カテゴリー: デザイナー

デザインの方向性を決める際、「シンプル」という言葉がキーワードとして挙がることは少なくない。

一般的に、企画・コンセプトが定まった後、その言語化されたアイディアを可視化する・デザインに落とし込む最初の工程として、方向性を定めるためにムードボードやキーワードを並べていく。その作業の中で、どこか安全な選択肢として「シンプル」という言葉が加えられることは珍しくない。もしくは、クライアントとの打ち合わせやブレストで、よく耳にする——「もっとシンプルにできない？」

この「シンプル」、一体何を指しているのだろう？要素を削ぎ落とすこと？情報を整理すること？それとも、装飾を抑えること？

「シンプル」は単なるデザインのスタイルではなく、目的やコンテキストによって異なるアプローチをとるもの。だからこそ、シンプル＝最適解とは限らない。

「シンプルなデザイン」の難しさ

 

「シンプル」とは？

「シンプル」という概念には、さまざまな解釈がある。

必要最小限の情報設計（Essential Simplicity）：伝えたい情報を厳選し、余計なものを削ぎ落とす
分かりやすさを優先するシンプルさ（Functional Simplicity）：情報量が多くても、整理して構造化することで理解しやすくする
視覚的なシンプルさ（Visual Simplicity）：装飾を抑え、すっきりとした印象を与えるデザイン

例えば、無印良品のパッケージデザインは、最低限の情報だけを載せることで「必要十分」という哲学を体現している。一方、AmazonのUIは情報量が多いにも関わらず、整理されたレイアウトによってユーザーが迷わない設計になっている。そして、Appleのデザインは、不要な要素を削ぎ落としながらも、視覚的な洗練さと機能性を兼ね備えている。
どれも「シンプル」と言えるが、そのアプローチはまったく異なる。

左：無印良品のパッケージデザイン (引用: https://careers.muji.com/jp/story/package-material)
右：Amazon Japanのユーザーインターフェース（https://www.amazon.co.jp/)

 

「シンプル」は文化によって異なる

そもそもこの「シンプル」自体が、どの文化にも共通する絶対的な価値観というわけではない。

例えば、日本では、ミニマリストデザインは多くの場合「禅」、「侘び寂び」（不完全さ、質素さや閑寂さなど）、「間」などの哲学、日本ならではの美学に根ざしている。これらの価値観は柔らかさ、非対称性、そして静かな意図性として表れる。中性的なトーン、有機的なテクスチャ、そして余白を感じさせるデザインがその例だ。

一方、西洋のミニマリズムは、20世紀初頭のヨーロッパのデザイン運動から大きな影響を受けている。モダニズム、バウハウス、デ・スティルといった潮流は、機能性、明快さ、合理性を重視するアプローチを生み出した。これらの原則はグローバルな交流を通じて国境を越え、現在では北米やその他の地域におけるブランディングからデジタルインターフェースまであらゆる場所に見られる。

もちろん、すべてのデザインがこれらのカテゴリーにきれいに収まるわけではない。現代のグローバルなデザイン環境では、これらの影響は絶えず重なり合い、融合している。日本とアメリカの双方に拠点を置くデザイン会社として、私たちはこれらの文化交流が日々起こっているのを目の当たりにしている。

異なる文化は異なる道を通じて「シンプル」に到達する。そして文化的境界を越えて働く際には、これらのニュアンスに敏感であることが重要だ。

 

「Simple」「Simplistic」「Minimalistic」の違い

アメリカの大学でデザインを学んでいたとき、教授にこんなことを教わった。

Simple：分かりやすく、使いやすい、無駄がない
Simplistic：単純化しすぎて、本来の意味や本質を失っている
Minimalistic：要素を極限まで削ぎ落とし、美しさを追求

「Simplistic」は、余計なものをそぎ落としすぎて、必要な情報まで失ってしまった状態のことを指すため、ネガティブなニュアンスを含む。良いデザインを説明する際には、「Simple」や「Minimalistic」を使うほうが適切だ。機能性を重視するなら「Simple」、デザインの美しさを強調するなら「Minimalistic」を使え、とのこと。

もし読者のみなさんが英語でデザインをプレゼンテーションをする機会があれば、ぜひ意識してみてほしい。

 

デザインの本質に立ち返る

さて、本題に戻ろう。
デザインの目的は、最適な解決策を導き出すこと。ときには、視覚的に複雑なデザインが最適な場合もある。

例えば、駅の案内サイン。多言語対応や複数の出口、周辺施設の情報を一度に伝えなければならない。情報量は多いが、それでも「迷わず目的地に到達できる」なら、それが最適なデザインなのだ。

「シンプル」は、確かに強力なデザインの手法のひとつ。しかし、それが唯一の正解とは限らない。大切なのは、プロジェクトの目的を見極め、最適な方法を選ぶこと。
デザインの方向性を決めるとき、「シンプルだから良い」と安易に決めるのではなく、本当にそのアプローチが最適なのか、一度立ち止まって考えてみること。その問いが、より良いデザインにつながるはずだ。

なぜデザインはシンプルな方が良いのか – 5つの理由と6つの鉄則

デザインとは何か？

この問いは、古今東西のデザイナーたちによって繰り返し探求され、議論されてきた。

Apple創設者のスティーブ・ジョブズや、IDEOのティム・ブラウンといった著名なデザイナーたちの言葉には、デザインの本質が凝縮されている。

デザインはどう見えるか+どう機能するか

ジョブズは、「デザインは見た目のことではなく、どう機能するかだ」と述べている。このシンプルながら深遠な言葉は、デザインが単なる装飾以上のものであることを示している。

彼のリーダーシップのもとで開発されたApple製品は、機能性と美しさを兼ね備えた設計で知られている。直感的でシンプルなインターフェースは、ユーザーの体験を革新し、製品そのものがデザイン哲学を体現している。

デザインは問題解決の手段である

同様に、ティム・ブラウンは「デザインはものごとを単純明快に、かつ人々のニーズに合った形で再構築すること」と述べている。この定義は、デザインが問題解決の手段であることを強調している。

デザイン思考を提唱したブラウンの哲学は、多様な課題をクリエイティブに解決するためのツールとして、ビジネスや教育の分野でも広く応用されている。

形は機能に従う

「形は機能に従う」というルイス・H・サリバンの言葉は、デザインの基本原則の一つとして広く知られている。

この考え方は、製品や建築物がその目的に最も適した形状を持つべきであることを意味している。現代のスマートフォンを例にとると、そのスリムでコンパクトな形状は、手に持ちやすくポケットに収まりやすいという機能に従っている。

しかし、ヘンリー・ペトロスキーは「形は失敗に従う」と主張し、デザインが失敗から学ぶプロセスであることを示した。

彼はフォークのデザイン進化を例に挙げ、過去の課題を解決する過程で形状が変化してきたことを解説している。この視点は、デザインが静的なものではなく、動的に進化するものであることを強調している。

さらに、テクノロジーの進化によって、形状が柔軟性を持つケースも増えている。例えば、折りたたみ可能なスマートフォンや、変形する家具など、ユーザーの多様なニーズに応える新たな形状が生み出されている。

デザインの進化と持続可能性

デザインは常に変化し続けるものである。それは、時代の流れや技術革新、社会のニーズの変化に適応するために進化する。

このプロセスは、デザインが一度完成したら終わりではないことを意味している。むしろ、それは継続的な改良と革新のサイクルの一部である。

例えば、自動車デザインは安全性や効率性、環境への配慮といった要素に応じて進化してきた。

初期の自動車は基本的な移動手段であったが、現代では電気自動車や自動運転車のように、新たな技術を取り入れた革新的なデザインが登場している。これらのデザインは、持続可能性とユーザーの利便性を両立させることを目指している。

一方で、ファッションやインテリアデザインの分野では、リサイクル素材やアップサイクル技術が注目されている。これにより、消費者の環境意識が高まる中で、デザインがより持続可能な社会の実現に寄与している。

デザインと環境の調和

デザインを考えるとき、その背景にある環境との関係性を無視することはできない。ここで言う環境は、物理的な空間だけでなく、社会、文化、テクノロジー、そして自然環境を含む広義の概念である。

例えば、建築デザインでは、その土地の文化や気候に応じた設計が求められる。

伝統的な日本家屋は、夏の蒸し暑さをしのぐために風通しを重視した作りになっている。一方で、現代の都市建築では、環境負荷を最小限に抑えるためのサステナブルデザインが重視されている。

自然環境との共生を目指し、再生可能エネルギーや持続可能な素材を使用することは、今後のデザインの重要な課題となる。

加えて、文化的な文脈を考慮したデザインも重要である。

例えば、和食器のデザインはその土地の文化と歴史を映し出し、使い手に特別な感覚をもたらす。これらの文化的な側面と現代の技術を組み合わせることで、新たな価値を創造する可能性が広がる。

デザインと思考の可視化

「デザインは思考の可視化である」とソール・バスが述べたように、デザインはアイデアを形にする行為である。視覚的な美しさだけでなく、使いやすさや機能性、さらにはユーザーの感情や行動を考慮した総合的な解決策を提供する。

アリナ・ウィーラーが語るように、「デザインは知性が可視化されたものである」という観点も重要である。優れたデザインは、ユーザーのニーズを深く理解し、それを満たすための知的なアプローチを反映している。

さらに、教育や医療の分野におけるデザインの役割も見逃せない。

例えば、教育現場でのインタラクティブな教材や、患者にストレスを軽減させる医療施設のデザインは、デザインが人々の生活を直接的に向上させる力を持つことを示している。

結論：未来を形作るデザイン

最終的に、デザインとは何かという問いに対する答えは、固定されたものではない。それは、社会や文化、技術の進化に伴い、常に新しい形を取る。ドン・ノーマンが言うように、「デザインは人々が望む未来を形作る活動である」。

デザインは問題解決の手段であり、美しい解決策を追求するプロセスである。そしてその目的は、人々の生活を向上させ、持続可能な未来を築くことである。

過去の失敗から学び、環境との調和を図りながら進化し続けるデザインこそが、私たちが未来を形作るための最良の道具であると言える。

デザインとは何か？その4つの役割とは

2024年10月12, 13日に開催された「Designship 2024」。

このイベントは東京で毎年開催され、約5,000人ほどの数々のクリエイターたちがデザインの最前線を探る場となっています。今年のコンセプトは「広がりすぎたデザインを、接続する」でした。

Designship 2024には、ビートラックスからはCEO ブランドンが登壇したのに加え、デザイナー3名もDesignshipに参加しました。このイベントは弊社にとっても、テクノロジーやビジネス、アートまで多岐にわたる分野でのデザインの役割と影響力を再考する素晴らしい機会となりました。

参加したビートラックスのデザイナーは以下の3名です。

• Mari (UX Designer / Design Researcher, btrax)
• Hiro (UI/UX Design Specialist, btrax)
• Suzy (Associate UI/UX Designer, btrax)

そこで今回は、以上の3名がイベントに参加して感じたそれぞれの「① 現地で1番興味深かったセッション」「② Designship 2024全体を通して得た学び」「③今後の意気込み」についてご紹介します。

① 現地で1番興味深かったセッション

1. 引地 耕太さん（クリエイティブディレクター / アートディレクター / 教育者）、テーマ『人間中心から、生命中心の未来へ〜大阪・関西万博デザインシステムを通じて〜』

Mari：

引地さんの「人間中心から生命中心の未来へ」というテーマのトークセッションが特に印象的でした。大阪万博のデザインシステムがどのように作られたのかに興味があったので、非常に興味深く感じました。「いのちの循環」という広く抽象的な万博のテーマを具体的なビジュアルに落とし込むプロセスと考え方が面白かったです。

「いのちの循環」をもう少し具体的に説明する言葉として引地さんは「全てのいのちが融け合い、響き合う 共に進化する生態系へ」としていましたが、それを具現化したビジュアルに落とし込んでいました。

個々のいのちがそれぞれLive, Growth, Evolutionと変化をとげ、またその個が他の個を交わって生態系ができていくことをJoin, Sync, Actという言葉で表現し、それらのビジュアルを融合させたものが現在のキービジュアルです。

引地さんのトークは聞きやすく、プレゼンスライドの見せ方も綺麗で、赤と青の目玉がついたビジュアルがどういう意図で作られたのかを図解してくれたことで、セッションを聞く前と後ではキービジュアルの見え方が変わり、納得感が増しました。

Suzy：

引地さんによる万博のデザインシステムについてのセッションが個人的にはとても印象的でした。デザインプロセスの全体像、どのような意図でシステムやデザイン要素が生み出され、それらがどの様に様々なアセットに展開・適用されているのか、その過程を詳細に知ることができたのがとても面白かったです。

デザインプロセス自体も興味深く聴いていたのですが、それ以上に、その工程が第三者の私にも理解しやすい、引地さんのプレゼンテーションの仕方が大変勉強になりました。

特に最近はブランディングやマーケティング戦略の提案などの上流工程のお仕事に関わらせていただくことが多いので、頭にスッと入ってくる話し方とピッチ構成、スピード感、スライドの作り方などの重要性を改めて感じました。

このセッションを通して得た気づきや学びは、今後のプロジェクトに早速応用していければと思っています。

2. 菅野 薫さん（Creative Director, Creative Technologist）、テーマ『デザイン：アイディアの社会実装』

Hiro：

菅野さんの仕事や考え方に関するセッションが印象的でした。森ビルやサントリー、リオの閉会式など心踊るような広告やブランディングを手がける方が何を考えているのかを知りたいと思い参加しました。エンジニア出身と聞いて驚きましたが、『新しいアイデアとは何かに』ついての考え方が非常に参考になりました。

以前、井口尊仁さんの「アイデアは実装されて初めて価値を持つ」という発言を聞きましたが、菅野さんはまさにそれを体現している方だと感じました。特に電話に関する話が興味深かったです。電話というアイデアは歴史的に古くから存在し、実装した人も多くいました。

最終的にAT&Tの創業につながった技術者が特許を取得しましたが、他のエンジニアたちも同じ時期に特許を目指していたそうです。この事例は、アイデアが単なるアイデアのままだと価値がなく、実装されて初めて価値を持つことを示していると強く感じました。

エンジニアのバックグラウンドがあることから、映像やブランディングのクリエイティブも技術ベースでありつつ、伝えたいメッセージは非常にわかりやすかったです。また、やった仕事のサマリー動画を持つことは自分でもぜひやりたいと思いました。

② Designship 2024 全体を通して得た学び

Mari：

「デザインとは？」を考えさせられるイベントでした。Designshipはデザイン系のイベントの中でも特に広義にデザインを捉えており、様々なジャンルのデザイナーが集まっていました。btraxでの仕事ではプロジェクトによって異なる領域のデザインをしているため、自分は何のデザイナーなのかと考えることが多く、コアを見つけて強化できると良いと感じたイベントでした。

Goodpatchの大きめの本棚を設置したブースが印象的で、多くのブースがある中で目を惹く存在でした。最近、展示系のプロジェクトも増えているので参考になりました。

Suzy：

Brandonさんと引地さんのメインステージのセッションの他にも、ブランディングデザインや共創デザインアプローチのパネルセッションにも参加しましたが、Designshipのテーマでもある「デザインの定義が広がっている」ことを強く感じました。

デザインがメインストリーム化していることは嬉しい一方で、どこまでをデザインとし、デザイナーの仕事とするかが曖昧になっている現状で、自分のデザイナーとしてのスキルセットを見直す良い機会になりました。

Hiro：

広がり続けるデザインの領域を実感するイベントでした。だからこそ、「デザインでどんな目標を達成したいのか？」を冷静に考える力を養うことがデザイナーには必要だと感じました。また、デザインシップ自体の参加者の年齢層が若く、学生と企業のデザイナーが気軽に交流できる場は素晴らしいと思いました。

③ 今後の意気込み

Mari：

トークセッションを通じて改めて感じたのは、自信あるトーク力が聴き手への説得力を増すということです。デザイナーとして良いものを作るだけでなく、それを伝える力は非常に重要だと感じました。今後の仕事に役立てたいと思います。

Suzy：

私は「手を動かすデザイン」より「どう良いデザインを効率よくデリバーするか」の部分に興味があり、PMや上流過程の管理が得意です。共創デザインアプローチやデザインシステムの設計と展開についてのセッション内容は非常に参考になりました。プレゼンテーション能力も今の私の課題なので、これからしっかり伸ばしていきたいと思います。

Hiro：

広がるデザインの領域の中で、自分の考え方の軸となる専門性が大切だと感じました。常にデザインの目的や狙いを考え続ける姿勢を持ち続けたいと思います。

最後に

Designship 2024は、btraxメンバーに多くの気づきと学びをもたらしてくれました。デザインの定義が広がる中で、それぞれが自分の位置づけを見直し、次のステップへの準備を整える場所となりました。このイベントを通じて得た知識や共感を今後の仕事に活かしていきたいと思います。

ぜひ読者の皆さまもデザインの可能性を再考し、新しい挑戦に向けて期待を膨らませていただければと思います。

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デザインの役割のひとつに、課題解決がある。

実際、我々btraxとしてもデザインを通じて企業の課題を解決することを目指して、これまで20年にわたってサービスを提供してきた。

しかし筆者はそれ以上に、デザインはマインドセットそのものであると思う。

これまでFreshtraxでも度々取り上げてきたデザイン思考やデザイン経営といった言葉を代表に、デザインがデザイナーだけのものから、今やデザインは多くの人にひらかれたものとしての認知が広がりつつある。

全てのビジネスパーソンにデザインのマインドを

筆者はbtraxに所属し、その中のマーケティングチームのメンバーとして働いてきた。そして「非デザイナー」の立場でデザインの現場に携わってきて確実にわかることは一つ。

” たとえ非デザイナーであっても、誰しもがデザインに触れるべきなんだ ” ということ。

これは、冒頭にも触れたデザイン経営、デザイン思考といったビジネス的なトレンドの上澄みを掬った話ではなく、実体験として感じたからこそ言えることである。

非デザイナーとしてデザインに多いに助けられることがあるとすれば、それは特にマインドの部分だろう。実際に手を動かすデザインワークこそしないかも知れないが、デザイナーのマインドを持つといいことずくめである。

この記事では、デザイン会社でマーケターをすることで得られたデザイン的なマインドセットと、実際に仕事の場においてデザイナーと協業する上で、気をつけてきたことをご紹介したい。

1. Yes and …

デザイン的なマインドセットの形容として真っ先に出てくるのがこの言葉である。

これは、アイディアや提案に対し、まずは受け止め(Yes)、その上で「いいね、じゃあ◯◯しよう」とさらにアイディアを付け足して(And) で返答するマインドセットのこと。さらに別のアイディアを提案したり、新たな情報を付け足すことで、そのアイディアの広がりを生み出すことができる。

このマインドセットのメリットは、心理的安全性が高められ、コミュニケーションが円滑になるということだと実感している。誰しも真っ向から否定されてよい気分にはならないだろう。

発言をしても即座に否定されることを恐れてそもそも発言が少ない状況になると、議論自体が活性化せず、元も子もない状態になる。

かくいう筆者も、実はある時までは、たとえばデザインコンセプトの立案を依頼したデザイナーに対し、フィードバックをするなんて恐れ多い… などと、皮肉のような情けない尻込みをしている時期があった。「デザイナーに対して、デザインのフィードバックを、非デザイナーである自分がするのか？」という具合に。

しかし、「こういうアイディアもあるのでは？」とYes and 的なフィードバックをしたことで、そこからさらに様々な方向性を検討することができ、結果的にチームとしてよいものを作り上げることができた。

ちなみにPixer社では、Plussing (Plus + ing)というフィードバックの手法を取り入れている。Plussingとは、新たなアイディアを思いついた時、否定するのではなく、そのアイディアにさらにアイディアを足すことで、よりよくしようと努めるまさにYes andに基づく方法だ。

あっと驚くクリエイティブな世界を見せてくれる裏側にはこうしたオープンマインドでYes Andな姿勢があるのかもしれない。

なぜ優秀なデザイナーでも酷いデザインを生み出してしまうのか？

2. Start at the end

直訳すると「終わりから始めろ。」つまり「逆算思考を持って推進せよ」ということだ。筆者自身、入社後にデザイナーの同僚から教わって以来大切にしてきた言葉だ。

これはむしろ、ビジネスで一般的な考え方だろう。目標を先に決め、それに向かって戦略を組み立てていく。この過程で、終着点を見据えることで、途中の課題や妨げになる要素を予測し、それを乗り越えるための戦略を練ることができる。

しかし、デザインにおいても、結果や最終的な目的を先に想像し、それから逆算してプロセスを始めることが効果的だ。そもそもユーザーがどんな体験を求めるのかを探ることから始めるケースも非常に多いが、たとえば製品開発においては、まず最終的にユーザーが求める体験を考え、それを実現するためのデザインや機能を構築していく。

また、非デザイナーとしては、このStart at the endの考え方を持つと、たとえばクライアントプロジェクトにおける最終的な成果物は何になるのか。資料をまとめる上で、ドキュメントであるべきか、スライドの資料であるべきか…など、物事の「枠」を考える癖をつけることができる。

この癖をつけることで、根本的な勘違いや手戻りによるロスタイムを減らすことができ、効率的なプロジェクト推進につながると思っている。

3. Done is better than perfect

デザインというよりはむしろシリコンバレー的なマインドにも重なる部分が大きいこちらは、Meta(旧Facebook)の創業者でありCEOであるマーク・ザッカーバーグの名言。意味は「完璧を目指すより、まず実行することに価値がある」。

こちらも、「デザイン会社である」に並ぶくらい重要な「サンフランシスコ・シリコンバレーに拠点がある」btraxで仕事をしていて日々その重要性を感じる言葉である。そしてこれもまた、スピード感が明暗を分けるさまざまなビジネスシーンにおいて言えることだと思う。

この考えを念頭に置くことで、時間とリソースの効率的な活用を促し、成果を生み出すための動き方に意識的になれる。特にデザインタスクでは、何度も修正や改善を重ねることがあるが、常に完璧を求めてしまうと、進捗が遅れたり、アイディアそのものの実現が難しくなることがある。

また、筆者のマーケティングのフィールドで言えば、早期の段階で実行に移し、リアルなデータやフィードバックを元に進化させていくことが重要になる。変化が速い現代において、柔軟性を持ってアクションを起こしていくことが必要だと思う。

シリコンバレーの企業はどのようにしてスピードを上げているのか?

また、この言葉は特にデジタルサービスとの相性が良い。なぜなら、デジタルサービスは多くの場合、”完璧な状態になる日は来ない”から。

まずはリリースをし、その後小さなアップデートを繰り返してサービスの質を上げていくというスタイルが叶うデジタルサービスは、逆にいうと、リリースしないと何も始まらない。軽いフットワークで動くことの重要性を物語る言葉だと思う。

また、早めにリリースすることのメリットは、その分早くユーザーや周囲からのフィードバックを受けられることだろう。

「三人寄れば文殊の知恵」ではないが、そのサービスに注がれる視線が多いほど、様々な角度からのフィードバックを得られることは明白だろう。その声を元にどんどん改善をしていった方が結果的により速く、よりユーザーニーズに沿ったサービスになるのではないかと思う。

デザイナーと働く上で意識すべきこと

次に非デザイナーとしてデザイナーと働く上で意識してきたことをご紹介する。実は、デザイナーの仕事の2/3はコミュニケーションであると言えるほど、コミュニケーションが重要なウェイトを占める。

これはつまり非デザイナーとしても、デザイナーと意思疎通をするシーンや時間が多いことを意味する。特に、新規事業や事業開発、コミュニケーション、ブランディングなどの部署にいらっしゃる方はデザイナーとのやりとりが日常的に発生するのではないだろうか。

下記は、デザイナーがクライアントワークにおいて往々にして遭遇する「しんどいシーン」をまとめているおもしろ切ない動画だ。

これを見て思うのは、決してクライアント側に悪気があるのではなく、デザイナーとの効果的なコミュニケーションの方法を知らないことも多いのではないかと思う。(非デザイナーとしてはぜひとも反面教師にしたい。) 以下にご紹介することが少しでもその助けになればと思う。

1. HOWではなく、WHYを伝える

デザイナーに意図を伝えるのは必須だ。具体的な作業をお願いするのではなく、達成したいことを伝えることがポイントだ。

よくあるのが、非デザイナーからデザイナーへのフィードバックとして「ここの文字を赤にして」「ここの文字を大きくして」という具体的な作業指示 (HOW)。しかし、これでは本質的によいデザインになるとは限らない。

また、こういったHOWのみを伝えるコミュニケーションが常態化した場合、デザイナーは指示を受けてその通りに修正するだけの下請け的な動きを強いられることになり、モチベーションも落ちてしまうだろう。

そうではなく、理由や意図(WHY)を伝えるのだ。文字を目立つ赤色にしたいのも、サイズを大きくしたいのも、おそらくその情報を確実にユーザーに伝達する必要があるからではないだろうか。

したがってデザイナーに伝える時には、「この目的を達成するために、この情報をしっかりとターゲットのユーザーに届ける必要がある」という形で伝えるようにしたい。

目指す目的を達成するためには、必ずしも色を変えることだけが方法ではないこともありうるし、意図を達成するためのデザイン的なアプローチの引き出しは、きっとデザイナーの方が豊富であろう。非デザイナーにとっては、それを解決するための手段として、色やサイズを変えることしか思い浮かんでいないだけかもしれない。

このように伝えれば、デザイナーとは指示出しと御用聞き、という関係性ではなくむしろ、お互いにフラットに、目的を果たすための建設的なディスカッションを行うことが容易になるだろう。

2. 制約を設ける

クリエイティブには制約が必要だ。ここでいう制約とはざっくりと、期限という時間的な制約と、進行する上で守るべき条件/項目といった発想や作業的な制約に大きく二分される。

非デザイナーは、デザイナーに対していわば「制約を設ける」側に立つことが多い。枠組みを作り、その中でデザイナーに躍動してもらうために制約を設けるのだ。

実際の仕事の中で制約を設けるときに作っているのが、「デザインブリーフ」である。

デザインブリーフとは、制作物の意図や目的、そして制約などをまとめたもので、デザイナーに明確なディレクションを伝え、彼らと目線を合わせた上で、作業に取り掛かってもらうために重要なアイテムである。筆者もデザイナーにタスクを依頼するときは必ずデザインブリーフを作成するようにしてきた。

デザインブリーフの作成方法に関する詳細はぜひ下記の記事を参照いただきたい。

デザインブリーフの役割とその作成方法

3. 効果を伝える

実際に効果を伝えることは非常に重要だ。これだけの効果を獲得できた、ということを数値と併せて示そう。客観的な数字を以って自分のデザインが評価された、うまくワークしたことが伝わるとよい。これはモチベーションに関わるトピックだ。

デザインそれ自体では定量的に評価をすることは難しいかもしれない。それでも、たとえばそれを用いたマーケティングキャンペーンの効果やパフォーマンスなど、デザイナーにとってはモチベーションをあげる有効な指標となる。

デザインの役割の一つに課題解決があるということは冒頭の通りだ。特にビジネスの文脈におけるデザインはこの役目を担うことが多い以上、実際に生み出されたデザインが、役割を果たせたのかどうかは適切にフィードバックをする必要があると感じている。

ここまでデザイナーとのコミュニケーションにおいて意識してきたことを3つをまとめて思うのは、非デザイナーができるのは、デザイナーが仕事をするために、適切なフィールドを用意し、適切なお伝えをすること、これに尽きるのではないかということだ。

デザインという大海を見ることのススメ

デザインの世界はまさに大海であり、そこに漂う自分は井戸から出たばかりのカエルだと思う。

ますます広義化するデザインは、知れば知るほどわからなくなることさえある。でも、”ゆでガエル”にならないために、ぜひビジネスに活かせるデザイン、マインドセットとしてのデザインに興味を持って、学んでいただきたい。

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デザイン会社を経営していて定期的に思うことがある。

「デザイナーってマネージしにくい」

おそらく共感する人もいると思う。というのも、似たような立場の友人も同じ感想を言っていたから。

でもこれ、必ずしもデザイナー自身だけの問題ではない。その職種の特性上の課題もあったりして、なかなか難易度の高い仕組みが求められたりするのもその理由。

【改めて基本を解説】デザイナーの役割とその仕事内容とは

デザイナーをマネージするのが難しい3つの理由

デザイナーのマネージって難しいな？って感じる理由はおそらく3つある気がする。

その3つを紹介し、それぞれの解説もする。

1. 結果測定の難しさ
2. エゴイスティックな性格
3. 評価制度の複雑さ

1. 結果測定の難しさ

まず最初の理由は、その特性上、仕事の結果を測るのが難しいから。

マネージャーの仕事の一つは、スタッフの仕事の内容を測定して評価すること。

これが営業だったら売り上げだったり、マーケティングだったらPVだったりコンバージョン率だったりと、何かと数字で結果を測定することができる。

しかし、デザイナーの仕事の結果がよかったのか、それとも微妙だったのかを客観的に誰もが納得する形で行うのはかなり難しい。

というのも「何が正しいデザインなのか？」の問いはその時々でかなり変化するから。

そして厄介なことに、デザイナーは自己評価と会社からの評価、クライアントからの評価、そしてそのデザインが生み出す最終的な結果が乖離することも多い職種である。

そうなってくるとかなりギクシャクしてしまう。

例えば、デザイナー自身が良いと思って作ったデザインに対して上司がダメ出しをする。

それに合わせて作り直したデザインをクライアントに提出。でも、クライアントは気に入らず、変更を依頼。その内容が元々デザインしたものだった。

この場合、そのデザイナーは良い結果を出したことになるのか？実はそこで終わらない。

そのデザインを世の中にリリースして、そこから生まれた結果こそがデザインの本当の結果となるだろう。

ということは、デザインの本当の結果を測定するにはかなりの時間がかかるし、これがブランティング系のプロジェクトだった場合は、より結果測定の難易度が上がる。

ブランド価値の効果測定方法 〜2つのデータ活用法〜

2. エゴイスティックな性格

次は「デザイナー」と呼ばれる人たちの気質が原因。

全員が全員そうであると断言するつもりはない。しかし自分の経験則からしても、デザイナーは他職種の人達と比べても、相対的にエゴが強い人が多い傾向にあると思っている。

もちろんその仕事上、個性が強くなければいけないし、ある程度は自己主張をしていかなければ自分のアイディアを通すことができないことも事実だ。

よくあるパターンは、上司やクライアントがデザイナーにダメ出しをした際に、デザイナーが「いや、これは俺のこだわりなので変えたくないです」というようなことを言い出すこと。

そうなってくると、どちらが正しいかの証明は難しく、言い合いになったり、その場の空気が悪くなることも。

そしてそれが拗れると人間関係にも影響が出たり、現場の雰囲気が険悪になってしまったりするリスクがある。

では、自己主張がなければよいのかというとそうではない。自分の頭で考えずに、言ったことしかやらないオペレーターに成り下がってしまう。

言われた通りにデザインをするのは簡単だが、それでは良いデザインは生み出されない。

このように考えていくと、正とされる答えがないなかなか難しい問題だ。

優れたデザイナーは自分で主張すべき局面と、相手のリクエストに柔軟に対応すべきタイミングを見分けるのが上手い。

もはやデザイナーは職種ではなくマインドセット 〜デザイナーのマインドセットとは〜

3. 評価制度の複雑さ

そして最後は、デザイナーの評価制度の設計の難しさである。

デザイナーの役割が多種多様になっている現代において、全てを網羅して、誰が見てもフェアな人事評価制度を作るのはかなり至難の業なのだ。

そう、「デザイナー」と言っても、デザインリサーチャーから、UIデザイナー、UXデザイナー、サービスデザイナー、インタラクションデザイナーなどなど、多岐にわたるデザイン領域があるため、一つの評価制度だけを全ての職種に当てはめることはできない。

では、どのような評価基準で人事システムを設計すればよいのだろうか？

恐らく全デザイナーに求められる「必須科目」とそれぞれの職種ごとに異なる「オプション科目」の混合で評価できる仕組みが必要になると考えている。

例えば、プレゼンスキルとコミュニケーションスキルと、ユーザー理解は全てのデザイナーに必要な能力。

それに加え、職種に応じてビジュアルのデザインやモーショングラフィック、ペルソナ設計やインタラクション設計などの個別スキルを基準に入れていくとよいだろう。

例えば、このようなスキルマトリックスを用いてそれぞれの項目におけるレベルを測る方法も効果的だ。

そして実はデザイナーにとって重要なスキルの多くが「非デザインスキル」だったりもする。

「良いデザイナー」と「優れたデザイナー」を分けるのは、デザインスキル自体だけでなく、それ以外のソフトスキルなのだ。

その辺りもデザイナーの評価システムに入れると、より死角の少ないシステムになるだろう。

プロのデザイナーとして活躍するために必要な8つの非デザインスキル

この続きは12月6日に開催されるイベントで

こんな感じで、やっぱデザイナーをマネージするのは難しい。

実際の現場で実際にどんな感じでマネージしたり、されたりしているかの実例は、来月12月6日に東京で開催されれるイベント「Btrax Design Day」で登壇するChris Otaによって説明してもらう予定だ。

Chrisはサンフランシスコのライドシェアスタートアップ、Lyftで働くデザイナー。

LyftはUberのライバル的存在であるが、そのデザイン性の高さと、デザイナーを中心とした企業カルチャーで差別化を図っている。

イベント詳細やチケット購入はこちらから。

こちらの内容に関するポッドキャスト

「デザインとは何か？」

これはデザイナーにとっても、それ以外の人々にとっても永遠の問い。

人によって「デザイン」の概念が異なり、それが理由でミス・コミュニケーションがやちょっとした争いすら発生する原因にもなっているからだ。

同じく現代の「デザイナー」と呼ばれる人たちの役割も多種多様で、一言で表現するのはかなり難しい。

そして「デザイン」の担う領域がどんどん広がっている現代において「デザインとは？」という問いは、例えば「言葉とは何か？」といった問いに近いレベルだ。

英語のdesign, Design, DESIGN その違いを知っていますか？

結局デザインとは何なのか？

さて、本題に戻ろう。

デザインとは何であるか？これを言い換えると「デザインの役割とは？」である。

人生をデザインに捧げてきた人間として自分なりにその答えをここに表記する。間違っているかもしれないが…。

大きく分けてデザインの役割は4つある。

デザインの役割:

1. 可視化
2. 課題解決
3. 導き
4. シンプル化

【デザインの役割1: 可視化】

デザインは思考の可視化である
– ソール・バス

おそらく「デザイン」と聞いて最も多くの人たちが想像するのがこの役割。

絵を描いたり色を塗ったり、いわゆる「装飾」的な役割としてのデザイン。

現代では時代遅れと思われがちな役割であるが、これもデザインの最も重要な定義のひとつ。

ここで重要になってくるのは、ではデザインは一体 “何” を可視化するのか？

いくつかあるので紹介しよう。

デザインが可視化するもの – 情報

みなさんの日常に最も馴染みのあるデザインが可視化するもの。それは情報である。

世の中はさまざまな情報で溢れているが、それをより人間が直感的にわかりやすく表示するのがデザインの役割の一つ。

例えばこの画像のように、左の表から右のグラフに変換するだけでもかなり理解しやすくなる。結果として、より直感的に理解できるようになり、コミュニケーションに必要とされる時間の短縮にもつながっていく。

デザインが可視化するもの – アイディア

次にデザインが可視化するのはアイディア。

ビジネスのプレゼンやスタートアップのピッチをする際に利用するスライドやデモ動画などがその例だろう。

一人の頭の中にだけあるアイディアを言葉以上にわかりやすい形で可視化することで、その価値が伝わりやすくなる。

そして価値が認められることで、周りの人々を巻き込んだり、予算を獲得したり、投資を受けやすくなったりするメリットがある。

デザインが可視化するもの – ブランド

デザイナーの役割の一つとして、ロゴやアイデンティティのデザインがある。これは、その企業やサービスなどのビジョンの可視化に他ならない。

世の中に対し、その存在価値をより視覚的にわかりやすく表現することにより、一目で認識しやすくするのがロゴの役割だ。

したがって「ロゴデザイン = ビジョンの可視化」である。

デザインが可視化するもの – 体験

デザインの役割のひとつが「目に見えないものの可視化」だとするならば「体験」も可視化するとより伝わるようになる。

そもそも体験の可視化なんて可能なの？と思うかもれしれないが、実は既にかなりさまざまなシーンでされている。

その代表的な例が広告。

テレビやウェブ、そして街角のビルボードまで、多くの広告は商品の紹介以上に、そこから得られる体験の可視化を通じたコミュニケーションこそが最も需要な役割である。

デザインをする際に利用するタイポグラフィ、色や形、レイアウト、スペースといった表層は、単なるビジュアルの要素でなく、人間の感情や心理的な影響を持ち、体験そのものの印象を形作る重要な要素なのである。

優れたデザインを通じることで、ビジュアルの要素が整合性を持って設計され、ユーザーの感情や認知に働きかけることで、より効果的なコミュニケーションが可能になる。

【デザインの役割2: 課題解決】

デザインは問題解決のプロセスであり、美しい解の追求である。
– ドン・ノーマン

次のデザインの役割、それは課題の解決。

自分も以前より「デザインの定義って何ですか？」って聞かれた際には、ほぼ毎回「課題を解決するための最も効率的なプロセス」と答えていた。

特に21世紀に入ってから注目されているデザインのフィールド、例えばデザイン思考やUXデザインにおいては、その目的がユーザーの課題解決に定められることが多い。

そして、現代の世の中にある多くのプロダクトは、消費者やユーザーの課題を解決するために生み出されたものである。

では実際にデザインが課題を解決した例をいくつか紹介する。必ずしも デザイン “だけ” で解決したわけではないが、デザインが課題解決という重要な役割の一端を担っていることをお伝えしたい。

デザインが課題解決した例: トースター

レトロなタイプのトースター。その見た目も、焼けた時にポンッとパンが飛び出す感じもとても可愛い。

実はこのデザイン、とある課題を解決している。

それは、焼き過ぎを防ぐことと焼けたことを知らせること。

焼けた時にパンが飛び出してくれないといつ焼けたのかが分からないし、そのまま放置すると焦げてしまう。

それに対して飛び出すデザインにしたことで、その二つの課題をしっかりと解決している。

デザインが課題解決した例: カスタネット

もうひとつ課題を色によってその課題を解決したプロダクトがある。

きっとみなさんの多くが触れたことがあるであろうカスタネット。

多くの場合、赤と青の2色で構成されている。実はその理由は、男子でも女子でも使えるようにするため。

もともとこれがデザインされた当時は、男の子向けには青、女の子向けには赤、というように性別で色が定められていた。

しかし、クラスによって男女比率が異なるケースがあることで、どちらかの数が足りない状態が頻発していた。そこで、両方の色を合わせて一つにすることで、誰でも使えるようにデザインにしたというもの。

デザインが課題解決した例: スタッキングできる椅子

複数の椅子を重ねて収納できるデザインも、省スペースによって課題解決をした例。

日本の小学校でも授業が終わった後に椅子を重ねて教室の後ろに置くことで掃除をしたりする。

当たり前のように思われがちだが、重ねられる椅子もしっかりとデザインとして工夫が施されているからこその機能である。

【デザインの役割3: 導き】

“デザイン” は見た目のことではなく“どう機能するか” だ
– スティーブ・ジョブズ

以前にSNS上で “デザインの敗北” というキーワードがバズったことがある。

施したデザインがユーザーに対して有用な結果を生み出していなかったことから、「役割を果たしていない = 敗北した状態」と言われていた。

その例のひとつがこの公衆トイレのサイネージ。

性別を想起させる典型的なデザインをあえて排除した造形を採用している。おそらく性差別的な表現を避けるためのインクルーシブなデザインを目指したのだろう。

でも、これだと男性用と女性用の識別が難しく、かえってユーザーが混乱してしまう。

それに対応すべく、下の部分に手書きで「男性」「女性」が記載されたテープが後付けて貼らレルという誠に残念な応急処理がなされている。

これは初期のデザインがユーザーを正しく導いてあげられなかった結果によるもの。

では正しく導くことができている例も紹介する。わかりやすいように同じ公衆トイレのサインで。

それがこちら。

はい。とてもわかりやすい。

アイコンのデザインも色も配置もかなりクリアで、左が女性、右が男性。そして、中央に多目的トイレがあることが一目で伝わる。

必ずしも “おしゃれ” なデザインでなくてもユーザーを正しく導くことができれば、デザイン本来の役割を果たすことになる。

ユーザーを導くシャンプー・コンディショナーのボトルデザイン

メリットのシャンプーとコンディショナーのボトルはこの「デザインによる導き」を上手に活用している。

シャワーを浴びてる際は目を開けにくく、シャンプーとコンディショナーのボトルを識別しづらい。

そこで、シャンプーボトルの上部と横の部分に凹凸を施すことにより、手触りだけでそれがシャンプーなのかコンディショナーなのかを識別できるデザインが生まれた。

これにより、ユーザーをそれぞれのボトルに上手に導いている。

これはデザインが単なる見た目の美しさだけでなく、製品の使いやすさや機能性にも密接に関連している。

シンプルで直感的なインターフェースは、ユーザーを迷わせることなく正しい方向に導く役割を果たすのがわかる。

直感的な操作性で導いてくれるサインアップフォーム

デザインによる「導き」はデジタルの世界でも多く見られる。

このサインアップフォームを例に、デザインがユーザーをどのように導いているかを見てみよう。

まずはページの上部にアカウントが作成されるまでの4ステップがわかりやすく明記されている、これで、ユーザーに安心感を与える。

項目に入力するとマークが表示され、正しい内容だったよと教えてくれる。

逆に何も入力していない項目は赤いアウトライン表示がされ、これも直感的に「入力しないとダメだよ」との導きがされる。

そして、必要事項を入力しないと “Next” ボタンがグレーのままで押せない状態にあり「入力するまで次に進めないよ」と直感的に理解できる。

このフォームは、間違って入力してからエラーが出るタイプよりもよっぽどユーザーに直感的な導きを与える素晴らしいデザインと言える。

導くことがデザインの役割

このように、デザインは「見た目」だけでなく、もっと広い意味での機能や人間の体験、感情に対する影響も含む非常に重要な要素である。

それもあり、ここ数年、デザイン思考やデザイン経営、そしてUXやUIのデザインの重要性が強調され、デザインが単なるビジュアルの美しさだけでなく、ユーザーの体験を最適化するための手法であるという認識が広がってきている。

【デザインの役割4: シンプル化】

デザインは、複雑なものをシンプルにすることだ。
– ジョン・マエダ

デザインの役割の最後は「シンプルにすること」。

おそらくこれには少し謎な印象を受けるかもしれない。というのも、シンプルにすること自体に価値があることが意外と知られていないからだ。特に最近までは。

まずこの画像を見ていただきたい。

これはとある家庭のテレビリモコンであるが、その大部分がテープによって隠されている。

その理由は「混乱するから」。

このリモコンを利用しているのは高齢者で、複雑なボタン操作が日常生活におけるハードルになっている。

そこで、自分たちでリモコンを「シンプル」にしたというわけだ。

この例を見ても、シンプルにすることで得られるメリットがわかる。

それが理由か、最近のリモコンはかなりシンプルになってきている。

しかし何かをシンプルにするのはかなり難易度が高い。

少しでもデザインを勉強したことのある人であれば “Less-is-More (少ない方がより多くを得られる)” という表現を聞いたことがあるのではないだろうか？

また、レオナルド・ダ・ヴィンチはその昔、”シンプルである事は究極の洗練だ” と語った。

それぐらいデザイナー的感覚で考えると、シンプルにしていくことが究極のゴールの一つになる。

一般的にも最近でこそ「断捨離」や「ミニマリズム」という概念の認知度が上がり、その価値が注目されているが、少し前までは何事も多い方がお得な感じがしていた。

しかし、実はシンプルにすることで得られるメリットはかなり多い。

シンプルにすることのメリット

• 迷いにくくなる
• 壊れにくくなる
• 時間の短縮
• ストレスの軽減
• コストの削減

などなど。

例えばスターバックスのロゴ。リニューアルするたびにシンプルになってきていることがこうして並べてみるとよくわかるだろう。

最新のものは、以前の複雑な2色刷りのロゴと比べると、よりシンプルなラインと色も緑一色しか利用されていない。

世界中に存在する複数の店舗の看板と膨大な数のカップへのロゴの印刷コストを考えてみると、ロゴのデザインをシンプルにするだけでかなりのコスト削減にも繋がっている。

また、シンプルなデザインにすると「壊れにくい」というメリットも生まれる。

構成する要素が少なければ、壊れる可能性のある要素も減ってくる。

単純な理論であるが、ここでもシンプルさが威力を発揮する。UIはエレメントが少ない方がバグが出にくいし、文章は短い方がスペルミスが起きにくい。

ハードウェアであれば、必要とするパーツが少なければ少ないほどに壊れにくくなるし、該当するパーツがなければそもそも壊れようがないし、ネジがなければゆるむ心配も、外れる心配もない。

このシンプル化のメリットは、Appleのクレジットカードでも存分に採用されている。

現時点でまだ日本ではリリースされていないApple社によるこのクレジットカードは、さまざまな部分を極限までシンプルにデザインすることで体験価値を最大限に高めている。

Appleクレジットカードによるシンプルの追求

• カードの申請: Walletアプリ内から → 手間が減る
• 利用開始までの待ち時間: Walletアプリ内からすぐに利用 → 待ち時間なし
• カード番号: Walletアプリ内 → カード上の表記なし
• 有効期限: Walletアプリ内 → カード上の表記なし
• セキュリティーコード: Walletアプリ内 → カード上の表記なし
• アクティベーション: パッケージとiPhone → 本人以外には不可能
• 規約書類 : Walletアプリ内 → 分厚い書類なし
• 利用時のプロセス: 利用時にiPhoneに通知・場合によっては承認 → サインなし
• 利用明細: Walletアプリ内 → 常時確認・月末まで待つ必要なし
• 番号の変更: Walletアプリから → カードの再発行の必要なし
• 年会費: 無料 → カードを申請しない理由がない！

このように、シンプルにすること自体がデザインの役割のひとつになっている。

言い換えるとシンプルである状態というのは、完璧に近いデザインがされているということだ。

なぜデザインはシンプルな方が良いのか – 5つの理由と6つの鉄則

【良いデザインはより人々から愛される商品・ブランドを生み出す】

高級スポーツカーブランド、フェラーリの創始者であるエンツォ・フェラーリは、優れたデザインには二つのメリットがあると語っている。

1. 長く愛される
2. より多く売れる

そう、同じプロダクトでもデザイン性が高ければより多くの人に愛される可能性が高まる。そして結果的により多く売れる。

これはビジネス的なメリットもかなり高いことが想像できるだろう。

そのデザイン性の高さで多くの人々を魅了し、愛され、企業の運命さえも救ったプロダクトがある。Apple iMacだ。

今でこそMacのアイコン的な存在であるが、初代が発売された頃はAppleは倒産寸前だった。

それを救ったのがそのデザイン性の高さである。

そしてこのiMadのデザイン性の高さは現代のモデルにまでしっかりと引き継がれている。

まとめ: 「デザインとは？」の答え

ということで、かなり長編になってしまったが、デザインとは？という究極の問いに対して、自分としての答えは

1. 可視化
2. 課題解決
3. 導き
4. シンプル化

を行う役割である。

そしてそれが上手にできると、より人々に愛され、売れる商品やサービスにも繋がる。だからこそ、デザインは尊く大切な存在なのだ。

この内容を話したポッドキャスト

最近はデザインの範囲がかなり広がり、デザイン思考や、UXデザイン、そしてサービスデザインなど「見た目」だけではないデザイン領域が注目されている。

それと同時に「デザイナー」と呼ばれる人の中で基本的なビジュアルデザインに関する知識が乏しい人も少なくはなくなってきた。

しかし、いかなるデザインフィールドであったとしてもデザインの基礎知識が重要であることには変わりない。

英語のdesign, Design, DESIGN その違いを知っていますか？

そこで今回はヴィジュアルデザインの細部に関する視覚的錯覚 = 錯視に関しての11のポイントを紹介したい。

一流デザイナーはみんな知っている”錯視調整”

「神は細部に宿る」と言われる通り、”良いデザイナー”と”素晴らしいデザイナー”を分けるポイントの一つに、細かい部分の作り込みが挙げられる。

デザインソフトを使って自動調整しても何故かしっくりこない時がある。それは、視覚的錯覚が理由。

ヴィジュアルデザインにおいては、いわゆる錯視と呼ばれる状態が頻繁に発生するのだ。ここで紹介されている錯視を考慮し、微調整を施せるようになれば、デザイナーとしてのスキルレベルが一つ上がるだろう。

1. 三角形二等分錯視
2. 垂直水平錯視
3. マッハバンド
4. ヘリング錯視
5. ハーマングリッド
6. 同時コントラスト錯視
7. ムンカー・ホワイト錯視
8. ウォーターカラーイリュージョン
9. ジャストロー錯視
10. コーンスウィート錯視
11. ミュラーリヤー錯視

おまけ: Google ロゴに隠された微調整

1. 三角形二等分錯視

まずは小学校の算数の時間に出てきそうな名前の錯視から紹介しよう。

ロゴやアイコンにおいて複雑な幾何学的形状や奇妙な比率のものは視覚的錯覚を起こしやすい。特に三角形のオブジェクトを使ってデザインをする際には注意が必要だ。

機械的に左右対称にしたり、完璧にアラインを取ったと思っても、何故かしっくりこないことがある。そんな時にはマニュアル作業での介入が必要になる。

具体的な例を説明しよう。

三角形を曲線や直線のコンテナ内に置くと、要素が視覚的に”ズレて”見えることがある。これは「三角形二等分錯視」と呼ばれる効果が原因。

YouTubeのアイコンが良い例だろう。

三角形二等分錯視が生まれる原因

三角形の質量の中心は最小外接矩形に基づいて計算される。したがって、正三角形の高さのちょうど半分の場所に点を置くと、視覚的にはるかに半分より上にあるように見えるのだ。

この錯視が発生するのは下記の2つの原因があるとされている。

• 三角形特有の「底辺」の存在によるスケーリング：三角形は、1つの頂点が遠方にあり、底辺が手前にあるように知覚されることがあるため
• 三角形特有の重心：中点を求めると人は上下の面積が等しいところを重心と置きがちだが、正三角形の重心は実際の中点よりも下にあるため

三角形を箱の中で中心に見せるには、三角形の重心を求める必要がある。重心とは各頂点から対辺中点への線が交わる点だ。

以下はそれを得るための計算式だ:

と、こんなにも複雑な式になってしまうが、心配はいらない。

中心点は、各辺から対角の頂点への距離の1/3の位置にあることさえ理解していれば、三角形や他の図形にも応用することが可能。

それを踏まえて最終的な視覚調整をすれば、違和感の無いデザインを生み出すことができるだろう。

2. 垂直水平錯視

デザインの基本的な構成要素としてよく利用される正方形。実はこの正方形も視覚的な錯覚を生み出しやすい。

Figmaなどのデザインソフトで完璧な1:1の正方形を作成したはずが、パッと見違和感を感じることがある。垂直の辺が、水平の辺よりも長く見える感じがすることがあるだろう。

まるで少し縦長の長方形のような感じ。でも実際に測ってみると完璧な正方形だ。

この錯覚は垂直水平錯視と呼ばれている。

この錯視が面白いのは、異なるカルチャーや性別によっても微妙に異なって見えるところだ。

都市部に住む人々は、農村部に住む人々よりもこの錯視の影響を強く受ける傾向があるらしい。

都市部に住む人々の方が、農村部に住む人々よりもこの錯視の影響を強く受けることが知られている。これは、農村部の人々は平らな土地や平野部に住むことが多く、より距離の感覚に慣れているからだと考え得られている。

農村部の人々は丸い家に住んでいることが多く、図形の認識により慣れているからだとか。

3. マッハバンド

UIデザインなどでは、同じ色味のオブジェクトを異なる濃淡で並べるデザイン手法がある。そうした際、それぞれのオブジェクトの間に陰影が見えることがある。

これはオーストリアの物理学者エルンスト・マッハが100年以上前に発見した錯視で “マッハバンド” と呼ばれる。実際には同じ色なのだが、横の色の影響で陰影が見える。

この錯視が発生する技術的な理由は “側方抑制” によるものである。これは、暗い部分はさらに暗く見え、明るい部分はさらに明るく見えるという錯覚。

側方抑制を簡単に説明すると、光を感知する視細胞が網膜の中に無数に存在（1億個程度と言われている）する中で、近隣する視細胞同士の活動を抑制的に作用させることで、境界線を際立たせて見えるようになることだ。（参照）

マッハバンドはデザインの世界でも理解しておく必要があるが、実は歯科医にとって大きな障害となっているそうだ。

歯のX線撮影では、輝度の変化を分析するためにグレースケール画像が生成されるが、マッハバンドが正しく識別されないと、誤診断の要因となったりもしているためだ。

4. ヘリング錯視

画面をスクロールしている際に、非常に細い線が含まれるロゴや、微小な点が施された背景画像などが動いているように見えたことはないだろうか？もしくは、動画の中で表示されているテレビ画面の線が光って見えたりしたことがあるかもしれない。

これは、2つのグリッドパターンが重ね合わされた “ムアレ模様” を動かした時にそれ自体が動いて見える視覚的幻想である。

ムアレ模様自体は厳密には錯視ではなく、ヘリング錯視を引き起こすパターンである。

下記のSONOSのロゴの例は、ムアレ模様、ヘリングの錯視、視覚的な運動錯視を組み合わせている。この視覚的テクニックはオプ・アートの世界ではかなり一般的なものになっている。

5. ハーマングリッド

SNSなどでも定期的にシェアされるタイプの画像。グリッドレイアウトに背景とのコントラストの高い正方形を並べると周囲の正方形の交点にあるはずのない”シミ”が見える錯視。

特に交差部分にランダムにドットを表示すると、表示されていないところに黒い影が見える。こちらも前述した側方抑制の影響によるものだ。

6. 同時コントラスト錯視

同じ色の2つのオブジェクトを、異なるコントラストの背景に置くと、その2つのオブジェクトが実際は異なる色であるかのように見える現象。

この現象は、ビジュアルデザインの世界では「同時コントラスト錯視」として知られる。どのように色が違って見えるかは人によって異なる場合がある。

この錯視がなぜ起こるのかについて確固たる理論は未だないが、側方抑制が理由の一つではないかと推測されている。

7. ムンカー・ホワイト錯視

下記のGIFを見ると、左の紫のブロックの方が右の紫のブロックよりも色が明るく見えるが、実際には両方のブロックは同じ色だ。ムンカー・ホワイト錯視の原因も側方抑制によるものと言われている。

8. ウォーターカラーイリュージョン

下記の長方形を見てもらいたい。外枠に囲われた内側の色は何だろうか。

例えば、赤枠の長方形。その内側の白色はほんのり赤みがかっているように見えるのではないだろうか。しかし、実際は真っ白なのだ。

この視覚現象は、ウォーターカラーイリュージョン (水彩錯視) と呼ばれ、有彩色2色を用いて図柄の輪郭を描くことで、内側の色が水彩絵の具で彩色したときのように滲んで感じられる錯視現象のことをいう。

上記のボタンに関しても同じ現象が起こっており、内側の白い部分にうっすらと外枠の色が滲み出てるように見える場合がある。

9. ジャストロー錯視

これは皆さんにも馴染みのある錯覚かもしれない。同じ大きさの2つのかまぼこ形を並べると、弧の中心の側に置いた図形がより大きく見える現象。

なぜかまぼこ形を二つ並べるとサイズが異なると知覚するのか、実は決定的なロジックは解明されていない。

一説によると大きな半径と小さな半径の違いに脳が混乱するからだと言われている。つまり、短い側が長い側をさらに長く見せ、長い側が短い側をさらに短く見せている。

10. コーンスウィート錯視

コーンスウィート錯視は、グラデーションと中央の線を使用して、画像の一方がもう一方より暗く見える状況を作り出す。

下図では、中央の垂直な線を境に左側の長方形が右側の長方形より暗く感じるだろう。ところが、2つの画像を縦に並べてみるとわかる通り、2つの長方形は本当は同じ明るさなのだ。

この錯視は、前述の錯視と似た効果だが、実際には下記の2つの点で大きく異なっている：

• マッハバンドの例では、効果は各オブジェクトの境界に近い領域に見られる錯覚だが、コーンスウィートの錯視はオブジェクト全体の色に影響する。
• コーンスウィートの錯視では端の明るい部分はより明るく、暗い部分はより暗く見える。これは通常のコントラスト効果とは逆の状態だ。

11. ミュラーリヤー錯視

アルファベットはその特性上、文字の並べ方によって上下に視覚的錯覚を生み出しやすい。

同じサイズの文字を並べているのになぜか特定の箇所が揃って見えない。これはミュラーリヤー錯視の仕業である。

例えば同じサイズの “I” と “O” を並べた場合、どうしても “O” の方が小さく見える。

ロゴのデザインなどをする際には、このミュラーリヤー錯視に対応するために、オーバーシュートと呼ばれるデザイン手法を使って微調整を行う。

例えば、皆さんご存知のamazonのロゴには文字部分の上がナチュラルに見えるようにオーバーシュートでしっかりと微調整されてる。

Amazonのロゴと同様にLinkedInのロゴもしっかりとオーバーシュート調整が施されている。

上記のロゴを見て分かる通り、文字によってはベースラインが揃っていない。そのため、タイポグラファーやロゴデザイナーは各文字ペアを手動で視覚的に調整しなければならないが、これはかなりの手間のかかる作業であることも事実だ。

おまけ: Google ロゴに隠された微調整

最後のおまけとして、多くの人がほぼ毎日利用しているであろうGoogleのロゴシンボル “G” に関してのちょっとした秘密を紹介する。

まん丸に見えるこのGも実はよりナチュラルに見えるように主導による調整が施されている。

理論的に完璧な円だったとしても、他の構成要素や色などでそう見えない場合がある。

Googleの “G” のロゴもそれにより、手動で調整してよりナチュラルに見えるようにデザインされている。

人間の目って厄介ですよね。だからこそデザイナーの腕の見せ所でもありますよね。

* この記事は「11 Optical Illusions Found in Visual Design」をベースに、元記事の著者より許可を得て作成しました。

筆者: Brandon K. Hill / CEO, btrax, Inc.

最近SNSなどでデザインシステムに対する注目度が増していると感じる。

昨年、日本のデジタル庁がデザインシステムを公開し、ニューヨークとパリに拠点を置くデザインエージェンシーのAREA 17によってOpenAIのデザインシステムが公開された。

デザインを専門職としていない方でも、「デザインシステム」という単語を見かけたり、さまざまな企業のデザインシステムを見る機会が増えたと感じているかもしれない。

本記事では、デザインシステムが生まれた経緯や存在理由をはじめ、デザインシステムの基礎をご紹介したい。

デザインシステムとは何か？

デザインシステムとは、デザインに関わる複数の要素（色やフォントなどさまざまなもの）をひとつに管理したものである。

デザインシステムの存在意義は主に次の2点と考えられる。

一つは、デザインチームの生産性向上のため、もう一つは、デザインの品質向上のためである。

デザインシステムを導入することで、一貫性のあるデザインをチームでも実現することができ、ブランドイメージの統一やユーザー体験の向上などの効果が期待できる。

デジタルプロダクト上で高品質なUIや体験を提供するためのコンポーネント(CTAボタンといった要素)の集まりもデザインシステムの一部である。

デザインの組織的なアセットとして、デザインシステムの他に「ヴィジュアルアイデンティティ（VI）」や「ブランドガイドライン」といったものがある。

これらの違いは、企業の上位概念の共通認識をとるために作られているか、より現場レベルでの運用方法を明示するために作られているかのレベルの違いである。

ヴィジュアルアイデンティティをはじめとした企業の方向性を示すアセットは、いわば上位概念に位置し、デザインシステムやブランドガイドラインはより現場に近い概念である。

名前にもついているシステム（System）には「制度」「方法」「順序」といった意味があるため、「現場の運用のための制度や方法」という概念は感覚的にわかりやすいのではないかと思う。

デザインシステムの基本の3要素

では、デザインシステムとはどんな内容で構成されているのだろうか。ここからは、デザインシステムを構成する3つの主な要素をご紹介する。

その前に、そもそもデザインシステムは、デザインシステムを作る対象となるプロダクトやサービスによって、含まれるべき要素が変わってくるものだ。デザイナーやマネージャーはシステム化する対象によって、デザインシステムの内容をアレンジする必要があることをここでお伝えしておきたい。

その上で、ここでは、最も基本かついずれのデザインシステムにも含まれるべき要素としてご紹介する。

1.デザイン原則

これは、企業がプロダクトを作る上で重視するデザインの考えや思想を可視化させたものだ。

デザインシステムは、基本的に複数人で運用される上に、時にはプロダクトの成長に合わせてコンポーネントリスト（詳細は後ほどご紹介する）を更新することが出てくる。

そんな時に、デザイン原則として、重視しているデザインの考えが明文化されていると、状況に変化が起きても、デザインの根本を見失わず、共通認識を持つことができる。

参考：Spotifyのデザイン原則に関する記事

2.スタイルガイド

スタイルガイドは、カラーパレットやフォントをはじめ主にビジュアルデザインに関する要素を集めたものになる。

ブランドイメージをビジュアルとして可視化するための規則であり、デザイナーはスタイルガイドに沿って色やフォントを選ぶことで、どんなデザインでも同じブランドから出ている統一感を出すことができる。

3.コンポーネントリスト

スタイルガイドを基に作成された「繰り返し使えるデザイン要素」を集めたものである。

例えばWebやアプリ上のボタンを初めとしたテキストボックス、ナビゲーションバー、タグなどである。

目的に対し、その達成のための要素という1:1のコンポーネントを作っていくことで、デザイナーが複数人いる現場でも一貫性のあるユーザービリティと体験を提供でき、開発側もUIの管理がしやすくなる。

デザインシステムを作る場合にはこの1から3にかけて要素を組み立てていくのが一般的な流れとなる。

デザインシステムの運用方法

デザインシステムは作って終わりではなく、運用していくことが重要である。デザインシステムの運用において一般的に重要とされていることを紹介する。

1.ドキュメンテーションの整備

デザインシステムに関するドキュメンテーションを整備して、関係者の誰からも見やすようにする。

デザインシステムは、デザインシステムの制作者以外が使うことがほとんどだ。時にはデザイナーではない人も使うものだ。

そのためデザイナー以外にも分かりやすく、すぐに内容を確認できる状態が望ましい。

例えばSmart HRではデザインシステムをWebページ上に公開している。他にもよくあるのはFigmaで制作しておき、それを公開しておく方法だろう。

2.コミュニケーションの確立

デザインシステムの利用に関する情報共有や問題解決のためのSlackなど、コミュニケーションチャネルを確立すると関係者同士の連携が円滑になる。

デザインシステムは運用していく中で必ず課題は出てくるものだ。それをいち早く報告し改善できる仕組みとして、コミュニケーション方法の確立は重要である。

3.バージョン管理の実施

デザインシステムは日々改善されていく。そのためバージョン管理を実施することで、新しい要素や変更が加わった場合に、関係者がそれを追跡でき、問題が発生した場合にも簡単に元々のバージョンまで戻ることができる。

4.ユーザーフィードバックの取得

デザインシステムの利用者からのフィードバックを積極的に回収し、その情報をもとに改善することも重要である。

多くの企業が自社のデザインシステムを公開している理由の1つだ。イギリス政府のように国営のサイトの体験に関するフィードバックを民間から発信できるコミュニティを持ち、その中で上がった意見を元に改善が進められるケースもある（参照）。

まとめ

本記事ではデザインシステムの基礎となる存在理由や要素、運用方法をご紹介した。

デザインシステムは企業におけるデザインチームの生産性向上、デザイン運用ための品質担保という目的があるが、それを運用するのはデザイナーだけに限らない。

エンジニアやプロジェクトマネージャーも、このデザインシステムを参考にしながらプロダクトを作っていく。そのため、デザインシステム自体は企業の重要なアセットである。

特にデザインという属人的な領域において、デザインを「システム」として管理することは、どんなデザイナーでも一定の成果を挙げやすくなるため、デザインの質の向上に寄与するだろう。

この記事を読んで、デザインシステムを認知する人が増えたら幸いである。

最近SNSなどでデザインシステムに対する注目度が増していると感じる。

昨年、日本のデジタル庁がデザインシステムを公開し、ニューヨークとパリに拠点を置くデザインエージェンシーのAREA 17によってOpenAIのデザインシステムが公開された。

デザインを専門職としていない方でも、「デザインシステム」という単語を見かけたり、さまざまな企業のデザインシステムを見る機会が増えたと感じているかもしれない。

本記事では、デザインシステムが生まれた経緯や存在理由をはじめ、デザインシステムの基礎をご紹介したい。

デザインシステムとは何か？

デザインシステムとは、デザインに関わる複数の要素（色やフォントなどさまざまなもの）をひとつに管理したものである。

デザインシステムの存在意義は主に次の2点と考えられる。

一つは、デザインチームの生産性向上のため、もう一つは、デザインの品質向上のためである。

デザインシステムを導入することで、一貫性のあるデザインをチームでも実現することができ、ブランドイメージの統一やユーザー体験の向上などの効果が期待できる。

デジタルプロダクト上で高品質なUIや体験を提供するためのコンポーネント(CTAボタンといった要素)の集まりもデザインシステムの一部である。

デザインの組織的なアセットとして、デザインシステムの他に「ヴィジュアルアイデンティティ（VI）」や「ブランドガイドライン」といったものがある。

これらの違いは、企業の上位概念の共通認識をとるために作られているか、より現場レベルでの運用方法を明示するために作られているかのレベルの違いである。

ヴィジュアルアイデンティティをはじめとした企業の方向性を示すアセットは、いわば上位概念に位置し、デザインシステムやブランドガイドラインはより現場に近い概念である。

名前にもついているシステム（System）には「制度」「方法」「順序」といった意味があるため、「現場の運用のための制度や方法」という概念は感覚的にわかりやすいのではないかと思う。

デザインシステムの基本の3要素

では、デザインシステムとはどんな内容で構成されているのだろうか。ここからは、デザインシステムを構成する3つの主な要素をご紹介する。

その前に、そもそもデザインシステムは、デザインシステムを作る対象となるプロダクトやサービスによって、含まれるべき要素が変わってくるものだ。デザイナーやマネージャーはシステム化する対象によって、デザインシステムの内容をアレンジする必要があることをここでお伝えしておきたい。

その上で、ここでは、最も基本かついずれのデザインシステムにも含まれるべき要素としてご紹介する。

1.デザイン原則

これは、企業がプロダクトを作る上で重視するデザインの考えや思想を可視化させたものだ。

デザインシステムは、基本的に複数人で運用される上に、時にはプロダクトの成長に合わせてコンポーネントリスト（詳細は後ほどご紹介する）を更新することが出てくる。

そんな時に、デザイン原則として、重視しているデザインの考えが明文化されていると、状況に変化が起きても、デザインの根本を見失わず、共通認識を持つことができる。

参考：Spotifyのデザイン原則に関する記事

2.スタイルガイド

スタイルガイドは、カラーパレットやフォントをはじめ主にビジュアルデザインに関する要素を集めたものになる。

ブランドイメージをビジュアルとして可視化するための規則であり、デザイナーはスタイルガイドに沿って色やフォントを選ぶことで、どんなデザインでも同じブランドから出ている統一感を出すことができる。

3.コンポーネントリスト

スタイルガイドを基に作成された「繰り返し使えるデザイン要素」を集めたものである。

例えばWebやアプリ上のボタンを初めとしたテキストボックス、ナビゲーションバー、タグなどである。

目的に対し、その達成のための要素という1:1のコンポーネントを作っていくことで、デザイナーが複数人いる現場でも一貫性のあるユーザービリティと体験を提供でき、開発側もUIの管理がしやすくなる。

デザインシステムを作る場合にはこの1から3にかけて要素を組み立てていくのが一般的な流れとなる。

デザインシステムの運用方法

デザインシステムは作って終わりではなく、運用していくことが重要である。デザインシステムの運用において一般的に重要とされていることを紹介する。

1.ドキュメンテーションの整備

デザインシステムに関するドキュメンテーションを整備して、関係者の誰からも見やすようにする。

デザインシステムは、デザインシステムの制作者以外が使うことがほとんどだ。時にはデザイナーではない人も使うものだ。

そのためデザイナー以外にも分かりやすく、すぐに内容を確認できる状態が望ましい。

例えばSmart HRではデザインシステムをWebページ上に公開している。他にもよくあるのはFigmaで制作しておき、それを公開しておく方法だろう。

2.コミュニケーションの確立

デザインシステムの利用に関する情報共有や問題解決のためのSlackなど、コミュニケーションチャネルを確立すると関係者同士の連携が円滑になる。

デザインシステムは運用していく中で必ず課題は出てくるものだ。それをいち早く報告し改善できる仕組みとして、コミュニケーション方法の確立は重要である。

3.バージョン管理の実施

デザインシステムは日々改善されていく。そのためバージョン管理を実施することで、新しい要素や変更が加わった場合に、関係者がそれを追跡でき、問題が発生した場合にも簡単に元々のバージョンまで戻ることができる。

4.ユーザーフィードバックの取得

デザインシステムの利用者からのフィードバックを積極的に回収し、その情報をもとに改善することも重要である。

多くの企業が自社のデザインシステムを公開している理由の1つだ。イギリス政府のように国営のサイトの体験に関するフィードバックを民間から発信できるコミュニティを持ち、その中で上がった意見を元に改善が進められるケースもある（参照）。

まとめ

本記事ではデザインシステムの基礎となる存在理由や要素、運用方法をご紹介した。

デザインシステムは企業におけるデザインチームの生産性向上、デザイン運用ための品質担保という目的があるが、それを運用するのはデザイナーだけに限らない。

エンジニアやプロジェクトマネージャーも、このデザインシステムを参考にしながらプロダクトを作っていく。そのため、デザインシステム自体は企業の重要なアセットである。

特にデザインという属人的な領域において、デザインを「システム」として管理することは、どんなデザイナーでも一定の成果を挙げやすくなるため、デザインの質の向上に寄与するだろう。

この記事を読んで、デザインシステムを認知する人が増えたら幸いである。

この記事で伝えたいことは、すぐに行動するのではなくコーヒーを淹れて、自由に優雅に考える「余白」を作ってほしいということだ。

それは結果的に認知疲労を回復させて、多様な視点で考えることを可能にし、創造的なアイディアを生み出す可能性を高めてくれるだろう。

私は大学院で創造的なアイデアを生み出す方法論の研究をしている。というのも、自分自身が成長するにつれて斬新なアイディアを出しにくくなってきていたからだ。

子供の頃は斬新なアイディアが出せていたのに、なぜ今難しくなってしまったのか。

それを様々な論文を参考にしながら考え続けた結果、私は「余白の重要性」に気づいた。ここでの余白は、いわば「自由に優雅に考える時間」である。

余白の重要性に関しては、これまでも著名なクリエイターたちが暗に主張している。

例えば、手塚治虫がその一人だ。

彼の名言の一つに「合理化はゆとりや遊びの空間を消して、むしろ人を遠ざけることになります。」というものがある。これは、「ゆとりや余白を持つ重要性」を暗示的に示している。

実際に、行動の自由度を上げることはアイディア創発の可能性が高まると言われている。

Kuo and Yeh[1]の論文では、規定された経路を歩くよりも、無拘束または自由歩行中にAUT(思考の流暢さと柔軟性のスコア)が向上することが確認されている。

つまり、行動を制限することは思考の柔軟性を妨げてしまうのだ。

このように余白を持つ重要性が謳われる一方で、​​肝心なその理由を解説した記事はあまり見られない。そのため、本記事では、創造的なアイディアに自由時間(余白)が必要なわけを筆者なりに紐解いてみたい。

1. 余白は視点の切り替えを可能にするため

創造的なアイディアには「まなざしを革新してくれる」何かを備える必要がある。

つまり、視点の切り替えが重要であるが、ここに苦労している人は多い。その理由の一つは、一人で制限なく自由に考えられる時間が少ないことが原因だ。

例えば、新規コンセプトを考えるワークショップに参加していたとしよう。ファシリテーターがワークショップを組み立て、プログラムに従って、個人のアイデア発想の時間が割り当てられるだろう。

そこで考えるアイディアは基本的にプログラムのフレームに従っていて制約が多い。結果的に、自由な解釈を阻み、想定外の視点を獲得することが難しくなってしまう。

そんな時に、自由に物事を考える余白をつくることが重要になってくる。

余白をつくることで、拡散的に様々な角度で自由に物事を考えることができる。それが、想定外の視点を引き出し創造的なアイデアを生み出すことを可能にするのだ。

2. 余白はモチベーションを高めるため

創造的なアイデアを生み出すために必要なのは、高いモチベーションだ。モチベーションは、類推的思考を強め、オリジナリティの高いアイデアを生み出す手助けをしてくれる。

逆に、モチベーションが低いと創造性の低いアイデアに落ち着いてしまい、プロジェクトの失敗を招いてしまう危険性が高くなる。

実際、モチベーションが下がり革新性の低いアイデアに落ち着いてしまうケースは多々ある。

例えば、筆者が最近見たコンセプト開発の現場では、最初は楽しくコンセプト開発していたにもかかわらず、時間的な制約により次第に焦り、いつの間にか楽しさを忘れてモチベーションが下がった結果、ありきたりな着眼点に落ち着いてしまっていたのだ。

このように、モチベーションの管理は、創造的なアイデアを生み出すために必要不可欠だが、それを維持・向上させるためには、余白が重要な役割を担う。

余白を取り入れることで、個人は遊び心のある自発的な方法で深く没頭することができる。その結果、フロー状態（想像力や思考力が高い状態）に入りやすくなり、創造的なアイディアが生まれやすくなるのだ。

さらに、自由にアイディアを深掘りすることで、当事者意識が高まりモチベーションの維持にもつながることも見込める。

3. 余白は思考の柔軟性を高めるため

創造的なアイディアには視野を広げる、思考の柔軟性が必要である。

一般的に、即行動は正義だと考えられているが、創造性を高めるためには少し時間を置くことが重要になってくる。

例えば、Adam Grant[2]の研究によると、作業前に自由時間(余白)を設けた社員の方が、上司からの創造性の評価が高かったことを示している。

この理由は、拡散的思考にある。つまり、作業前に時間を設けたことによって、一つの事象に囚われることなく、様々な角度から方向性を検討したことにより創造性の高い活動ができたのだ。

このように、余白を取ることは、思考の柔軟性を高めて創造的なアイデアを生む手助けをしてくれると考える。

まとめ

闇雲に進めるのではなく、スケジュールにゆとりを持ち、自由な時間を設けることの重要性をいくつかの事例を交えて説明した。

今後も研究者かつ実践者として創造性を高める知識をシェアしていきたいと考えている。ぜひご期待いただきたい。

参考文献
[1] Kuo, C.-Y., & Yeh, Y.-Y. (2016).
Sensorimotor-conceptual integration in free walking enhances divergent thinking for young and older adults. Frontiers in Psychology, 7, 1580.
(https://www.frontiersin.org/articles/10.3389/fpsyg.2016.01580/full）

[2] Jihae Shin & Adam M. Grant
When Putting Work Off Pays Off: The Curvilinear Relationship Between Procrastination and Creativity
(https://faculty.wharton.upenn.edu/wp-content/uploads/2020/04/ShinGrant_AMJforthcoming.pdf)

Written by Ryusei Anzai (btrax Japan, UI/UX Design Intern)