カテゴリー: ブランディング

生成AIの台頭によって、私たちがデジタルデバイスを通して見る視覚情報、ブランド体験は急速に変化している。生成AIによって、ブランディングにおいて変化することに以下の３つ特徴が挙げられるだろう。

1. ユーザーのマインドセットの変化。パーソナライズされたコンテンツ、体験への期待が急上昇する
2. 文脈の分断（Decontexulization)。コンテンツ生成の速度にユーザーが付いて来れず、メディア、プラットフォーム側では一部の切り取られた情報が溢れ、真実、現実世界との乖離が加速する
3. 情報の透明化。情報検索、ノウハウの習得など、自分の探している情報をより早く多角的な視点から集めることができる

このような変革の時代において、ブランドが成長する、または、生き残るための鍵は何か。それは、真の価値を伝えるストーリーをブランド側で構築し、混沌としたデジタル環境で混乱する消費者を導くこと、そして、啓蒙することである。

消費者の期待は絶えず進化し、企業はその変化に迅速に対応するだけでは、時代に追いつくだけのブランドとなる危険性がある。ブランドが今後、持続的に成長し続けるには、ブランドのコアをそのままに、既存のブランド施策の延長線上ではなく、コンテンツ制作の方法論やフォーマットなどの表層的なものに囚われず、大胆かつイノベーティブな施策に挑戦し続ける必要がある。

この記事では、btraxが手がけたプロジェクトから、ブランド戦略のヒントとなるような事例をいくつか紹介したい。

ヤンマー：日本最高の知的財産(IP)「アニメ」を用いて、伝統的なブランドイメージを刷新

ヤンマーホールディングス株式会社（以下、ヤンマーという）とbtrax がタッグを組んで、企画・制作を行なった商業アニメ「MIRU」は、自然と人類の共存を模索するテーマを掲げ、ヤンマーのデザイナーが原案を手がけたロボットが登場する。タイトル「未ル」は、未来への挑戦と進化を意味し、自然と人間が調和する豊かな世界を目指す主人公たちの冒険を描くものである。

ヤンマーの脱炭素社会や持続可能な社会構築に向けた理念の一環として始動したこのプロジェクトは、企業イメージの革新だけでなく、持続可能な社会への理解を深める目的も持ち合わせている。

btraxのクリエイティブな視点は、アニメを通じてヤンマーのメッセージを視覚的に表現することに貢献しており、自然との調和を追求する物語に、斬新なデザインとストーリーテリングを提供することでプロジェクトの成功に大きく貢献しているのである。

アニメという日本が世界に誇る文化的財産と知的財産を通じて持続可能な社会への取り組みを表現し、伝統的な企業イメージを再構築することに成功している。

ヤンマーとの協業に関する事例のフルストーリーはこちら

Kapok Knot：サステイナブルファッションの先駆け。倫理と環境を重んじたブランドイメージへ

サステナビリティへの注目度は、環境問題への課題認識が高まるにつれ、今後、長期的に高まる一方であることが容易に予想される。目先の課題を克服するためのブランディングではなく、こうした長期的な課題解決に向けたブランドの価値観や姿勢を、ブランディング戦略に反映することが重要となる。

トレンドは目まぐるしく変化するが、私たちが直面する長期的な課題は無くなることはない。

btraxの制作したUS市場向けのKapok Knotのウェブサイトでは、一時的なトレンドを追うのではなく、実際にUS市場深い洞察に基づき、持続可能性をコアバリューとするブランドイメージを打ち出している。

短期的な解決策ではなく、環境問題への長期的な課題認識を踏まえたブランディングが重要であるとの認識のもと、植物由来でCO2排出量を抑えたクルエルティフリーの「Kapok Down」がその理念を具現化している。

サステナビリティへの注目がいっそう高まる未来において、btraxはKapok Knotの持続可能な価値観を反映したブランド戦略によって、長期的な視点での環境への貢献と、消費者の信頼獲得を目指している。

Kapok Knot との協業に関する事例のフルストーリーはこちら

まとめ 

生成AIの台頭はブランド体験を急速に変革させ、マーケットに新たな要求を生み出している。ユーザーの期待はパーソナライズされたコンテンツと体験に急速にシフトし、その結果、文脈の断片化と情報の透明化の2つの大きな動きが見られる。

btraxがヤンマーと協力して制作したアニメ「未ル」や、Kapok Knotのウェブサイトは、これらの変化に対応しつつも、長期的な価値観を反映したブランドストーリーの重要性を示す好事例である。

一過性のトレンドではなく、サステナビリティといった深遠なテーマを軸に据えることで、混沌とするデジタル時代においても、消費者を導き続け、啓蒙するブランドとなるためには、コンテンツ制作や戦略のイノベーションが求められている。

短期的な流行に流されることなく、根本的な価値を伝え、これらを踏まえた上で大胆な試みを重ねることが、ブランドの持続的な成長と生き残りに不可欠なのである。

生成AIが切り開くブランディング戦略の新境地

強さ健在の米国市場

人口３億2,000万人（世界第3位）、0歳から64歳の人口が82.6%を占め（2022年）（日本は2023年6月現在、70.9%）、名目GDPランキングトップのアメリカ。既に多数の日系企業が進出しており、今後も事業拡大を狙っている（JETRO 2023年1月）。

米国での成功は世界での成功につながることは紛れもない事実であり、Btraxが日系企業の米国進出を支援してきたこと、これからも重点的に支援していきたい理由はここにある。
一方、虎視眈々と事業拡大を狙う世界の一流企業が米国市場にひしめきあっているのも事実。

日本でウケた商品やサービスでそのまま勝てるわけではないし、日本で「大企業」、「歴史ある企業」、であっても、米国市場での最初の位置づけはベンチャー企業のものと変わらないことを覚悟する必要がある。

なぜ「まずは日本国内で成功してから海外へ」がダメなのか

米国に進出する日系企業が抱える悩み

さて、米国に進出したい企業や、既に進出している企業が抱える悩みとはどんなものであろうか。

ジェトロが2022年9月に実施したアンケート調査「2022年度海外進出日系企業実態調査（北米編）」では、経営上の課題は下記のようになっている。

新規顧客開拓につき、半数の企業が経営上の課題としているが、それに加え、従業員の賃金上昇・確保・質・定着に多くの企業が悩んでいることがわかる。

つまり、作る、運ぶ、といったサプライチェーン関連の悩みもありつつも、

1. 「誰に」、「どうやったら」売れるのかわからない
2. 現地に「良い人材」を集められない

というのが米国に進出する日系企業の抱える悩みの大きな要素であり、また、自身でのコントロールが非常に難しい部分であると言えるだろう。

そこで今回は、これらの悩みを解決するためのアプローチを探りたい。

よくある悩み① 「誰に」、「どうやったら」売れるのかわからない

米国進出をサポートする会社はこう伝えるだろう。
「まずは市場を入念に調べることが重要です。」
「それを自社でやるのは無理です。我々におまかせください。」

こう勧めるところもあるだろう。
「何ごとも数字で把握することが最重要です。」
「様々な切り口でデータを分析しましょう。」

既に多数の企業がこれらに取り組んでいるだろう中、なお、悩みとしてあがるのはなぜか。

米国市場の複雑性とダイバーシティ

日本市場と比べ、米国市場が複雑であることは、難しさの1要因としてあげられよう。
米国内では都市が違えば住む人の層や雰囲気、趣味趣向も異なる。
東海岸と西海岸を互いにおもしろおかしくディスるのは定番化しており、東海岸の消費者は非常にまじめ、ステイタスに固執し、より教育に熱心で、眼科関連の宣伝広告の反応が良い、また、白と黒が基調のシンプルなデザインが好まれる、等なのに対し、西海岸の消費者は、ステイタスや古い世界のシステムへの関心が薄く、健康やフィットネスに熱心で、ピラティスやゴルフ、ダンスなどの広告の受けが良い、というような調査結果もある。

しかし、東と西とで分ければよいというレベルで済むほど事はそう単純ではない。人種・宗教は多種多様、米国で話されている言語は350と言われる。身近な例をとりあげれば、食品の味の好みは人種や宗教によって全く異なるというのは何となく想像がつくだろう。所得や世代の差はもちろんのこと、同じ人種でも移民何代目なのかで置かれる環境が違ってきたりする。

これが、米国でマーケティング理論が確立され、マーケティングが重要視され続ける所以でもある。セグメント別に全く異なるニーズがある、という側面がある一方、異なる人種・消費者が集まっているからこそ、誰にでもわかる強いブランドが求められるという面もある。

【2022年最新】ユーザーの心を掴むアメリカ発MarTechスタートアップ5選

米国ならではの常識や業界構造

生活習慣、好み・趣向が日本とは異なるのも、日本人が米国市場を理解しにくい原因である。Freshtraxでは過去にも様々な切り口で、米国と日本の違いがわかるような記事 を発信しているが、例えば、ウェブサイトについては、日本では文字が多いのに対し、米国では写真・イメージ中心でないと見てくれない、という特徴がある。

日米の声を聞くUXリサーチャーが気がついた、UXリサーチにおける日米の違い

また、例えば、住居事情に目を向ければ、アメリカ人には日本人の想像をはるかに超えた、理想の家へのこだわりがあり、ホームセンターは日本とはレベル違いに充実し、この市場は日本と比較し格段に大きい。

消費者への販売方法や卸を含めた業界構造も米国ならではのものがあり、これをしっかりと理解する必要がある。

例えば、米国では店内に丁寧な説明をしてくれる店員がいることは殆どなく、パッケージ自体に顧客とのコミュニケーションを担ってもらわなければならない。パッケージのデザインの良さや品質の高さが市場の戦いに直結する。

また、自前の営業マンでは米国の国土の広さをカバーするのは無理なので、歴史的に、セールスレップと言われる個人事業主をテリトリーごとに契約する、ということが主流（ここのところ直仕入れも多くなっているものの）であり、いかに優秀なセールスレップを見つけるかが事業拡大の肝となるケースもある。

他方、小売店に取り扱ってもらう大前提として、商品の良さよりも何よりも、決済や調達のインフラが十分に整っているかがバイヤーの意思決定の第一優先事項、ということも少なくない。

小売店に置いてもらうことの難易度の高さから、ECを活用しよう、となった場合、米国市場の特性を踏まえつつ、アマゾンや自社ウェブサイトをどう使い分けるか、インターネット広告やSNSをどう活用するか、というのが求められる。

営業チャネルを作ろうにも時間がかかって埒が明かないとなると、M&Aという案が出てくるが、これはこれでまた別なハードルが存在する。

移りゆく市場環境

そして米国に限らずではあるが、市場環境は、世代交代 、世相の変化、新しい技術の登場、と常に移り変わるので、戦略をアップデートしていかなければならない。

日本とアメリカのZ世代 その共通点と相違点とは？

例えば、少し古い分析（2019年）ではあるが、日本と同様、米国の消費者は圧倒的に時間が足りなくなっている。また、近年、アフリカ系やアジア系、ネイティブアメリカンの人口が増え、その市場が拡大している。また、市場トレンドとして、ストイックすぎるエコやオーガニックへの反動が来ている、という声も聞かれる。

市場開拓の肝

米国で「新規顧客の開拓」という経営課題を克服するには、これらの要素を理解したうえでアクションをとっていく必要がある。

その前提としては、①米国に住むアメリカ人のリアルな肌感覚をとらえる ②調査の結果を自身・自社の肌感覚として定着させる の2つが重要だ。

アメリカ人の生活は紙の上での調査結果やネットリサーチ、数字だけではわからない。ビートラックスでは実際にサンプルとなる家庭を訪問し、その商品やサービスを使うシーンのみならず、1日の生活や家族全体を調査することがある。すると、想定していなかった使い方やニーズが見えてきたり、深く知ることのできるチャンスが生まれたりする。

また、調査やプランニングを外部パートナーと共に実施し、成功裡に終わったとしよう。それでも、自社の人材がその内容を肌感覚として真に身につけなければ、一時の自己満足で終わってしまう。結果につなげるには、日本の担当者や駐在員が市場調査や分析の結果を自らの血肉とする必要がある。さらに、米国現地に優秀な人材を採用し、それらのメンバーが市場を理解し、ニーズにあわせた製品を開発し、販売戦略を更新していく、ということがポイントとなる。つまり、次項、2.の人材の話につながっていく。

よくある悩み②現地に「良い人材」を集められない

前述のJETROの調査結果では、多くの米国進出日系企業が経営課題として人材関連の悩みを挙げている。

• 従業員の賃金上昇（67.5%）
• 従業員（一般社員）の確保（51.4%）、従業員（技術者）の確保（39.4%）
• 従業員の質（42.7%）
• 従業員の定着率（40.2%）

そもそも応募者が少ない上、他社との競争が激しく、実務経験やスキルが十分な人材を獲得できないため、報酬を増やす、採用広告を増やす、などのコストをかけて対応をとっている。

しかし、せっかく採用しても、下記のようなカルチャーギャップもあり、早期に辞めてしまうケースが後を絶たない。

• 日本では、報告・連絡・相談を重視するが、米国の従業員はそれを知らない・慣れていない
• 日本では、「暗黙の了解」や、「空気を読む」、「おもてなしの精神」が前提としてあるが、米国の従業員にそれは通用しない
• 日系企業では、あまり褒めず、悪いところばかり指摘するようなカルチャーがある

このような状況に対しては、どのような施策が有効であろうか？

米国企業も人材定着化については悩みを抱えており、FORBESでは、下記の15の施策を挙げている。

1. 給与水準を競争力あるレベルへ引き上げる
2. 在宅勤務可とする
3. フレキシブルな勤務スケジュールや時短を許可する
4. ワークライフバランスを推奨・促進する
5. 普段の貢献に対する感謝の意の表明や表彰
6. 会社への帰属意識を高めるためのカルチャーづくり
7. 従業員が会社を好きだと思えるような活動
8. チームワークの強化
9. 従業員が燃え尽きてしまうのを防ぐ活動
10. 福利厚生制度の充実
11. 特典の付与
12. 成長機会・環境の提供
13. カルチャーに合う人材の採用
14. 社員が定着するような組織管理
15. 辞めたいと従業員が言いだすタイミングや要素の把握

優秀な人材を採用し、引き留めるには、上記のような施策を一つ一つ積み重ね、総合的に解決していかなければならないのだが、ここで、特に注目したいのが、

6. 会社への帰属意識を高めるためのカルチャーづくり
7. 従業員が会社を好きだと思えるような活動

である。

これらは、日系企業が特に気づかなかったり、後手にまわったり、苦手に思う部分である。

ビートラックスは、シリコンバレーのカンパニーカルチャーの中で歴史を重ねてきたこともあり、ここを得意としているので、他記事も参照いただきたい。

【絆を深めるチームビルディング】btraxはなぜハワイでリトリートを行ったのか

さて、これらの人材定着化施策はもちろん重要であるし、やって行かなければならないのだが、限界もある。

スーパー営業マンが売上を劇的に改善してくれたとしよう。優秀な現地人材が商品をうまくカスタマイズし、一時的に事業が盛り上がったとしよう。しかしそれらの人材が競合他社に移籍してしまったらその隆盛はその時限りで終わってしまうかもしれない。

それを持続可能なものとするためには？

2つの悩みを根本的に解決するのはブランド力

ここまで米国に進出する日系企業の2つの悩みを見てきたが、根本的な解決に不可欠となるのが、当Freshtraxでも何度も取り上げている「ブランド力」である。これはBtoC企業に限った話では無く、BtoB企業にも言える。

米国は国土の広さから、営業ネットワークを構築するには非常に時間がかかり、また、だからこそECも発展している。このような中で、小売店やECで継続的に売れるようにするためには、企業や商品、パッケージ、ウェブサイト、SNS、イベント、全ての営業活動・販売活動トータルでのブランド力が求められる。

米国で成功している日系企業は、ブランド認知度の強化に力を入れており、SNSをフル活用してミレニアル世代へのリーチを成功させている例や、ディーラー販売体制も巻き込んだブランドの確立ができている例などが見られる。

また、営業力というのは米国のビジネスにおいてはブランド力やマーケティング投資があってからこそ成立する。よって、優秀な営業人材は、ブランド力やマーケティング力が優れた会社に集まる。

営業に限らず、優秀な人材を確保し、定着させるためには、会社のブランドが不可欠である。具体的には、会社のバリューやカルチャーを質・量ともに高いレベルで発信し続けること、マーケティングチームと密に連携し様々なアクティビティに落とし込むこと、採用の際に企業のストーリーをきちんと伝えること、等により、ブランド力を高めていく必要がある。

Google、Salesforce、Adobe、Microsoftなどは人材戦略のための企業ブランドを作り上げているお手本である。

ブランド力の強化や米国でのマーケティングの具体的手法については、別の記事で取り上げる。

ビートラックスでは、日系企業の米国でのブランド構築やマーケティングを企画・支援しており、今後もここをサポートすることで、米国、ひいてはグローバルでの事業拡大に寄与していきたい。

【イベント総括編】アメリカ進出成功のために問うべき15の質問に一問一答

アメリカの大手ケチャップブランドのハインツ。そのクラシックなボトルの形が印象的で、世界中のファーストフード店に置かれている。

ただ、オリジナルの瓶ボトルはその使い勝手の悪さから、UIとしては素晴らしいけど、UXが最悪との評判で、最近は上下逆さにしたプラスチック製のボトルが主流になってきている。

ボトルの中身を詐称するケースが多発

そんなケチャップの代名詞とも言えるハインツだが、一つ大きな課題を抱えている。レストランやファーストフード店にてそのボトルに中身をより安価な他社メーカーのケチャップを入れ替えている疑いだ。

これを彼らは Ketchup Fraud (ケチャップ詐称) と呼ぶ。

最近ではそれを逆手に取ったキャンペーンを展開し、話題を集めいている。

これは “’Even when it isn’t Heinz, it has to be Heinz’ ” (ハインツじゃなくても、ハインツじゃなきゃダメなんだ) と呼ばれる広告キャンペーンで、レストランの厨房でこっそりボトルの中身を入れ替える写真や動画を見せ、より “本物感” を演出。

デザインの力を活用してケチャップ詐称を防ぐキャンペーンを展開

そんなケチャップ詐称に対応するべく、ハインツ社は世界共通の色見本帳を提供するPANTONE社とパートナーシップを組み、公式のケチャップ色 = Heinz Redを制定した。

そしてその色をケチャップボトルのラベルに印刷することで、内容物との相違を目視で可能にし、本物を識別できるようにした。

トルコのレストラン500店舗以上で展開

この “Is that Heinz” と呼ばれるキャンペーンは、大手広告代理店のWunderman Thompsonによってトルコ国内のレストラン500店舗以上で展開された。

ハインツのボトルに入っているケチャップとラベルの色との違いで、Heinz, Not Heinz, Still not heinz, Is that even ketchup? と表記されたクリエイティブと、動画を作成。

ハインツの本物感を演出する結果に

このキャンペーンは、合計10万回以上シェアされ、同ブランドの知名度をアップさせただけでなく、ハインツ以外は偽物 = ハインツだけが本物であるイメージ構築に貢献した。

デザインがユーザーの課題の解決と、ブランド構築の両方を上手に達成した好例と言える。

「Is that Heinz」のキャンペーン動画

第1-4章の解説に続き、今回もbtraxの書籍『デザインの思考法図鑑』の各章の内容をご紹介していく。

第5章のテーマは『デザインをテストする・見直す』。

デザイン思考のプロセスの中でも特に忍耐が必要な「検証」フェーズについて、そしてその検証フェーズで指標となるUI/UX評価のチェックリストなど、ビジネスパーソンのみならず、デザイナーの皆さまにも読んでいただきたい内容が盛りだくさんだ。

また、後半では認知バイアスもいくつかご紹介するため、コラムとして読んでいただけたら幸いだ。

第5章の内容はこんな方におすすめ：

• デザイン思考の中でも「検証」のフェーズを見直したい方
• UI/UXデザインの客観的な評価指標、チェックリストを知りたい方
• 認知バイアスに関して詳しく知りたい方
• 新規事業開発に携わっており、長く使われるサービスを作るためのヒントが欲しい方

第5章　デザインをテストする・見直す　目次

1. デザイン思考：テスト
2. UXピラミッド：UXデザインの評価指標①
3. UXハニカム：UXデザインの評価指標②
4. UI/UX評価の10項目：ユーザビリティヒューリスティック評価
5. アイディア検証11項目
6. ユーザーフローの設計
7. ユーザーエンゲージメント
8. デザイン的直感とデータの使い分け
9. 情動ヒューリスティックとサンクコストの誤謬：認知バイアス①
10. 集団浅慮、ダニング=クルーガー効果：認知バイアス②
11. UXデザインの「けもの道」

デザイン思考：テスト

デザイン思考における最後のプロセス、ユーザーテスト。この章では、ユーザーテストのプロセスや、テストシナリオの作成方法、ユーザーテストの効果的な結果の評価方法を解説します。

参考記事：

ユーザーテストの秘訣とは？ – デザイン思考を学ぶ Part 6

UXピラミッド：UXデザインの評価指標①

UXデザインの良し悪しはどのように判断するのでしょうか？この章では、客観的、主観的、両方の側面からUXデザインを検証するための評価指標、UXピラミッドをご紹介します。

参考記事：

UXピラミッド – UXデザインの正しい評価方法 –

UXハニカム：UXデザインの評価指標②

UXピラミッドと同様に、UXデザインを評価する指標としてあるUXハニカム。UXデザインのクオリティチェックができる6つの項目です。この章ではUXハニカムの見方や、項目が達成できているかをチェックするための質問方法をご紹介します。

参考記事：

UXハニカム – UXデザインの正しい品質評価方法 –

UI/UX評価の10項目：ユーザビリティヒューリスティック評価

UI/UXデザインを設計する際にも、分析をする際にも、どんな評価軸で見たら良いのかという項目は必須。

今回は90年代初頭に、Webのユーザビリティ研究者の第一人者であるJakob Nielsenと、dialogdesignというユーザビリティコンサル会社の創設者のRolf Molichによって作られたUI/UX評価の10の項目をご紹介する。

参考記事：

UX向上につながるUIデザイン評価の10項目

アイディア検証11項目

新規サービスやプロダクトを準備していると、ついつい視野が狭くなり、客観的に振り返る機会を失いがち。この項では、アイディアの良し悪しを検証するための11の項目をご紹介。新規事業開発に携わっている方は必見だ。

参考記事：

新規サービス検証の際に確認するべき15項目

ユーザーフローの設計

“ユーザーフロー”という言葉を聞いたことはあるだろうか？

ユーザーフローとは、UXデザインのプロセスの一つで、プロダクトやサービスを使用する上でたどる必要のあるプロセスを可視化したもの。

設計段階はもちろん、ユーザーエンゲージメント向上のための見直しのためにサービスローンチ後の運用方法や注意点を解説する。

参考記事：

ユーザーフローから学ぶミスコミニュケーションの発生原因と対処方法

ユーザーエンゲージメント
サービスやプロダクトに対してのユーザーの愛着や関係の深度を表すのが「ユーザーエンゲージメント」。

ユーザーエンゲージメントを高めるには、基本的なユーザービリティが実現されていることが必須であることはもちろん、その他にも気をつけるべき項目がある。今回はテクニカルな面以外にも、ユーザーエンゲージメントを高めるために留意すべきポイントを解説。

参考記事：

ユーザーエンゲージメントを向上させる7つの要素

デザイン的直感とデータの使い分け

ユーザーの動きを数値的に分析し、ボトルネックを洗い出すことは、サービスの改善において大変有効だ。

しかし、今までの観察やインプットに基づくデザイン的な「直感」も、決して無碍にしてはならない。今回は定量的なデータを信じる場合とデザイン的直感を信じる場合のそれぞれのメリットとデメリットをまとめた。

参考記事：

ブランド価値の効果測定方法 〜2つのデータ活用法〜

認知バイアス①、②：情動ヒューリスティック、サンクコストの誤謬、集団浅慮、ダニング=クルーガー効果

日常に潜む認知バイアス、5章のうち2項では4つの認知バイアスについて詳しく解説。いずれもビジネスマン、デザイナーの方々が陥りやすいものをピックアップ。認知バイアスに気がつくために自らに問いかける方法も併せてご紹介する。

参考記事：

デザイナー必見！知っておきたい10の認知バイアス

UXデザインの「けもの道」

サービスやプロダクトを設計した際に、ユーザーに対して元々設計されていた「導線」とは異なるルートをユーザーが選択した結果、いつの間にかそのルートの方を他のユーザーも利用するようになるケースは多々ある。

そのほうがユーザーニーズに合致していたりするため、UXデザインにおいて、見逃せない兆候だ。今回はそんな、UXデザインの「けもの道」（”desire path”）に関して解説する。

参考記事：

UXデザインにおける「けもの道」現象とは

まとめ

今回はbtraxの書籍『デザインの思考法図鑑』より第5章の内容のポイントをかいつまんでご紹介した。全体像が読みたいと思っていただけた方はぜひAmazonの予約ページからひと足先に予約いただけると幸いだ。

書籍は12月より、全国の書店でも販売を開始した。多くの人に書店で手に取っていただけたら嬉しく思う。次回は6章の内容をピックアップして解説する。お楽しみに。

「デザインとは何か？」

これはデザイナーにとっても、それ以外の人々にとっても永遠の問い。

人によって「デザイン」の概念が異なり、それが理由でミス・コミュニケーションがやちょっとした争いすら発生する原因にもなっているからだ。

同じく現代の「デザイナー」と呼ばれる人たちの役割も多種多様で、一言で表現するのはかなり難しい。

そして「デザイン」の担う領域がどんどん広がっている現代において「デザインとは？」という問いは、例えば「言葉とは何か？」といった問いに近いレベルだ。

英語のdesign, Design, DESIGN その違いを知っていますか？

結局デザインとは何なのか？

さて、本題に戻ろう。

デザインとは何であるか？これを言い換えると「デザインの役割とは？」である。

人生をデザインに捧げてきた人間として自分なりにその答えをここに表記する。間違っているかもしれないが…。

大きく分けてデザインの役割は4つある。

デザインの役割:

1. 可視化
2. 課題解決
3. 導き
4. シンプル化

【デザインの役割1: 可視化】

デザインは思考の可視化である
– ソール・バス

おそらく「デザイン」と聞いて最も多くの人たちが想像するのがこの役割。

絵を描いたり色を塗ったり、いわゆる「装飾」的な役割としてのデザイン。

現代では時代遅れと思われがちな役割であるが、これもデザインの最も重要な定義のひとつ。

ここで重要になってくるのは、ではデザインは一体 “何” を可視化するのか？

いくつかあるので紹介しよう。

デザインが可視化するもの – 情報

みなさんの日常に最も馴染みのあるデザインが可視化するもの。それは情報である。

世の中はさまざまな情報で溢れているが、それをより人間が直感的にわかりやすく表示するのがデザインの役割の一つ。

例えばこの画像のように、左の表から右のグラフに変換するだけでもかなり理解しやすくなる。結果として、より直感的に理解できるようになり、コミュニケーションに必要とされる時間の短縮にもつながっていく。

デザインが可視化するもの – アイディア

次にデザインが可視化するのはアイディア。

ビジネスのプレゼンやスタートアップのピッチをする際に利用するスライドやデモ動画などがその例だろう。

一人の頭の中にだけあるアイディアを言葉以上にわかりやすい形で可視化することで、その価値が伝わりやすくなる。

そして価値が認められることで、周りの人々を巻き込んだり、予算を獲得したり、投資を受けやすくなったりするメリットがある。

デザインが可視化するもの – ブランド

デザイナーの役割の一つとして、ロゴやアイデンティティのデザインがある。これは、その企業やサービスなどのビジョンの可視化に他ならない。

世の中に対し、その存在価値をより視覚的にわかりやすく表現することにより、一目で認識しやすくするのがロゴの役割だ。

したがって「ロゴデザイン = ビジョンの可視化」である。

デザインが可視化するもの – 体験

デザインの役割のひとつが「目に見えないものの可視化」だとするならば「体験」も可視化するとより伝わるようになる。

そもそも体験の可視化なんて可能なの？と思うかもれしれないが、実は既にかなりさまざまなシーンでされている。

その代表的な例が広告。

テレビやウェブ、そして街角のビルボードまで、多くの広告は商品の紹介以上に、そこから得られる体験の可視化を通じたコミュニケーションこそが最も需要な役割である。

デザインをする際に利用するタイポグラフィ、色や形、レイアウト、スペースといった表層は、単なるビジュアルの要素でなく、人間の感情や心理的な影響を持ち、体験そのものの印象を形作る重要な要素なのである。

優れたデザインを通じることで、ビジュアルの要素が整合性を持って設計され、ユーザーの感情や認知に働きかけることで、より効果的なコミュニケーションが可能になる。

【デザインの役割2: 課題解決】

デザインは問題解決のプロセスであり、美しい解の追求である。
– ドン・ノーマン

次のデザインの役割、それは課題の解決。

自分も以前より「デザインの定義って何ですか？」って聞かれた際には、ほぼ毎回「課題を解決するための最も効率的なプロセス」と答えていた。

特に21世紀に入ってから注目されているデザインのフィールド、例えばデザイン思考やUXデザインにおいては、その目的がユーザーの課題解決に定められることが多い。

そして、現代の世の中にある多くのプロダクトは、消費者やユーザーの課題を解決するために生み出されたものである。

では実際にデザインが課題を解決した例をいくつか紹介する。必ずしも デザイン “だけ” で解決したわけではないが、デザインが課題解決という重要な役割の一端を担っていることをお伝えしたい。

デザインが課題解決した例: トースター

レトロなタイプのトースター。その見た目も、焼けた時にポンッとパンが飛び出す感じもとても可愛い。

実はこのデザイン、とある課題を解決している。

それは、焼き過ぎを防ぐことと焼けたことを知らせること。

焼けた時にパンが飛び出してくれないといつ焼けたのかが分からないし、そのまま放置すると焦げてしまう。

それに対して飛び出すデザインにしたことで、その二つの課題をしっかりと解決している。

デザインが課題解決した例: カスタネット

もうひとつ課題を色によってその課題を解決したプロダクトがある。

きっとみなさんの多くが触れたことがあるであろうカスタネット。

多くの場合、赤と青の2色で構成されている。実はその理由は、男子でも女子でも使えるようにするため。

もともとこれがデザインされた当時は、男の子向けには青、女の子向けには赤、というように性別で色が定められていた。

しかし、クラスによって男女比率が異なるケースがあることで、どちらかの数が足りない状態が頻発していた。そこで、両方の色を合わせて一つにすることで、誰でも使えるようにデザインにしたというもの。

デザインが課題解決した例: スタッキングできる椅子

複数の椅子を重ねて収納できるデザインも、省スペースによって課題解決をした例。

日本の小学校でも授業が終わった後に椅子を重ねて教室の後ろに置くことで掃除をしたりする。

当たり前のように思われがちだが、重ねられる椅子もしっかりとデザインとして工夫が施されているからこその機能である。

【デザインの役割3: 導き】

“デザイン” は見た目のことではなく“どう機能するか” だ
– スティーブ・ジョブズ

以前にSNS上で “デザインの敗北” というキーワードがバズったことがある。

施したデザインがユーザーに対して有用な結果を生み出していなかったことから、「役割を果たしていない = 敗北した状態」と言われていた。

その例のひとつがこの公衆トイレのサイネージ。

性別を想起させる典型的なデザインをあえて排除した造形を採用している。おそらく性差別的な表現を避けるためのインクルーシブなデザインを目指したのだろう。

でも、これだと男性用と女性用の識別が難しく、かえってユーザーが混乱してしまう。

それに対応すべく、下の部分に手書きで「男性」「女性」が記載されたテープが後付けて貼らレルという誠に残念な応急処理がなされている。

これは初期のデザインがユーザーを正しく導いてあげられなかった結果によるもの。

では正しく導くことができている例も紹介する。わかりやすいように同じ公衆トイレのサインで。

それがこちら。

はい。とてもわかりやすい。

アイコンのデザインも色も配置もかなりクリアで、左が女性、右が男性。そして、中央に多目的トイレがあることが一目で伝わる。

必ずしも “おしゃれ” なデザインでなくてもユーザーを正しく導くことができれば、デザイン本来の役割を果たすことになる。

ユーザーを導くシャンプー・コンディショナーのボトルデザイン

メリットのシャンプーとコンディショナーのボトルはこの「デザインによる導き」を上手に活用している。

シャワーを浴びてる際は目を開けにくく、シャンプーとコンディショナーのボトルを識別しづらい。

そこで、シャンプーボトルの上部と横の部分に凹凸を施すことにより、手触りだけでそれがシャンプーなのかコンディショナーなのかを識別できるデザインが生まれた。

これにより、ユーザーをそれぞれのボトルに上手に導いている。

これはデザインが単なる見た目の美しさだけでなく、製品の使いやすさや機能性にも密接に関連している。

シンプルで直感的なインターフェースは、ユーザーを迷わせることなく正しい方向に導く役割を果たすのがわかる。

直感的な操作性で導いてくれるサインアップフォーム

デザインによる「導き」はデジタルの世界でも多く見られる。

このサインアップフォームを例に、デザインがユーザーをどのように導いているかを見てみよう。

まずはページの上部にアカウントが作成されるまでの4ステップがわかりやすく明記されている、これで、ユーザーに安心感を与える。

項目に入力するとマークが表示され、正しい内容だったよと教えてくれる。

逆に何も入力していない項目は赤いアウトライン表示がされ、これも直感的に「入力しないとダメだよ」との導きがされる。

そして、必要事項を入力しないと “Next” ボタンがグレーのままで押せない状態にあり「入力するまで次に進めないよ」と直感的に理解できる。

このフォームは、間違って入力してからエラーが出るタイプよりもよっぽどユーザーに直感的な導きを与える素晴らしいデザインと言える。

導くことがデザインの役割

このように、デザインは「見た目」だけでなく、もっと広い意味での機能や人間の体験、感情に対する影響も含む非常に重要な要素である。

それもあり、ここ数年、デザイン思考やデザイン経営、そしてUXやUIのデザインの重要性が強調され、デザインが単なるビジュアルの美しさだけでなく、ユーザーの体験を最適化するための手法であるという認識が広がってきている。

【デザインの役割4: シンプル化】

デザインは、複雑なものをシンプルにすることだ。
– ジョン・マエダ

デザインの役割の最後は「シンプルにすること」。

おそらくこれには少し謎な印象を受けるかもしれない。というのも、シンプルにすること自体に価値があることが意外と知られていないからだ。特に最近までは。

まずこの画像を見ていただきたい。

これはとある家庭のテレビリモコンであるが、その大部分がテープによって隠されている。

その理由は「混乱するから」。

このリモコンを利用しているのは高齢者で、複雑なボタン操作が日常生活におけるハードルになっている。

そこで、自分たちでリモコンを「シンプル」にしたというわけだ。

この例を見ても、シンプルにすることで得られるメリットがわかる。

それが理由か、最近のリモコンはかなりシンプルになってきている。

しかし何かをシンプルにするのはかなり難易度が高い。

少しでもデザインを勉強したことのある人であれば “Less-is-More (少ない方がより多くを得られる)” という表現を聞いたことがあるのではないだろうか？

また、レオナルド・ダ・ヴィンチはその昔、”シンプルである事は究極の洗練だ” と語った。

それぐらいデザイナー的感覚で考えると、シンプルにしていくことが究極のゴールの一つになる。

一般的にも最近でこそ「断捨離」や「ミニマリズム」という概念の認知度が上がり、その価値が注目されているが、少し前までは何事も多い方がお得な感じがしていた。

しかし、実はシンプルにすることで得られるメリットはかなり多い。

シンプルにすることのメリット

• 迷いにくくなる
• 壊れにくくなる
• 時間の短縮
• ストレスの軽減
• コストの削減

などなど。

例えばスターバックスのロゴ。リニューアルするたびにシンプルになってきていることがこうして並べてみるとよくわかるだろう。

最新のものは、以前の複雑な2色刷りのロゴと比べると、よりシンプルなラインと色も緑一色しか利用されていない。

世界中に存在する複数の店舗の看板と膨大な数のカップへのロゴの印刷コストを考えてみると、ロゴのデザインをシンプルにするだけでかなりのコスト削減にも繋がっている。

また、シンプルなデザインにすると「壊れにくい」というメリットも生まれる。

構成する要素が少なければ、壊れる可能性のある要素も減ってくる。

単純な理論であるが、ここでもシンプルさが威力を発揮する。UIはエレメントが少ない方がバグが出にくいし、文章は短い方がスペルミスが起きにくい。

ハードウェアであれば、必要とするパーツが少なければ少ないほどに壊れにくくなるし、該当するパーツがなければそもそも壊れようがないし、ネジがなければゆるむ心配も、外れる心配もない。

このシンプル化のメリットは、Appleのクレジットカードでも存分に採用されている。

現時点でまだ日本ではリリースされていないApple社によるこのクレジットカードは、さまざまな部分を極限までシンプルにデザインすることで体験価値を最大限に高めている。

Appleクレジットカードによるシンプルの追求

• カードの申請: Walletアプリ内から → 手間が減る
• 利用開始までの待ち時間: Walletアプリ内からすぐに利用 → 待ち時間なし
• カード番号: Walletアプリ内 → カード上の表記なし
• 有効期限: Walletアプリ内 → カード上の表記なし
• セキュリティーコード: Walletアプリ内 → カード上の表記なし
• アクティベーション: パッケージとiPhone → 本人以外には不可能
• 規約書類 : Walletアプリ内 → 分厚い書類なし
• 利用時のプロセス: 利用時にiPhoneに通知・場合によっては承認 → サインなし
• 利用明細: Walletアプリ内 → 常時確認・月末まで待つ必要なし
• 番号の変更: Walletアプリから → カードの再発行の必要なし
• 年会費: 無料 → カードを申請しない理由がない！

このように、シンプルにすること自体がデザインの役割のひとつになっている。

言い換えるとシンプルである状態というのは、完璧に近いデザインがされているということだ。

なぜデザインはシンプルな方が良いのか – 5つの理由と6つの鉄則

【良いデザインはより人々から愛される商品・ブランドを生み出す】

高級スポーツカーブランド、フェラーリの創始者であるエンツォ・フェラーリは、優れたデザインには二つのメリットがあると語っている。

1. 長く愛される
2. より多く売れる

そう、同じプロダクトでもデザイン性が高ければより多くの人に愛される可能性が高まる。そして結果的により多く売れる。

これはビジネス的なメリットもかなり高いことが想像できるだろう。

そのデザイン性の高さで多くの人々を魅了し、愛され、企業の運命さえも救ったプロダクトがある。Apple iMacだ。

今でこそMacのアイコン的な存在であるが、初代が発売された頃はAppleは倒産寸前だった。

それを救ったのがそのデザイン性の高さである。

そしてこのiMadのデザイン性の高さは現代のモデルにまでしっかりと引き継がれている。

まとめ: 「デザインとは？」の答え

ということで、かなり長編になってしまったが、デザインとは？という究極の問いに対して、自分としての答えは

1. 可視化
2. 課題解決
3. 導き
4. シンプル化

を行う役割である。

そしてそれが上手にできると、より人々に愛され、売れる商品やサービスにも繋がる。だからこそ、デザインは尊く大切な存在なのだ。

この内容を話したポッドキャスト

アメリカは10月の下旬に入ると街がハロウィーン一色になってくる。それに合わせ各ブランドもハロウィーンにちなんだキャンペーンを行う。

その特性上、少し怖くて少し可愛らしいビジュアルを活用したものが多く、毎年見てて楽しくなる。ということで、今回は10の署名ブランドがこれまでに行ったハロウィーンにちなんだ広告キャンペーンを紹介する。

今回紹介するブランドは:

• マクドナルド
• ハイネケン
• ギネス
• コーラ vs ペプシ
• メルセデス vs BMW
• Oreo
• Ikea
• Jeep

マクドナルド

ハロウィーンキャンペーンと聞いて真っ先に思いつくのがマクドナルド。

毎年ちょっとした遊び心があり、シンプルながらも印象に残るビジュアルを作成している。

ハイネケン

マクドナルドと同じレベルで毎年ハロウィーンキャンペーンに力を入れているのがビールブランドのハイネケン。

かなりリアルな写真とグラフィックを活用してホラー演出をしている広告が面白い。

ギネス

こちらもビールブランドのギネス。

黒ビールの代名詞である同ブランドは、ビールの”泡”を使った表現をしている。

コーラ vs ペプシ

何かとライバル関係になりがちなコーラとペプシだが、ハロウィーンキャンペーンでもちょっとしたライバル合戦が勃発した。

まずペプシが左の写真の広告を掲載。キャッチコピーは “We wish you a scary Halloween!”.

それに対して今度はコーラの方が同じ写真を使って “Everybody wants to be a hero!” と表記した広告で応対した。

この “プロレス” 状態のキャンペーンは大きな注目を集め、お互いにとってポジティブな結果となった。

メルセデス vs BMW

もう一つのライバルブランドがメルセデスとBMW. 様々な場所で対戦が見られるこの二つだが、以前にハロウィーンにも一悶着あった。

まずBMWが同社USAのSNSアカウントに左のようなベンツがBMWの被り物を被った写真と “Now every car can dress up as its favorite superhiro (みんな憧れのヒーローのコスプレができます) のコメントをポスト。

それに対して今度はベンツの方が似たような写真に “Behind the cover, there is only one here. (カバーの下には本物のヒーローがいます) と表記した広告で対抗した。

見ている側からするとかなり楽しいバトルになった。

Oreo

クッキーブランドのOreoも毎年ハロウィーンの時期にクリエイティブなキャンペーンを行っている。

キャッチコピーが “Milk’s favorite cookie” なだけに、下記のようにミルクとクッキーだけで満月や牙などのハロウィーンにちなんだクリエイティブ表現をしている。

IKEA

これはIKEAが2020年に行ったシルエットキャンペーン。商品の家具を工夫して少しおばけっぽいシルエットを演出。

通常のカタログに近いレイアウトながらも上手にハロウィーン感を出している。

Jeep

自動車ブランドのJeepは、その特徴的なフロントグリルを活用し、かわいいイラストベースのハロウィーン広告を作成。

いつもはオフロード感満載のブランドイメージだが、ハロウィーンの時だけは親しみやすいイメージを打ち出した。

まとめ

今回は8社のハロウィーンキャンペーンをご紹介した。

ブランドイメージを保ちながらも遊び心のあるクリエイティブを使用したキャンペーンや、あえてライバル社と同じクリエイティブを使用してキャッチコピーで応戦する形で話題を集めるキャンペーンなど、思わずクスッとするものも多かったのではないだろうか。

2023年のハロウィンキャンペーンにも注目したい。

btraxは各社のブランド価値の定義と言語化から、ブランドストーリーとブランド体験の設計、ブランド認知拡大のためのクリエイティブ企画・実行をサポートしている。

弊社のサービス内容にご興味をお持ちの方は、ぜひお気軽にお問合せを。

最近Webサイトやスマホアプリを利用していてふと気づいたことがある。

「あれ、さっき見てたのどれだっけ？」と思うくらい無意識のうちにどれだったかがわからない状態。そう、アイコンがどれも似ている。その感覚自体は以前にもあったのだが、今回は趣が少し違う。

以前は「アイコン全てカラフル問題」だったのが、今回は「アイコンどんどん黒くなっていく問題 = ブラック化現象」が発生している。

そう、最近は白と黒のアイコンがあまりにも多くないか？そんな気がして少し考察してみることにした。

【トレンド分析】最近のアイコンのデザインが似通ってきている問題

X → Twitterへのドラスティックなリブランドの衝撃

まずその傾向の代表が、爽やかな水色からシックなモノトーンになった Twitter、いや、Xだろう。

厳密に言うとTwitterからXへのリブランディング… なのかな？

それまでのブランドイメージとは全く異なる超ブラック化を進めた例だ。

Twitter→X 事例から考えるリブランディングのポイント

テクノロジー企業ロゴの “ブラック化” が進んでいる

この “黒” を基調にしたロゴやアイコンを採用しているのはXだけではない。実はここ数年で多くのテクノロジー企業やスタートアップがそのロゴをモノトーンにアップデートしているのだ。

なんで皆同じことするの？と思った矢先、我々btraxも2020年末にロゴを黒を基調にしたものにアップデートしていたことに気づく。我ながらびっくりした。偶然というにはタイミングが良すぎる。

Threadsお前もか！

ブラック化しているのは既存サービスだけではない。新規サービスでも最初からブラックアイコンを採用しているケースも増えてきている。

2020年の記事「【トレンド分析】最近のアイコンのデザインが似通ってきている問題」では、多くのアイコンがどんどんカラフルになり、見分けがつかなくなってきているトレンドを紹介した。

その際に、元々は青一色だったFacebookメッセンジャーのアイコンもそのトレンドに乗っかり、しれっとパープルのグラデーションになった事から「メッセンジャーお前もか！」とツッコミを入れた。

と思ったら、今回はカラフル代表のインスタでも有名なそのMeta社が新規リリースした「Threads」がしっかりこのブラック化トレンドに合わせたアイコンを採用してきた。パクリ芸で有名なザッカーバーグらしい “あっぱれな” デザインである。

ブラック化したファビコンをブラウザータブで並べると分かりにくい

カラフルなアイコンからブラック化するこの劇的な変化は当初自分を含む多くのユーザーを困惑させた。ただ、現在では少しずつでも慣れてきた。単体のアイコンとしては。

しかし、今度は異なる問題が出てきた。他のアプリやサービスと並べた場合の見分けがつきにくいのだ。

例えばUberやTikTok, そしてNewsPicksと混乱してしまう。特にちゃんと考えてない時には。そして、多くのユーザーは利用時にちゃんと考えてない。だから問題だ。

スマホ上にアイコンを並べると本当にカオス

これがスマホ上のアイコンの場合、よりややこしくなる。

冒頭でも触れた通り、以前まではアプリアイコンがカラフルすぎて識別しにくい問題が発生していた。簡単に言うと、脳が疲れるのである。

と思っていたら、最近は逆の問題が発生している。モノトーンのアイコンが多すぎて、これはこれで識別しにくい。

こんな感じでアイコンを並べたら最後、毎回ものすごく迷ってしまう。

ロゴがどんどん黒くなる5つの理由

ではなぜこの時期にこんなにも多くの企業、サービス、ブランドが “ブラック化” を進めているのだろうか？ごく個人的な視点でその理由を5つほど考えてみた。

1. デジタルとリアルの融合を表現するため

10年くらい前まではアプリ系サービスの多くがデジタルの世界だけにとどまっていた。しかし、最近人気のあるサービスは現実世界の日常生活と直結しているものが多い。

デジタルサービスだったらカラフルでキラキラも良いが、これが日常生活にもつながっている = より地に足のついたモノトーンになったのではないか、という仮説。

2. 可視性を優先したため

文字や画像の可視性 = 見やすさを最優先する場合、コントラストが強いに越したことはない。そしてこの世で最もコントラストが強い色は白と黒である。

可視性を高めることで、アクセシビリティーやインクルーシブといった、昨今のユーザー課題の解決につながると考えたのかもしれない。

3. ファッショナブルだから

皆さんもご存知の通り、多くのアパレルブランドのロゴはかなりシンプルなモノトーンである。特に高級ブランドになればなるほど “色” をあまり使わないロゴが多い。

もしかしたらスタートアップやテクノロジー企業も熟成が進み、そろそろ高級感やファッショナブルな雰囲気のブランドになろうとしているのかもしれない。

4. 周りがカラフルすぎるから

多くのアプリやロゴがカラフルになっている中で、“あえて” モノトーンを採用することでより差別化を図っているのかもしれない。例えばTikTokが出てきた頃は、黒っぽいアイコンが少なかったのでかなり目立っていた。

以前のようなグラデーション祭りの時代であればかなり効果的だったかもしれない。しかし、最近は逆にモノトーンが増えてきたことで、逆に”没個性”な感じもしてしまう。

5. 不景気 & しんどい時代の象徴であるため

世の中の景気が悪くなると、道を歩く人々の着ている服も地味になっていくと聞いたことがある。

ここ数年はスタートアップにとってまさに “冬” の時期。資金調達がかなり厳しかったり、時代の変化でサービスのビボットを余儀なくされている。

また、2020年当初から3年ほどのパンデミックによる厳しい時期を経験し、多くの企業がそれまでのイケイケムードから一変して、シリアスモードに入った。それに合わせシックな色合いのロゴを採用したのかもしれない。

ちなみにロゴがカラーからモノトーンになることでインクの節約に繋がり、印刷物等の制作コストが抑えられるというメリットもある。

なぜデザインはシンプルな方が良いのか – 5つの理由と6つの鉄則

カラフルアイコンがユーザーに与える精神的負荷

このブラック化現象には実は一つメリットがある。スマホ中毒を抑える効果だ。

アプリのアイコンをカラフルにすることで、よりユーザーが利用する頻度を高める効果があるとの見解がある。これは、ブラウザー会社のMozillaによる研究で、1週間スマホの画面を白黒に設定してみるというユーザー実験からの結果だ。

この実験の結果、アイコンをより目立たないようにしたことで、アプリの利用頻度の低下、オンラインショッピングの購入金額の低下など、ユーザーによる「スマホ中毒」を少しでも緩和ができたという。

これは逆に言うと、カラフルな画面では、アクティブ時間が増えてしまう可能性があるということだ。

サンフランシスコに住む起業家の友人も、無駄に時間が取られるのを防ぐためにスマホの画面を白黒にするというこの方法をとっている。

どうやらカラフルなアイコンはアプリの識別を難しくするだけではなく、ユーザーに対しての精神的負荷も生み出しているようだ。

参考: デジタルウェルビーイングを実現する ”使わせない” デザインとは?

まとめ: 白黒はっきりしよう

このような感じでロゴの “黒化” の理由を仮説をもとに考察してみた。

おそらく今後はあまりにも多くのロゴがモノトーンになったことで、逆にカラフルなロゴが復活するのかもしれない。

どちらにせよ時代の変化の分岐点にいるのは間違いないと思われる。モノトーンの次にくるデザイントレンドは何だろうか？

筆者: Brandon K. Hill / CEO, btrax, Inc.

2023年7月1日から4日間、アメリカのロサンゼルスにてAnime Expo 2023 が開催された。このイベントは日本国外における世界最大のアニメの祭典であり、世界の日本のコンテンツファンにとっては “聖地巡礼” で訪れるべき、とも言える場所だ。

Anime Expo 2023概要

Anime Expo、通称AXは毎年ロサンゼルスで開催されているアニメの祭典で、Wikipediaによると今年2023年の累計来場者数は約38万名となっている。(Age Rant調べ)

1992年にシリコンバレー地域のサンノゼで開催された初回、その当時の来場者は1750名であり、かなりニッチなイベントであった。

その後米国におけるアニメ人気が高まり、1994年よりカリフォルニア南部に開催場所を移したのだ。

会場には展示ブースの他に、各種パネルディスカッション、コスプレコンテスト、ミニコンサート、同人アーティストによる作品展示コーナーなどなど、コンテンツはかなり盛りだくさんだ。

拡大する世界におけるアニメ市場

実際に参加してみるとわかるのだが、海外でのアニメ人気は年々加熱しており、会場はものすごい熱気に包まれている。その中でも、日本のアニメの輸出先としても、アメリカは大きな割合を占めている。

下のデータからも分かるように、実際アメリカのアニメ市場は急速に拡大中であり、2030年には500億ドル以上の収益が見込めるという。

アニメは日本に残された数少ないグローバル資産

このように、アニメ人気は世界で拡大している。そして、AXは、ほぼほぼ “純日本製” のコンテンツだけで世界を熱狂させられるイベント。そんなイベントは他にはほぼ無いだろう。

もしこれが日本車だけの展示会や、日本の家電だけで埋め尽くされた家電見本市だったとしたら、10万人以上のオーディエンスが集まることは想像しにくい。

それを考えても、アニメは日本が保有する数少ないグローバル市場に通用する固有資産だと考えられる。

日本のアニメがアメリカで爆発的な人気を集める理由と事例3選

アニメを活用したグローバルブランド構築

ということはこの資産を企業のブランディングに活用しない手はない。と思った。

もちろんアニメ風のCMなどを活用してる企業はいくつもある。しかし、その多くが国内向けだけに放送されたり、単なるプロモーション動画に終始してしまっている。

でも我々は本気で世界で多くのファンが存在しているアニメというコンテンツに真摯に向き合い、あくまでそれ単体で楽しめる商業作品を作る。それも日本の優れたアーティストやクリエイターとコラボすることで世界に打って出るのを目標に。

その第1弾として、クライアントのヤンマーホールディングス株式会社（以下、ヤンマー社）と共にAX会場のロビースペースに巨大な展示を行った。

それも日本のお家芸である「ロボット」の展示

今回展示したブースには今まであまり目にしたことのない造形の「ロボット」が中央に設置されている。これはヤンマー社のデザイン部とのコラボで作成されたアニメキャラクターの一つ。それをいち早くエキスポの入り口ど真ん中に展示した。

ロボットをキャラクターの一つとして採用したきっかけは、とあるサンフランシスコのデザイン会社で参加した “The History of Robots” と呼ばれるセッション。

そこでロボットの歴史が説明されていたのだが、多くのロボット産業に関わるデザイナーやエンジニアが鉄腕アトムや鉄人28号、ドラえもんやガンダム、エバンゲリオンに至るまで、日本で生まれたロボットのキャラクターにインスパイアされていたためだ。

それに、実社会におけるロボット製品も日本が世界を牽引している事実もある。

これはアニメに加えてロボットも日本が世界に誇れるアセットであるという証明だと感じた。

今回は、どうしても筋肉質で男性的な造形になりがちなロボットのフォルムに、あえて繊細なラインを採用することで、より中性的な存在を目指した。

目指すはアート×デザイン×マーケティングのクロスオーバー

ところで、そもそもなぜデザイン会社がアニメ制作や、AXの展示に関わっているの？という疑問が出てくる。

そう、これまでの常識であれば “アニメ” はかなりユニークな業界で、商業的なデザインをしている会社は専門外な感じがする。

しかし、今回我々がチャレンジしているのは、アニメの中だけの世界観ではなく、それをブランディングやマーケティングといった “実生活” にもリンクすることで、さまざまな領域へのクロスオーバーを実現することである。

アニメという、場合によってはクローズドな世界にとどまってしまいがちなコンテンツを、より日常生活にも直結した内容につなげる。そうすることで、今までに無いようなステージを作り出せるのではないか？と考えている。

最初からグローバルに

そしてここがかなり重要なポイント。日本のアニメコンテンツの多くは主に国内の人々に向けて作られている。というのも、その内容がかなりハイコンテキストであるため、その繊細さや情緒が海外のオーディエンスには理解してもらいにくい。と思われている。

その一方で、今回のAXに代表されるように、最近では海外でも複数の大規模アニメイベントが開催され、世界中のアニメファン達が集まっている。そして、その多くが日本の人たちと同じくらいか、場合によってはそれ以上にアニメに対して豊富な知識を持っている。

実際、今回の展示の時にも複数の人たちから、かなり “濃い” 質問を受けた。

そのくらい、現代では世界中にアニメに対して強烈に愛情を注いでいる人たちがたくさんいるということだ。

パネルディスカッションにも参加

今回のAXでは、ロビーブースでの展示だけではなく、メディア関係者や業界の方々向けのVIPパーティー、そして作品の裏側をディスカッションするパネルセッションも開催された。

そこでの我々の狙いとしては、ビジュアルデザインや造形の展示だけでなく、その裏にあるストーリーや哲学、そしてヤンマー社のビジョンを伝える事だった。

もちろん世界のアニメファンの心をしっかりと掴むため、セッション中に今回のキービジュアルのアートワークを担当したYKBX氏によるライブドローイングも披露する事にした。

しかし会場が… 大きすぎる。オーディエンスは集まるのか？

今回は世の中に対して『未ル』のリアルお披露目。そしてセッションの日程が3日目 (月曜日) の朝イチの時間帯ということで、パネルセッションにはあまり多くの人たちが集まることは期待しにくかった。

しかし、前日にリハーサルを兼ねて会場に行ってみると、かなりの大きさ。そしてそこに整然と並べられた椅子の数。300席を優に越していた。まるで株主総会を行うような会場の雰囲気である。

それを見た瞬間「あ、これは厳しいかも」と直感的に感じた。

全く新しいコンテンツのアメリカでの初めてのお披露目。全てが初めてのチャレンジでこのキャパシティーを埋めるのは至難の技である。

以前にアマチュアバンドでライブをした事が何回かあったが、初ライブに来るのは友人を含めて10人程度がせいぜいだろうという感覚だった。

これは無理かな？と思った瞬間の奇跡

そしてパネルセッション当日。

朝イチの時間帯ということもあり、開始30分前の時点で会場の近くには誰もいない。もちろん、パネルセッションの会場内には関係者しかいない。

機材チェックを済ませ「こんな感じで人が来るのかなー？」と思っていた矢先、スタッフの人スタッフの1人から「どうやら100人ぐらいの列ができているらしい」との情報が。

安心して胸を撫で下ろした直後「あれ、ガセネタだったらしいよ」ともう1人のスタッフが言う。

そして、開場の時間になっても誰も入ってこない。そして数分するとやっとポツリポツリと入ってきた。数人だけ。その数名が着席したのが、パネルセッション開始時間5分ぐらい前。会場は異様な静けさに包まれていた。

開始3分ぐらい前になってもそれ以上誰も入ってこない。正直「ダメだこりゃ」と思った。

その瞬間、奥の扉が開き、たくさんの人々が怒涛のように入ってきた。それも100人どころではない。全くお客さんの入りが止まらず、開始時間になってもどんどんどんどんと会場に人が入ってくる。

結局、ほぼ満席の状態でパネルセッションがスタートした。

確かに感じた “マイノリティー” 同士の結束感

そして驚いたのはパネルセッションに集まってくれたオーディエンスの数だけではない。その熱気とアニメに対する情熱、そして今回の作品『未ル』に対しての大きな興味だ。

パネルセッションが進むにつれて、内容に対して大きな拍手と歓声が湧き上がり、その盛り上がりはどんどんエスカレート。

最終的には会場が一体になるロックコンサートのような盛り上がりを感じた。これには本当に感動した。

おそらく彼らはアニメ好きという、アメリカを代表する海外におけるある種の “マイノリティー” であるからこその結束力があるのではないかと思う。

そして、オーディエンスの強い興味は予定より20分以上も延長して進められた質疑の時間にも現れている。

参加者達はこれから我々が作ろうとしている作品、そしてコンテンツに対しての強い興味とヒット作品を制作する難易度の高さ、そして何より日本企業が世界に向けて発信するメッセージに対してのサポートを示してくれた。

時間切れになりパネルセッションが終了した後も、複数の参加者たちがSNSを通じて熱いメッセージを送ってくれた。

我々の新たな挑戦の門出にふさわしいセッションになったことがとても嬉しかったし、オーディエンスの存在が今後も大きな励みになるだろうと感じた。

グローバルに戦うなら日本の武器を最大活用しよう

このように、AX 2023における我々の挑戦は大成功のうちに幕を閉じた。というよりも、まだ始まったばかりであり、これからが本当の勝負になってくる。

なぜ日本のメーカーがアニメを作るの？という質問が多く寄せられているが、その理由は “Why not?” 。そう、日本が最も世界に誇れるアセットであるアニメを活用しない方が不自然だ。

アメリカの企業はハリウッド映画とのタイアップを頻繁に行なっているし、ヨーロッパの企業はF1をはじめとするレースイベントとのコラボが盛んだ。それらは自分たちの地域が世界的に誇れる “武器” を理解し、活用している。

その一方で、日本企業の多くがグローバル市場におけるブランド地位の獲得に苦戦している。素晴らしいプロダクトと卓越したサービスは提供できる。しかし “ブランド” という概念ではまだまだ存在感が薄い。

これからはアートだってデザインだって音楽だって映像だって、どんどんブランディングに取り入れ、よりダイナミックな体験を消費者に届ける。そんなことができる企業こそがグローバル規模で愛されるブランドになっていくと我々は信じている。

Anime Expo 2023で披露された「未ル」のコンセプトビデオ

ブランドガイドラインは、企業やそのブランドのイメージに一貫性を持たせるために非常に重要なものだ。

日系企業では「ブランディング」に大きな予算をとることが難しいこともあり、疎かになりがちな部分でもある。

しっかりとブランディングを行うには、それなりのコストや時間がかかる上に、効果測定もしづらいからだ。売り上げが伸びたからと言って、それがブランディングのおかげなのかは正直わかりづらい。

それゆえ、大きな予算がブランディングに取られづらい傾向にあるのだ。

しかし世界的に見ると、有名なブランドはしっかりとブランディングを行っている。そのブランディングに欠かせないのが、「ブランドガイドライン」だ。

この記事では、そんなブランディングに必要不可欠なブランドガイドラインの定義や、存在意義、そしてその効果について紹介する。

ブランドガイドラインとは｜なぜ必要なのか

ブランドガイドラインとは、そのブランドに関係する何かをデザインするときには必ず必要になってくるもので、そのブランドのイメージを一貫して保つためにある。

一貫したイメージを保つためには、素材の扱い方や言葉の選び方等にルールを定めておく必要がある。例えば、ロゴを使用する場合、ロゴの周りにどれくらいのスペースが必要かを定義したり、背景に来る色によって、ロゴが何色であるかを定義する。

このように、ブランドガイドラインがあることで、デザインワークの際に「何をやって良いか」「何をやってはいけないか」が明確になる。

それゆえ、企業が一貫した運用を行うことができ、結果としてブランドイメージを保つことができるのだ。

ブランドガイドラインに必要な要素

ブランドガイドラインに組み込まれる要素は、企業の規模感や、ブランドの重要度によっても多少異なってくる。

ここでは、ブランドガイドラインとして抑えておきたい要素を紹介する。

ブランドガイドラインをざっくり2つのパートに分けると、「ブランド・アイデンティティ」(BI) と「ビジュアルアイデンティティ」(VI) に分かれる。

まず、「ブランド・アイデンティティ」(BI) は、企業やそのブランドについてのストーリーを伝えるためにある。主に、企業のビジョンやミッション、ブランドのコンセプト説明がここに含まれる。

そして、「ビジュアル・アイデンティティ」(VI)は、「ビジュアル」という言葉が入っている通り、見た目のデザインにフォーカスしたガイドラインだ。主に、ロゴやフォント、色、トーン＆マナーについての説明がここに含まれる。

今さら聞けないデザインシステム入門

ブランドガイドラインの効果

ブランドガイドラインを作成することは、「ブランドの“らしさ”が可視化・共通言語化される」ことに繋がる。

ブランドガイドラインというひとつの資料として、ブランドを可視化・言語化させることで、共通の理解が深まり、社内のデザイン制作の効率化の面でも重要だ。

例えば、ロゴを白色にして使っていいのか？周りに余白はどれくらい必要か？など素材の取り扱い方についても、ブランドガイドラインを見ればすぐわかる、というのがブランドガイドラインの良さだ。

リモートワークも一般的になっている今の時代で、属人化を避けることにも繋がる。誰が作っても一定のクオリティを担保でき、まとまりのあるアウトプットになりやすいのがブランドガイドラインである。

また、ブランドガイドラインがあることで、社外の人から、そのブランド“らしさ”を理解されやすくなり、コミュニケーションもスムーズになる。

ブランドを可視化・言語化することは、顧客との信頼関係の構築に繋がる。一貫性のあるブランドイメージを作ることによって、認知度も上がりやすく、覚えてもらいやすくなるというメリットがある。

ブランドストーリーが日本企業にとって重要な理由

作成だけでなく運用も大事

ブランドガイドラインは一度作成したら終わりではなく、常に見直しが必要なものである。

ブランドをリニューアルするタイミングが来るかもしれないし、それ以外でも、会社やブランドとして、マイナーチェンジは常にあるものだ。そのため、アップデートをすることを念頭に置いた流動的なシステムとして作れると尚良い。

会社のビジョンやミッションから、どのようにブランドアイデンティティが設定され、それがどのようにビジュアルに落とし込まれるか、などの背景を把握することで、ブランドへの理解度が深まり、ブランドガイドラインがより社内に浸透しやすくなる。

それだけでなく、運用やアップデートの際もブランドの一貫性を保ちやすくなるだろう。

ブランドガイドラインをただのルールとして使うよりも、「なぜそのガイドラインが作られているのか」を意識しながら活用できると、よりブランドイメージに忠実で、一貫性のあるデザインが作れるはずだ。

継続的に運用できるブランドガイドラインを作ることが、社内外へのブランドの“らしさ”の伝達に効果を発揮するだろう。

Your brand is what other people say about you when you’re not in the room.

Jeff Bezos, Founder & CEO of Amazon

最近SNSなどでデザインシステムに対する注目度が増していると感じる。

昨年、日本のデジタル庁がデザインシステムを公開し、ニューヨークとパリに拠点を置くデザインエージェンシーのAREA 17によってOpenAIのデザインシステムが公開された。

デザインを専門職としていない方でも、「デザインシステム」という単語を見かけたり、さまざまな企業のデザインシステムを見る機会が増えたと感じているかもしれない。

本記事では、デザインシステムが生まれた経緯や存在理由をはじめ、デザインシステムの基礎をご紹介したい。

デザインシステムとは何か？

デザインシステムとは、デザインに関わる複数の要素（色やフォントなどさまざまなもの）をひとつに管理したものである。

デザインシステムの存在意義は主に次の2点と考えられる。

一つは、デザインチームの生産性向上のため、もう一つは、デザインの品質向上のためである。

デザインシステムを導入することで、一貫性のあるデザインをチームでも実現することができ、ブランドイメージの統一やユーザー体験の向上などの効果が期待できる。

デジタルプロダクト上で高品質なUIや体験を提供するためのコンポーネント(CTAボタンといった要素)の集まりもデザインシステムの一部である。

デザインの組織的なアセットとして、デザインシステムの他に「ヴィジュアルアイデンティティ（VI）」や「ブランドガイドライン」といったものがある。

これらの違いは、企業の上位概念の共通認識をとるために作られているか、より現場レベルでの運用方法を明示するために作られているかのレベルの違いである。

ヴィジュアルアイデンティティをはじめとした企業の方向性を示すアセットは、いわば上位概念に位置し、デザインシステムやブランドガイドラインはより現場に近い概念である。

名前にもついているシステム（System）には「制度」「方法」「順序」といった意味があるため、「現場の運用のための制度や方法」という概念は感覚的にわかりやすいのではないかと思う。

デザインシステムの基本の3要素

では、デザインシステムとはどんな内容で構成されているのだろうか。ここからは、デザインシステムを構成する3つの主な要素をご紹介する。

その前に、そもそもデザインシステムは、デザインシステムを作る対象となるプロダクトやサービスによって、含まれるべき要素が変わってくるものだ。デザイナーやマネージャーはシステム化する対象によって、デザインシステムの内容をアレンジする必要があることをここでお伝えしておきたい。

その上で、ここでは、最も基本かついずれのデザインシステムにも含まれるべき要素としてご紹介する。

1.デザイン原則

これは、企業がプロダクトを作る上で重視するデザインの考えや思想を可視化させたものだ。

デザインシステムは、基本的に複数人で運用される上に、時にはプロダクトの成長に合わせてコンポーネントリスト（詳細は後ほどご紹介する）を更新することが出てくる。

そんな時に、デザイン原則として、重視しているデザインの考えが明文化されていると、状況に変化が起きても、デザインの根本を見失わず、共通認識を持つことができる。

参考：Spotifyのデザイン原則に関する記事

2.スタイルガイド

スタイルガイドは、カラーパレットやフォントをはじめ主にビジュアルデザインに関する要素を集めたものになる。

ブランドイメージをビジュアルとして可視化するための規則であり、デザイナーはスタイルガイドに沿って色やフォントを選ぶことで、どんなデザインでも同じブランドから出ている統一感を出すことができる。

3.コンポーネントリスト

スタイルガイドを基に作成された「繰り返し使えるデザイン要素」を集めたものである。

例えばWebやアプリ上のボタンを初めとしたテキストボックス、ナビゲーションバー、タグなどである。

目的に対し、その達成のための要素という1:1のコンポーネントを作っていくことで、デザイナーが複数人いる現場でも一貫性のあるユーザービリティと体験を提供でき、開発側もUIの管理がしやすくなる。

デザインシステムを作る場合にはこの1から3にかけて要素を組み立てていくのが一般的な流れとなる。

デザインシステムの運用方法

デザインシステムは作って終わりではなく、運用していくことが重要である。デザインシステムの運用において一般的に重要とされていることを紹介する。

1.ドキュメンテーションの整備

デザインシステムに関するドキュメンテーションを整備して、関係者の誰からも見やすようにする。

デザインシステムは、デザインシステムの制作者以外が使うことがほとんどだ。時にはデザイナーではない人も使うものだ。

そのためデザイナー以外にも分かりやすく、すぐに内容を確認できる状態が望ましい。

例えばSmart HRではデザインシステムをWebページ上に公開している。他にもよくあるのはFigmaで制作しておき、それを公開しておく方法だろう。

2.コミュニケーションの確立

デザインシステムの利用に関する情報共有や問題解決のためのSlackなど、コミュニケーションチャネルを確立すると関係者同士の連携が円滑になる。

デザインシステムは運用していく中で必ず課題は出てくるものだ。それをいち早く報告し改善できる仕組みとして、コミュニケーション方法の確立は重要である。

3.バージョン管理の実施

デザインシステムは日々改善されていく。そのためバージョン管理を実施することで、新しい要素や変更が加わった場合に、関係者がそれを追跡でき、問題が発生した場合にも簡単に元々のバージョンまで戻ることができる。

4.ユーザーフィードバックの取得

デザインシステムの利用者からのフィードバックを積極的に回収し、その情報をもとに改善することも重要である。

多くの企業が自社のデザインシステムを公開している理由の1つだ。イギリス政府のように国営のサイトの体験に関するフィードバックを民間から発信できるコミュニティを持ち、その中で上がった意見を元に改善が進められるケースもある（参照）。

まとめ

本記事ではデザインシステムの基礎となる存在理由や要素、運用方法をご紹介した。

デザインシステムは企業におけるデザインチームの生産性向上、デザイン運用ための品質担保という目的があるが、それを運用するのはデザイナーだけに限らない。

エンジニアやプロジェクトマネージャーも、このデザインシステムを参考にしながらプロダクトを作っていく。そのため、デザインシステム自体は企業の重要なアセットである。

特にデザインという属人的な領域において、デザインを「システム」として管理することは、どんなデザイナーでも一定の成果を挙げやすくなるため、デザインの質の向上に寄与するだろう。

この記事を読んで、デザインシステムを認知する人が増えたら幸いである。

最近SNSなどでデザインシステムに対する注目度が増していると感じる。

昨年、日本のデジタル庁がデザインシステムを公開し、ニューヨークとパリに拠点を置くデザインエージェンシーのAREA 17によってOpenAIのデザインシステムが公開された。

デザインを専門職としていない方でも、「デザインシステム」という単語を見かけたり、さまざまな企業のデザインシステムを見る機会が増えたと感じているかもしれない。

本記事では、デザインシステムが生まれた経緯や存在理由をはじめ、デザインシステムの基礎をご紹介したい。

デザインシステムとは何か？

デザインシステムとは、デザインに関わる複数の要素（色やフォントなどさまざまなもの）をひとつに管理したものである。

デザインシステムの存在意義は主に次の2点と考えられる。

一つは、デザインチームの生産性向上のため、もう一つは、デザインの品質向上のためである。

デザインシステムを導入することで、一貫性のあるデザインをチームでも実現することができ、ブランドイメージの統一やユーザー体験の向上などの効果が期待できる。

デジタルプロダクト上で高品質なUIや体験を提供するためのコンポーネント(CTAボタンといった要素)の集まりもデザインシステムの一部である。

デザインの組織的なアセットとして、デザインシステムの他に「ヴィジュアルアイデンティティ（VI）」や「ブランドガイドライン」といったものがある。

これらの違いは、企業の上位概念の共通認識をとるために作られているか、より現場レベルでの運用方法を明示するために作られているかのレベルの違いである。

ヴィジュアルアイデンティティをはじめとした企業の方向性を示すアセットは、いわば上位概念に位置し、デザインシステムやブランドガイドラインはより現場に近い概念である。

名前にもついているシステム（System）には「制度」「方法」「順序」といった意味があるため、「現場の運用のための制度や方法」という概念は感覚的にわかりやすいのではないかと思う。

デザインシステムの基本の3要素

では、デザインシステムとはどんな内容で構成されているのだろうか。ここからは、デザインシステムを構成する3つの主な要素をご紹介する。

その前に、そもそもデザインシステムは、デザインシステムを作る対象となるプロダクトやサービスによって、含まれるべき要素が変わってくるものだ。デザイナーやマネージャーはシステム化する対象によって、デザインシステムの内容をアレンジする必要があることをここでお伝えしておきたい。

その上で、ここでは、最も基本かついずれのデザインシステムにも含まれるべき要素としてご紹介する。

1.デザイン原則

これは、企業がプロダクトを作る上で重視するデザインの考えや思想を可視化させたものだ。

デザインシステムは、基本的に複数人で運用される上に、時にはプロダクトの成長に合わせてコンポーネントリスト（詳細は後ほどご紹介する）を更新することが出てくる。

そんな時に、デザイン原則として、重視しているデザインの考えが明文化されていると、状況に変化が起きても、デザインの根本を見失わず、共通認識を持つことができる。

参考：Spotifyのデザイン原則に関する記事

2.スタイルガイド

スタイルガイドは、カラーパレットやフォントをはじめ主にビジュアルデザインに関する要素を集めたものになる。

ブランドイメージをビジュアルとして可視化するための規則であり、デザイナーはスタイルガイドに沿って色やフォントを選ぶことで、どんなデザインでも同じブランドから出ている統一感を出すことができる。

3.コンポーネントリスト

スタイルガイドを基に作成された「繰り返し使えるデザイン要素」を集めたものである。

例えばWebやアプリ上のボタンを初めとしたテキストボックス、ナビゲーションバー、タグなどである。

目的に対し、その達成のための要素という1:1のコンポーネントを作っていくことで、デザイナーが複数人いる現場でも一貫性のあるユーザービリティと体験を提供でき、開発側もUIの管理がしやすくなる。

デザインシステムを作る場合にはこの1から3にかけて要素を組み立てていくのが一般的な流れとなる。

デザインシステムの運用方法

デザインシステムは作って終わりではなく、運用していくことが重要である。デザインシステムの運用において一般的に重要とされていることを紹介する。

1.ドキュメンテーションの整備

デザインシステムに関するドキュメンテーションを整備して、関係者の誰からも見やすようにする。

デザインシステムは、デザインシステムの制作者以外が使うことがほとんどだ。時にはデザイナーではない人も使うものだ。

そのためデザイナー以外にも分かりやすく、すぐに内容を確認できる状態が望ましい。

例えばSmart HRではデザインシステムをWebページ上に公開している。他にもよくあるのはFigmaで制作しておき、それを公開しておく方法だろう。

2.コミュニケーションの確立

デザインシステムの利用に関する情報共有や問題解決のためのSlackなど、コミュニケーションチャネルを確立すると関係者同士の連携が円滑になる。

デザインシステムは運用していく中で必ず課題は出てくるものだ。それをいち早く報告し改善できる仕組みとして、コミュニケーション方法の確立は重要である。

3.バージョン管理の実施

デザインシステムは日々改善されていく。そのためバージョン管理を実施することで、新しい要素や変更が加わった場合に、関係者がそれを追跡でき、問題が発生した場合にも簡単に元々のバージョンまで戻ることができる。

4.ユーザーフィードバックの取得

デザインシステムの利用者からのフィードバックを積極的に回収し、その情報をもとに改善することも重要である。

多くの企業が自社のデザインシステムを公開している理由の1つだ。イギリス政府のように国営のサイトの体験に関するフィードバックを民間から発信できるコミュニティを持ち、その中で上がった意見を元に改善が進められるケースもある（参照）。

まとめ

本記事ではデザインシステムの基礎となる存在理由や要素、運用方法をご紹介した。

デザインシステムは企業におけるデザインチームの生産性向上、デザイン運用ための品質担保という目的があるが、それを運用するのはデザイナーだけに限らない。

エンジニアやプロジェクトマネージャーも、このデザインシステムを参考にしながらプロダクトを作っていく。そのため、デザインシステム自体は企業の重要なアセットである。

特にデザインという属人的な領域において、デザインを「システム」として管理することは、どんなデザイナーでも一定の成果を挙げやすくなるため、デザインの質の向上に寄与するだろう。

この記事を読んで、デザインシステムを認知する人が増えたら幸いである。

これまで全3回で、『ディズニーのビジネスモデルと世界観の礎が築かれるまで (第1回)』、『新たな表現とグローバル展開(第2回)』とお届けしてきたが、最終回は『今日のディズニーを支える立役者とディズニーのこれから』がテーマだ。

今回はディズニーランドを支えている技術、コンテンツと配給パイプの強化により、時代の変化を伴いディズニーが今後目指す先についてを掘り下げていきたい。

魔法を生み出す技術『イマジナリー』

ディズニーランド、初めての海外進出は日本だったのをご存じだろうか？この話が出た頃のディズニー社はウォルトが残した実験的未来都市をコンセプトした『エプコット』の建設を進めていた。

新たなテーマパークの建設に乗り気ではなかったディズニー社は、現在も東京ディズニーランド運営するオリエンタルランドに条件を出した。内容は契約期間50年、ライセンス料として売上の10%を徴収するというかなり厳しいものだった。

交渉の結果、最終的には契約期間を5年短縮し、手数料を見直すことで合意した。これが国外に持ち出された、最初のディズニーランドであり唯一ライセンス契約で成立している『東京ディズニーランド』だ。

当初はうまくいかないだろうと考えられていたが、予想を裏切り順調に入園者数と売上を伸ばすのを見たディズニー社は、直営のディズニーランドを海外展開する判断に踏み切り、フランス、パリ、中国、香港へと展開した。増設を視野に入れていたため、まずは小規模なパークを建設。

しかし、直営にしたことでローカライズが上手くいかずに客足が伸び悩び東京ディズニーランドのようには上手く行かなかった。現在でも他国のディズニーランドは改良を続けており、ようやく業績が伸び始めているような状態だ。

日本にもかつてはディズニーランドを模した奈良ドリームランド、横浜ドリームランドなどがあったが、どちらもアクセスの悪さや他テーマパークに客足が取られ閉園に至った。

現在のディズニーランドも決して好立地ではないが、そのほかのテーマパークとディズニーランドの決定的な違いはイマジニアリングと呼ばれる美術・芸術・建築・技術のプロフェッショナル集団がショーやパレード、アトラクションの開発をしていることではないだろうか。

彼らはディズニーランドの世界観を実現させるために研究を続けており、パーク内のコンテンツや建物の外観を含めた全体の景観など、決して世界観を損なわないように緻密な計算で作られているのだ。

具体例では、ウォルトが最後にアトラクションの建設に関わった『カリブの海賊』はの当初の構想では地下の空間を歩いて回るアトラクションを予定していた。

しかし、1964年のニューヨーク万博でイッツ・ア・スモールワールドとグレートモーメント・ウィズ・ミスターリンカーン（エイブラハム・リンカーンの名演説を体験できるステージ）の技術が好評だったため、ボートライドとオーディオアニマトロニクスという2つの技術をカリブの海賊に組み込んだ。

ディズニーランド以外のテーマパークでも、乗り物が水の上を漂っているように決まったルートを動くのを見たことはないだろうか、それがボートライドと呼ばれる技術だ。

一方、オーディオアニマトロニクスは音・アニメーションを電子によって同期させ、まるでキャラクターが生きているように見せている。

この技術はディズニーのテーマパークの至るところで使用されており、商標登録されているため、ほかのテーマパークは真似することができない。もっとも、これはディズニーが得意とするアニメーションの専門性が活きているため、同じように真似することも難しい技術だ。

そして、キャラクターも当初考えていた方向性から変更された。

キャラクターのデザインを務めたのは、シンデレラ、アリス、ティンカーベル、マレフィセントなどの人気キャラクターの生みの親であるマーク・デイヴィスだ。

「アニメの描けるアニメーターは他にもいる。彼は、物語を作ってキャラクターに命を宿らせることも、私の望むショーの企画だってできる。彼は私のルネッサンスマンだ」とウォルトを絶賛させたほど高い技術と独自性を持ったクリエイターだ。

カリブの海賊だけではなく、先述のイッツ・ア・スモールワールド、グレートモーメント・ウィズ・ミスターリンカーンも彼の貢献が大きい。

カリブの海賊のキャラクター変更では、海賊の持つ暴力的・攻撃的なイメージを覆し、陽気で少し間が抜けた愛嬌ある海賊たちとして表現した。

カリブの海賊は人気アトラクションとなり、後に映画化に至った。

カリブの海賊は、『パイレーツ・オブ・カリビアン』シリーズとして物語まで与えられたのだ。

さらに、映画の内容に合わせてアトラクションにも追加修正を加えた。

現在ではキャプテン・ジャック・スパロウをはじめとしたキャラクターが追加されている。

この修正はディズニーランドのみだけではなく、マジック・キングダム、東京、パリでも同じ修正が施された。

コンテンツがエンターテイメントへ、エンターテイメントがコンテンツへとインタラクティブに影響を与え合い、高度なコンテンツとして発展する。

ディズニーが揺らぐことなく提供し続けてきた、人を楽しませるという価値はこのようにして実現されてきたのだ。

コンテンツと配給パイプの強化

かつて、ウォルトが拠点をハリウッドに移したことで、ビジネスモデルに影響を与えた。この背景には、ハリウッドのグローバルビジネスモデルが深く関係している。

莫大な額の投資をして作品を生み出し、作った内の1本が当たれば何本分もの赤字を取り返すような不安定さを思わせる事業が、ハリウッドでは当たり前のように行われる。

巨大な費用を生む金融システムを持ち、安定して広く強い配給網を作る。

効果的なマーケティング施策を導入して、高品質な作品を届けるサイクルを回す。ディズニーが質にこだわり続けるのも、この文化の影響を強く受けているからだろう。

そして、ディズニーは経営資源の強化を目的に、あらゆる会社を買収してきた。米国の3大テレビネットワークであったABCは、ディズニーランド建設時に譲渡した施設の一部権利を買い戻しただけにとどまらず、1995年に親会社を買収して傘下に置いた。

これによって、米メディアの関係性が変わり再編時代に突入。続いて、3大テレビネットワークのCBSも買収したことで、ディズニーは強固で広範な配給網を確保した。

しかし、2000年に入ってから再び低迷が始まった。アニメーションが2Dから3Dに移行を始めたタイミングで、ディズニーは波に乗り遅れて苦戦を強いられたからだ。

2006年にピクサーを買収し、ピクサーの創業者の一人であるジョン・ラセターがCCOに就任すると徹底的な改革を行った。直接作品に関わっていないスタッフも巻き込み、現場が自由に発言できる雰囲気を作り組織の意識を変えていったことで、現場主導のボトムアップ型の制作体制を確立させた。

この時、ラセターはディズニーの伝統を重んじる方向で制作の舵を取った。すでにディズニーを離れていたディズニールネサンス期のスタッフを呼び戻して、周囲に流される3Dアニメーションではなく、あえて2Dのアニメーションを作った。

2009年に『プリンセスと魔法のキス』を公開すると、作品は世界中で大ヒットを記録。続いて同様にディズニーの伝統を踏襲し、童話を元にした王道のプリンセスストーリーとして『塔の上のラプンツェル』を発表。

そして、遂にディズニー史上最高の興行収入を叩き出した『アナと雪の女王』を生み出した。この流れが周囲に、ディズニーの第二期ルネサンスとして印象を与えた。

ピクサーの買収を皮切りに、怒涛の制作スタジオ買収、事業提携で拡大戦略を行い顧客層広げると共に、コンテンツライセンスという経営資産を蓄え始めた。

コンテンツビジネスでは所有しているコンテンツの価値と権利が、そのまま資産になる。

良質なコンテンツは収益を生み、さらに集客や求人効果も生む。一度ヒットすればコンテンツとしてレバレッジが効き、メディアとの相性もいい。一方で権利で守られていなければ模倣可能となるため、知的財産として権利で守られなければビジネスとして機能しない。

ピクサー、マーベル、ルーカス、20世紀フォックスを買収して、米の代表的なコングロマリットメディアを抜き、現在のディズニーがトップまで上り詰めたのは、マーベル作品や『スター・ウォーズ』シリーズなど、人気作品の権利を所有したことも大いに貢献しているのだ。

時代の変化はD2Cへ

現在コロナの到来によって、時代の流れは映画館からオンライン配信へと加速している。

このような大きな変化は数十年に一度、あるかないかの大変革だ。実際、市場の半分近くの興行収入を占めるまでになったディズニーだが、興行収入そのものは下がる一方なのだ。

この変化を受けてディズニー社は2021年のQ4で、従来のBtoB型の配給ではなく直接toCへ届けることを方針として掲げている。

新作は劇場ではなくオンデマンド配信で発表すると公表し、続々とDisney+では新作が配信され始めた。

東京ディズニーリゾートのアプリでは、ゲストが設定したキャラクターアイコンを元に『マイ・フェイバリット・キャラクター』というものを定めており、選ばれたキャラクターをパーク内に登場させるという参加型の企画があった。

ここで第1弾に選ばれた『ズートピア』も、2022年の11月に新作としてDisney+が始まった。（参照）2023年の年明けにはスター・ウォーズの新作も控えている。

ディズニーのみならず多くの企業が行ってきたコングロマリットの利点は、事業拡大、知識や技術力の確保、複数の事業を持つことでうまれるシナジーといった面がある。

また、新規事業を立ち上げるよりもコストが抑えられ、経営環境が変化すれば事業再編を実施して財政の悪化を防ぐが出来るためリスク分散が可能になる。つまり、このような変化にもコングロマリットは対応しやすい。

米メディアの代表的なコングロマリットの仲間入りを果たしたが、時代の変換期と重なり直近数年は目標を下回る結果が続いていた。そして、ディズニー社は現在、徐々に業績を持ち直し始めている。

ディズニー社は半世紀以上の間、同じコンテンツが価値を生み続けるほど高い品質の作品を生み出してきた。そして、かつては窮地を救ったミッキーも実は著作権が切れかかっているのだ。

ミッキーの著作権が切れそうになる度に著作権が延長され、米国ではミッキー保護法と揶揄されてきた経緯もあるが、これ以上は著作権を独占するのは難しくなってきた。

実際に2020年に著作権が失われたくまのプーさんは、皮肉の効いたパロディ映画が作られ始めている。今後は新たにディズニーの世界観を守っていくために、著作権切れの問題と向き合っていく必要も出てきそうだ。

夢と魔法を実現する『現実』の話

ディズニーが『夢と魔法の世界』を実現するために行なっていることは限りなく現実的だ。それは表舞台の明るく正しいイメージと乖離するかもしれない。

SF作家アーサー・C・クラークが残した言葉に「十分に発達した科学技術は、魔法と見分けがつかない」という有名なものがある。これは実際には科学に限ったことではなく、ディズニーが提供するものはまさにこれだ。

高い技術を持ち寄り、見ている人を驚かせ、感動させる。この体験こそが魔法だ。

ディズニーが見せている夢と魔法の国の実現には、常に十分な投資が必要である。

安定した資金の確保ために強固なビジネスモデルを求め、才能あるクリエイターと共に魅力的な作品を生み出すことを追求した。仕上がった作品を著作権で保護して、一貫した運用と配給によって世界に夢を届けた。

その夢を、魔法のような体験に昇華させたことで、子供から大人まで幅広い年代の人々に感動を与えてきたのだ。

時代が変わると環境や価値観が移ろい、それによって消費者のニーズも変化する。一度作品が成功しても、次同じように受け入れられるとは限らない。

多くの人に愛され、広く知られるには、常に人々の変化を捉えられる目と柔軟な変化が求められる。

向上心を持って適切に自己批判を繰り返し、現状を変えることを臆さず、新しい挑戦をすることは商業クリエイターとしても起業家としても、成長と発展に必要な資質だ。

コンテンツビジネスはレバレッジが効くと説明されることが多いが、それは『優れたクリエイティブ』と『優れたビジネス戦略』のどちらも実現した上でのみ成立する。これからコンテンツビジネスを始めようとしている人には、まずこの2つから考えて欲しい。

btraxが事業の成功をサポートします

btraxは、サービスのグローバル進出をはじめとし、未来を見据えた事業やコンセプトの創出、最適なユーザー体験に貢献することをミッションとしている。

私たちの取り組みは、ユーザーファーストでの新規事業の立ち上げ、ユーザー中心設計での体験やインターフェイスのデザイン、組織変革に活かすためのデザイン思考ワークショップを通じて手法とマインドセットを教授するなど多岐に渡る。

個人、事業、組織のあらゆる規模、プロジェクトを問わずクリエイティビティーを最大まで引き出し、質の高いソリューションやサービスを提供できるように努めている。ご興味をお持ちの方はお気軽にお問い合わせください。

btraxの会社概要・サービス提供事例はこちらから。

Written by Yuri Tanaka, Lead UI/UX Designer at btrax Japan

これまで全3回で、『ディズニーのビジネスモデルと世界観の礎が築かれるまで (第1回)』、『新たな表現とグローバル展開(第2回)』とお届けしてきたが、最終回は『今日のディズニーを支える立役者とディズニーのこれから』がテーマだ。

今回はディズニーランドを支えている技術、コンテンツと配給パイプの強化により、時代の変化を伴いディズニーが今後目指す先についてを掘り下げていきたい。

魔法を生み出す技術『イマジナリー』

ディズニーランド、初めての海外進出は日本だったのをご存じだろうか？この話が出た頃のディズニー社はウォルトが残した実験的未来都市をコンセプトした『エプコット』の建設を進めていた。

新たなテーマパークの建設に乗り気ではなかったディズニー社は、現在も東京ディズニーランド運営するオリエンタルランドに条件を出した。内容は契約期間50年、ライセンス料として売上の10%を徴収するというかなり厳しいものだった。

交渉の結果、最終的には契約期間を5年短縮し、手数料を見直すことで合意した。これが国外に持ち出された、最初のディズニーランドであり唯一ライセンス契約で成立している『東京ディズニーランド』だ。

当初はうまくいかないだろうと考えられていたが、予想を裏切り順調に入園者数と売上を伸ばすのを見たディズニー社は、直営のディズニーランドを海外展開する判断に踏み切り、フランス、パリ、中国、香港へと展開した。増設を視野に入れていたため、まずは小規模なパークを建設。

しかし、直営にしたことでローカライズが上手くいかずに客足が伸び悩び東京ディズニーランドのようには上手く行かなかった。現在でも他国のディズニーランドは改良を続けており、ようやく業績が伸び始めているような状態だ。

日本にもかつてはディズニーランドを模した奈良ドリームランド、横浜ドリームランドなどがあったが、どちらもアクセスの悪さや他テーマパークに客足が取られ閉園に至った。

現在のディズニーランドも決して好立地ではないが、そのほかのテーマパークとディズニーランドの決定的な違いはイマジニアリングと呼ばれる美術・芸術・建築・技術のプロフェッショナル集団がショーやパレード、アトラクションの開発をしていることではないだろうか。

彼らはディズニーランドの世界観を実現させるために研究を続けており、パーク内のコンテンツや建物の外観を含めた全体の景観など、決して世界観を損なわないように緻密な計算で作られているのだ。

具体例では、ウォルトが最後にアトラクションの建設に関わった『カリブの海賊』はの当初の構想では地下の空間を歩いて回るアトラクションを予定していた。

しかし、1964年のニューヨーク万博でイッツ・ア・スモールワールドとグレートモーメント・ウィズ・ミスターリンカーン（エイブラハム・リンカーンの名演説を体験できるステージ）の技術が好評だったため、ボートライドとオーディオアニマトロニクスという2つの技術をカリブの海賊に組み込んだ。

ディズニーランド以外のテーマパークでも、乗り物が水の上を漂っているように決まったルートを動くのを見たことはないだろうか、それがボートライドと呼ばれる技術だ。

一方、オーディオアニマトロニクスは音・アニメーションを電子によって同期させ、まるでキャラクターが生きているように見せている。

この技術はディズニーのテーマパークの至るところで使用されており、商標登録されているため、ほかのテーマパークは真似することができない。もっとも、これはディズニーが得意とするアニメーションの専門性が活きているため、同じように真似することも難しい技術だ。

そして、キャラクターも当初考えていた方向性から変更された。

キャラクターのデザインを務めたのは、シンデレラ、アリス、ティンカーベル、マレフィセントなどの人気キャラクターの生みの親であるマーク・デイヴィスだ。

「アニメの描けるアニメーターは他にもいる。彼は、物語を作ってキャラクターに命を宿らせることも、私の望むショーの企画だってできる。彼は私のルネッサンスマンだ」とウォルトを絶賛させたほど高い技術と独自性を持ったクリエイターだ。

カリブの海賊だけではなく、先述のイッツ・ア・スモールワールド、グレートモーメント・ウィズ・ミスターリンカーンも彼の貢献が大きい。

カリブの海賊のキャラクター変更では、海賊の持つ暴力的・攻撃的なイメージを覆し、陽気で少し間が抜けた愛嬌ある海賊たちとして表現した。

カリブの海賊は人気アトラクションとなり、後に映画化に至った。

カリブの海賊は、『パイレーツ・オブ・カリビアン』シリーズとして物語まで与えられたのだ。

さらに、映画の内容に合わせてアトラクションにも追加修正を加えた。

現在ではキャプテン・ジャック・スパロウをはじめとしたキャラクターが追加されている。

この修正はディズニーランドのみだけではなく、マジック・キングダム、東京、パリでも同じ修正が施された。

コンテンツがエンターテイメントへ、エンターテイメントがコンテンツへとインタラクティブに影響を与え合い、高度なコンテンツとして発展する。

ディズニーが揺らぐことなく提供し続けてきた、人を楽しませるという価値はこのようにして実現されてきたのだ。

コンテンツと配給パイプの強化

かつて、ウォルトが拠点をハリウッドに移したことで、ビジネスモデルに影響を与えた。この背景には、ハリウッドのグローバルビジネスモデルが深く関係している。

莫大な額の投資をして作品を生み出し、作った内の1本が当たれば何本分もの赤字を取り返すような不安定さを思わせる事業が、ハリウッドでは当たり前のように行われる。

巨大な費用を生む金融システムを持ち、安定して広く強い配給網を作る。

効果的なマーケティング施策を導入して、高品質な作品を届けるサイクルを回す。ディズニーが質にこだわり続けるのも、この文化の影響を強く受けているからだろう。

そして、ディズニーは経営資源の強化を目的に、あらゆる会社を買収してきた。米国の3大テレビネットワークであったABCは、ディズニーランド建設時に譲渡した施設の一部権利を買い戻しただけにとどまらず、1995年に親会社を買収して傘下に置いた。

これによって、米メディアの関係性が変わり再編時代に突入。続いて、3大テレビネットワークのCBSも買収したことで、ディズニーは強固で広範な配給網を確保した。

しかし、2000年に入ってから再び低迷が始まった。アニメーションが2Dから3Dに移行を始めたタイミングで、ディズニーは波に乗り遅れて苦戦を強いられたからだ。

2006年にピクサーを買収し、ピクサーの創業者の一人であるジョン・ラセターがCCOに就任すると徹底的な改革を行った。直接作品に関わっていないスタッフも巻き込み、現場が自由に発言できる雰囲気を作り組織の意識を変えていったことで、現場主導のボトムアップ型の制作体制を確立させた。

この時、ラセターはディズニーの伝統を重んじる方向で制作の舵を取った。すでにディズニーを離れていたディズニールネサンス期のスタッフを呼び戻して、周囲に流される3Dアニメーションではなく、あえて2Dのアニメーションを作った。

2009年に『プリンセスと魔法のキス』を公開すると、作品は世界中で大ヒットを記録。続いて同様にディズニーの伝統を踏襲し、童話を元にした王道のプリンセスストーリーとして『塔の上のラプンツェル』を発表。

そして、遂にディズニー史上最高の興行収入を叩き出した『アナと雪の女王』を生み出した。この流れが周囲に、ディズニーの第二期ルネサンスとして印象を与えた。

ピクサーの買収を皮切りに、怒涛の制作スタジオ買収、事業提携で拡大戦略を行い顧客層広げると共に、コンテンツライセンスという経営資産を蓄え始めた。

コンテンツビジネスでは所有しているコンテンツの価値と権利が、そのまま資産になる。

良質なコンテンツは収益を生み、さらに集客や求人効果も生む。一度ヒットすればコンテンツとしてレバレッジが効き、メディアとの相性もいい。一方で権利で守られていなければ模倣可能となるため、知的財産として権利で守られなければビジネスとして機能しない。

ピクサー、マーベル、ルーカス、20世紀フォックスを買収して、米の代表的なコングロマリットメディアを抜き、現在のディズニーがトップまで上り詰めたのは、マーベル作品や『スター・ウォーズ』シリーズなど、人気作品の権利を所有したことも大いに貢献しているのだ。

時代の変化はD2Cへ

現在コロナの到来によって、時代の流れは映画館からオンライン配信へと加速している。

このような大きな変化は数十年に一度、あるかないかの大変革だ。実際、市場の半分近くの興行収入を占めるまでになったディズニーだが、興行収入そのものは下がる一方なのだ。

この変化を受けてディズニー社は2021年のQ4で、従来のBtoB型の配給ではなく直接toCへ届けることを方針として掲げている。

新作は劇場ではなくオンデマンド配信で発表すると公表し、続々とDisney+では新作が配信され始めた。

東京ディズニーリゾートのアプリでは、ゲストが設定したキャラクターアイコンを元に『マイ・フェイバリット・キャラクター』というものを定めており、選ばれたキャラクターをパーク内に登場させるという参加型の企画があった。

ここで第1弾に選ばれた『ズートピア』も、2022年の11月に新作としてDisney+が始まった。（参照）2023年の年明けにはスター・ウォーズの新作も控えている。

ディズニーのみならず多くの企業が行ってきたコングロマリットの利点は、事業拡大、知識や技術力の確保、複数の事業を持つことでうまれるシナジーといった面がある。

また、新規事業を立ち上げるよりもコストが抑えられ、経営環境が変化すれば事業再編を実施して財政の悪化を防ぐが出来るためリスク分散が可能になる。つまり、このような変化にもコングロマリットは対応しやすい。

米メディアの代表的なコングロマリットの仲間入りを果たしたが、時代の変換期と重なり直近数年は目標を下回る結果が続いていた。そして、ディズニー社は現在、徐々に業績を持ち直し始めている。

ディズニー社は半世紀以上の間、同じコンテンツが価値を生み続けるほど高い品質の作品を生み出してきた。そして、かつては窮地を救ったミッキーも実は著作権が切れかかっているのだ。

ミッキーの著作権が切れそうになる度に著作権が延長され、米国ではミッキー保護法と揶揄されてきた経緯もあるが、これ以上は著作権を独占するのは難しくなってきた。

実際に2020年に著作権が失われたくまのプーさんは、皮肉の効いたパロディ映画が作られ始めている。今後は新たにディズニーの世界観を守っていくために、著作権切れの問題と向き合っていく必要も出てきそうだ。

夢と魔法を実現する『現実』の話

ディズニーが『夢と魔法の世界』を実現するために行なっていることは限りなく現実的だ。それは表舞台の明るく正しいイメージと乖離するかもしれない。

SF作家アーサー・C・クラークが残した言葉に「十分に発達した科学技術は、魔法と見分けがつかない」という有名なものがある。これは実際には科学に限ったことではなく、ディズニーが提供するものはまさにこれだ。

高い技術を持ち寄り、見ている人を驚かせ、感動させる。この体験こそが魔法だ。

ディズニーが見せている夢と魔法の国の実現には、常に十分な投資が必要である。

安定した資金の確保ために強固なビジネスモデルを求め、才能あるクリエイターと共に魅力的な作品を生み出すことを追求した。仕上がった作品を著作権で保護して、一貫した運用と配給によって世界に夢を届けた。

その夢を、魔法のような体験に昇華させたことで、子供から大人まで幅広い年代の人々に感動を与えてきたのだ。

時代が変わると環境や価値観が移ろい、それによって消費者のニーズも変化する。一度作品が成功しても、次同じように受け入れられるとは限らない。

多くの人に愛され、広く知られるには、常に人々の変化を捉えられる目と柔軟な変化が求められる。

向上心を持って適切に自己批判を繰り返し、現状を変えることを臆さず、新しい挑戦をすることは商業クリエイターとしても起業家としても、成長と発展に必要な資質だ。

コンテンツビジネスはレバレッジが効くと説明されることが多いが、それは『優れたクリエイティブ』と『優れたビジネス戦略』のどちらも実現した上でのみ成立する。これからコンテンツビジネスを始めようとしている人には、まずこの2つから考えて欲しい。

btraxが事業の成功をサポートします

btraxは、サービスのグローバル進出をはじめとし、未来を見据えた事業やコンセプトの創出、最適なユーザー体験に貢献することをミッションとしている。

私たちの取り組みは、ユーザーファーストでの新規事業の立ち上げ、ユーザー中心設計での体験やインターフェイスのデザイン、組織変革に活かすためのデザイン思考ワークショップを通じて手法とマインドセットを教授するなど多岐に渡る。

個人、事業、組織のあらゆる規模、プロジェクトを問わずクリエイティビティーを最大まで引き出し、質の高いソリューションやサービスを提供できるように努めている。ご興味をお持ちの方はお気軽にお問い合わせください。

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Written by Yuri Tanaka, Lead UI/UX Designer at btrax Japan