った帯などさまざまだ。

「十日町はふつうの家庭にも着物が浸透していて、母から娘へと受け継がれる。でも着る機会がなく、廃棄されてしまうケースが多々あり、非常にもったいない。洋服や小物に形を変えて、少しでも継承していきたい」

リメークした商品は主にEC（ネット通販）で売る。新潟伊勢丹ではポップアップストアを出店した。自治体からの依頼でイベントをする機会も多く、今年2月の十日町雪まつりでもランウェイショーを開いた。新潟県からのオファーを受け、7月には大阪・関西万博への出品を控える。

「着物にハサミを入れるのが怖かった」

杉浦さんは静岡県浜松市出身。「ダンヒル」のスーツをダンディに着こなす父を見て、幼い頃からテーラードに関心を持った。高校卒業後の2009年に渡英し、サビルローの職人に話を聞いたり、スーツを解体したり、貪欲に本場の紳士服を吸収した。日本の服飾専門学校で学んだ後、5年間在籍した「ルイ・ヴィトン」ではテーラリングスペシャリストとして各地の百貨店に勤務した。メンズ部門でキム・ジョーンズ、ヴァージル・アブローが活躍していた時期で、杉浦さんは「彼らが作り出すクリエーションに惚れ込んだ。魅力的なコンセプトを打ち立てデザインする手法に強い影響を受けた」と話す。

転機はコロナ禍の21年。妻・美紅さんの故郷、十日町に移住した。十日町は魚沼産コシヒカリの産地としても有名で、美紅さんの実家もコメ農家である。体調を崩した両親に替わって、杉浦さん夫婦が農業を引き継ぐことになったのだ。ファッションの仕事からは離れるつもりだった。しかし美紅さんから「母から譲り受けた着物を着る機会がない」と聞き、同じ課題を持っている人が周囲に多いことを知る。「着物再生プロジェクト」に挑もうと決意する。

葛藤もあった。スーツと着物は全く違う。着物はそれ自体が完成された美である。着物の知識がないよそ者の自分が、地域の宝である着物を洋服に仕立て直して良いのか。「着物にハサミを入れるのが怖かった」と振り返る。

少しでも地元の人たちの理解を得ようと、23年春に公民館でファッションショーを開催した。モデルも地元の人を起用するなど、手作り感あふれるものだった。50人ほどの観客を集めたショーは評判を呼んだ。地元でも着物のショー自体は珍しくなかったが、独自の感性とクオリティーで表現されたステージは若い世代から支持を得た。

市からは「（費用を出すので）ぜひ町おこしのためショーを開いてください」と頼まれた。着物集めや縫製などで協力を名乗り出る人も増えた。地元の着物企業からも「和装を盛り上げてくれてありがとう」「応援したい」といった声が寄せられた。「これほど喜ばれるとは想像していなかった。十日町の皆さんが笑顔になってくれることが一番うれしかった」。

2000年に比べて3割減という深刻な人口減少に直面する十日町市は、移住者の受け入れに積極的だ。杉浦さんは移住者による地域活性化の好例として、地元のテレビや新聞でもたびたび密着取材を受けた。十日町の若い世代によるSDGs発信という文脈で拡散されていった。

24年1月にMitsuyoshi Design Studio（ミツヨシデザインスタジオ）を設立。着物再生プロジェクトだけでなく、得意のテーラードスーツの制作、パッケージやロゴなどのデザイン、イベント企画など幅広い業務を手掛けるようになった。市内・県内だけでなく、東京でもショーを開いた。今年4月にはJR東日本・飯山線の観光列車に、着物を部分的に使った制服が採用された。杉浦さんのもとにはさまざまな案件が舞い込む。

「ようやく十日町の人間になれたかな」

農家としても奮闘する。浜松市の市街地近くで育った杉浦さんにとって農業は未知の世界だった。義理の両親や親戚、近所の人たちが、親切に根気よく教えてくれるので、少しずつ仕事に慣れていった。

今年も5月に田植えを終えた。これから暑くなると草取りや草刈りに汗をかく日が続く。アトリエに籠る時間よりも、田畑で長靴を履いている時間の方が長い。トマトやナスなどの野菜作りではイノシシ対策に頭を悩ませる。

それでも田舎暮らしが気に入っている。「農業はクリエイティブ。天候もそうだし、肥料のやり方一つで出来が変わる。愛情の掛け方で差が出る。服と同じように、僕は魚沼産コシヒカリに誇りを持っている。まだ修行中の身で偉そうなことは言えないけれど」と笑う。

冬になると雪が2m以上積もる豪雪地帯で、過酷な自然と向き合って暮らす。移住前は地元に溶け込めるのか不安だったが、着物のリメークでもコメ作りでも地域の人が手を差し伸べてくれた。着物もコメも厳しい自然とそこで助け合いながら暮らす人たちの営みから生まれる。「ルイ・ヴィトン」で働いていた頃とは何もかも違うが、都市生活では感じられなかった種類の手応えがある。杉浦さんは最近、ふとした時に思う。「僕もようやく十日町の人間になれたかな」。

メディアの取材で目標を聞かれるたび、「パリでショーを開きたい」と答えてきた。これを夢では終わらせない。今年秋に実現のメドをつけた。着物のリメーク品と自身の原点であるスーツを披露すべく、着々と準備を進める。移住先で少しずつ共感の輪を広げてきた着物再生プロジェクト。田んぼに黄金色の稲穂が実って、稲刈りを終えた後、杉浦さんはパリに渡る。

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県内外で定評のある“沖縄コスメブランド”を紹介する企画の第6弾。今回は沖縄県内の食品加工業者から廃棄されていた材料を採用することで、付加価値の高いコスメへと生まれ変わらせた「オリオン コスメティクス（ORION COSMETICS）」をピックアップ。古波藏利菜「オリオン コスメティクス」代表に取材した。

――：古波藏さんはもともと神奈川県の出身で、東京大学で助教として化学を研究されていたとか。沖縄に移住したきっかけを教えてください。

古波藏利菜「オリオン コスメティクス」代表（以下、古波藏）：はい、東京大学では助教として化学を教える一方、研究者としても14年ほど有機化合物全般を研究していました。ただ、もともと植物由来の化合物や原料も研究したいという思いもあったことから、いちど大学を離れてみようと考えまして。その後、自然に恵まれた研究環境を探して石川県、長野県、沖縄県のなかで移住地の候補を探したのですが、沖縄は街並みに自然が溶け込んでいて、人と自然が調和しているなと感じたのです。それが私の目指している社会に近いイメージでもあったことから、2020年に沖縄に移住することになりました。

――：「オリオン コスメティックス」を立ち上げたきっかけは？

古波藏：もともと化学実験操作の中でも“蒸留”がとても好きでして（笑）。なので、沖縄では身近な植物である月桃の蒸留水から作りはじめて、レモングラスやハーブを混ぜたりなど、鍋の中でいろいろなブレンドを試しました。そのレシピを“手作り化粧品”としてワークショップで紹介していたのが化粧品作りのきっかけです。

その際、化粧品作りで必要な素材は県内の食品加工業者が破棄される素材、たとえば製糖工場のさとうきびの灰やハーブティ農家の規格外茶葉などを譲っていただいていたのですが、沖縄はそういった工場や農家が多いことから、声をかけてみると意外に化粧品の素材となるものが多く集まりまして。そこで、この素材をアップサイクルすることで、もっとたくさんの人に使っていただきたいと考え、「オリオン コスメティクス」の設立に至りました。

――：では、ブランドの代表的なスキンケアについて教えてください。

古波藏：人気製品である“廃棄豆から生まれた珈琲バーム”は、地元農家の未完熟珈コーヒー豆を採用したバームです。もともと県立浦添商業高校の女子高生から「未完熟で廃棄されているコーヒー豆をなんとかアップサイクルできないか」と相談を持ち掛けられたことがきっかけでした。そこで、紫外線防止効果や肌荒れをケアする作用のあるポリフェノール、クロロゲン酸を豊富に含むコーヒー種子エキスを抽出しつつ、そこにバージンセサミオイルやミツロウを加えることで、全身に使えるマルチバームとして完成させました。バームでは珍しく、珈琲のやさしい香りが特長なので、さまざまな世代の人に愛用してもらっています。

――：スキンケアだけでなく、洗濯用洗剤も開発されたとか？

古波藏：はい。洗濯用洗剤「キビ ウォッシュ（KIBI WASH）」は製糖工場で砂糖を生産する過程で生じる“灰”をアップサイクルすることで開発しました。“灰”の成分を水に抽出するとアルカリ性の水溶液になり、これが衣類に付着した皮脂やタンパク質の汚れを落とします。弊社が行った洗浄力調査でも醤油やケチャップなどの落ちにくい汚れも、一般的な洗濯用洗剤と同様のレベルでの汚れ落ちを確認しており、植物由来ながら充分な洗浄効果を発揮します。また、2024年には沖縄県優良県産品としても認定されたこともあり、県内外のお客さまから大変ご好評いただいています。

――：今後の展開を教えてください。

古波藏：スキンケア、洗剤はもちろん、ドラッグストアで売られているようなパーソナルケアを自然由来の素材で開発していきたいと考えています。たとえば、沖縄には島豆腐を作る工場がたくさんありますが、聞けば大豆のゆで汁やおからは破棄されているとか。大豆にはサポニンという界面活性成分が含まれていて、水に溶かして混ぜると泡がたつ特性があります。こういった特性を生かせば、新しい洗浄ケアを開発できるはず。このようにアップサイクル原料ありきで、新しいパーソナルケアを開発していきたいと考えています。

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